| COMPOSITEUR | Henry PURCELL |
| LIBRETTISTE | Nahum Tate |
| ENREGISTREMENT | ÉDITION | DIRECTION | ÉDITEUR | NOMBRE | LANGUE | FICHE DÉTAILLÉE |
| 1935 | – | Clarency Raybould | Decca | 7 x 78 t | anglais |  |
| 1945 | – | Constant Lambert | His Master’s Voice | 7 x 78 t | anglais | |
| 1945 | 1999 | Constant Lambert | Opera d’Oro | 1 | anglais | |
| 1952 | 1989 | Geraint Jones | EMI Music | 1 | anglais |  |
| 1952 | 2007 | Geraint Jones | Naxos Historical | 1 | anglais | |
| 1951 | – | Jackson Gregory | Period | 1 (LP) | anglais | |
| 1951 | 2007 | René Capdevielle | Cascavelle | 1 | anglais | |
| 1955 | 2001 | Hans Schmidt-Isserstedt | Uracant | 1 | allemand |  |
| 1959 | 1999 | Benjamin Britten | BBC Legends | 1 | anglais | |
| 1961 | 2000 | Anthony Lewis | Decca Legends | 1 | anglais | |
| 1964 | 1995 | Alfred Deller | Arcade Music | 2 | anglais | |
| 1964 | 2006 | Alfred Deller | Vanguard Classics | 2 | anglais | |
| 1965 | 2000 | John Barbirolli | EMI | 1 | anglais |  |
| 1967 | 1990 | Charles Mackerras | Archiv | 1 | anglais | |
| 1967 | 2005 | Charles Mackerras | Deutsche Grammophon | 2 | anglais | |
| 1970 | 1971 | Colin Davis | Philips | 1 | anglais |  |
| 1971 | 1996 | Raymond Leppard | Arkadia | 1 | anglais |  |
| 1971 | 2001 | Raymond Leppard | Opera d’Oro | 2 | anglais | |
| 1975 | 2001 | Steuart Bedford | Decca | 2 | anglais | |
| 1977 | 1991 | Raymond Leppard | Erato | 1 | anglais |  |
| 1977 | 2002 | Raymond Leppard | Apex | 1 | anglais | |
| 1980 | Joël Cohen | Harmonia Mundi | 1 | anglais | |
|
| 1981 | 1991 | Andrew Parrott | Chandos | 1 | anglais |  |
| 1983 | 1994 | Nikolaus Harnoncourt | Teldec | 1 | anglais |  |
| 1983 | 1996 | Nikolaus Harnoncourt | Teldec | 1 | anglais |  |
| 1985 | 1986 | Raymond Leppard | Philips | 1 | anglais |  |
| 1985 | 1999 | Michel Corboz | M 10 | 1 | anglais | |
| 1986 | 1999 | William Christie | Harmonia Mundi | 1 | anglais | |
| 1988 | 1989 | Trevor Pinnock | Archiv | 1 | anglais |  |
| 1988 | 2003 | Trevor Pinnock | Archiv | 5 | anglais | |
| – | 1989 | Roderick Shaw | Globe | 1 | anglais | |
| 1989 | 1993 | Ivor Bolton | WEA | 1 | anglais |  |
| 1990 | 1990 | John Eliot Gardiner | Philips | 1 | anglais | |
| 1992 | 2006 | Christopher Hogwood | Decca | 1 | anglais |  |
| 1993 | 1994 | Nicholas McGegan | Harmonia Mundi | 1 | anglais |  |
| 1994 | 1999 | Andrew Parrott | Sony | 1 | anglais |  |
| 1994 | 1995 | William Christie | Erato | 1 | anglais |  |
| 1996 | 1996 | Neville Marriner | Philips | 1 | anglais |  |
| 1994 | 1996 | Jeanne Lamon | CBC Records | 1 | anglais |  |
| 1994 | 1997 | Scholars Baroque | Naxos | 1 | anglais | |
| – | 1995 | Richard Hickox | Chandos | 1 | anglais | |
| – | 1998 | Bradley Brookshire | Vox Classics | 1 | anglais | |
| 1996 | 1996 | Martin Pearlman | Telarc | 1 | anglais | |
| 1998 | 2000 | René Jacobs | Harmonia Mundi | 1 | anglais | |
| 1998 | 2006 | René Jacobs | Harmonia Mundi | 1 | anglais | |
| 2001 | 2001 | Hervé Niquet | Glossa | 1 | anglais | |
| – | – | Maarten Michielson | Wijnand Van Hooff | 1 | anglais | |
| 2003 | 2003 | Emmanuelle Haïm | Virgin Classics | 1 | anglais | |
| 2004 | Predrag Gosta | Edition Lilac | 1 | anglais | |
|
| 2004 | 2005 | Jed Wentz | Brilliant Classics | 2 | anglais | |
| 2004 | 2011 | Jed Wentz | Brilliant Classics | 1 | anglais | |
| 2007 | 2008 | Teodor Currentzis | Alpha | 1 | anglais | |
| 2008 | 2009 | Elizabeth Kenny & Stephen Devine | Chandos | 1 | anglais | |
| 2009 | 2010 | Leonardo Garcia Alarcon | Harmonia Mundi | 1 | anglais | |
DVD
| ENREGISTREMENT | ÉDITION | DIRECTION | ÉDITEUR | FICHE DÉTAILLÉE |
| 2000 | Jeanne Lamon | Rhombus Media |  |
|
| 2001 | 2004 | William Christie | Aller Retour Productions | |
| 2005 | 2008 | Attilio Cremonesi | Arthaus | |
| 2007 | 2008 | Richard Hickox | Kultur Video | |
| 2009 | 2009 | Christopher Hogwood | Opus Arte | |
| 2008 | 2009 | William Christie | Fra/Opéra Comique | |
Opéra (Z 626) en un prologue et 3 actes, sur un livret inspiré de la tragédie Brutus of Alba, or the Enchanted Lovers tirée du Livre IV de l’Enéide de Virgile, écrit par Nahum Tate, dramaturge et poète irlandais, né en 1652 à Dublin. On a longtemps pensé qu’il avait été composé, comme l’indique un livret de huit pages datant de 1689, pour Josias Priest, maître à danser d’une école de jeunes demoiselles de Chelsea, la Boarding School for Girls, dans la banlieue de Londres, à l’automne 1689. On pense aujourd’hui qu’il pourrait avoir été représenté dès 1684, à la cour de Charles II, mort en 1685, à l’instar d’un petit opéra de John Blow, dont on a également retrouvé le livret publié à l’occasion de la représentation dans cette même école..Dido and Aeneas fut repris, avec des aménagements, par Charles Gildon, en 1695, au Lincoln’s Inn de Londres, pour accompagner son adaptation d’une comédie de Shakespeare, puis deux fois en 1704, chaque fois en accompagnement d’une pièce de théâtre. Le manuscrit principal est celui de la bibliothèque de St Michael’s College, à Tenbury, et date de 1775 environ (ou 1750 ?) (on ne dispose d’aucun manuscrit de la main de Purcell). N’y figurent ni les six danses du prologue, ni celle de la fin de l’acte II, ainsi que deux danses pour guitare.
Le manuscrit est actuellement détenu à la Bodleian Library d’Oxford. « On a appris récemment que c’est probablement à la cour, en 1684, que l’ouvrage, conçu comme un pendant du Vénus et Adonis de John Blow, a vu le jour et qu’il était agrémenté d’un prologue, de danses et d' »effets spéciaux « . La version qui nous en reste, sujette à nombre d’incertitudes musicologiques mais parfaite dans son elliptique sobriété, ne serait donc que le résultat des nombreux remaniements opérés au fil des reprises. » (Le Monde de la Musique – novembre 2003) « Les plus récentes recherches nusicologiques que mentionne le texte de présentation de l’enregistrement d’Ivor Bolton replacent Didon et Enée dans une toute autre perspective. Cet ouvrage aurait été composé en 1683-1684, dans l’ombre du Venus and Adonis de John Blow ; les représentations de 1689 n’auraient donc été qu’une reprise, avec les aménagements musico-dramatiques que cela suppose. Didon et Enée ne serait pas exempt de connotations politiques à l’égard de Charles II et des intentions royales quant aux institutions musicales anglaises ; finies donc les prétendues références allégoriques aux souverains de 1689, donc entre Didon et la reine Mary, et entre Enée et Guillaume III. La partition parvenue jusqu’à nous serait tronquée, expliquant ainsi l’incroyable fossé séparant Didon et Enée et les autres oeuvres lyriques de Purcell, composées dans les années 1690. Manqueraient un prologue chanté et la fin de l’acte Il, sans compter sept nouvelles danses et l’attribution à une voix masculine de la Magicienne et du Marin. En attendant le fruit de nouvelles recherches, ainsi nous apparaît Didon et Enée : une œuvre incomplète et remaniée, sans que quiconque puisse préciser si la reprise de 1689 l’a ou non bonifiée. Mais quoiqu’il en soit, de tels travaux contribuent à déchirer le voile de respect enserrant cet intrigant ouvrage et force les interprètes à interroger le seul texte musical. » (Opéra International – septembre 1993) La reine de Carthage, Didon, hésite à déclarer sa flamme au prince troyen Enée que le destin a envoyé sur les rivages de Carthage. Encouragé par sa cour et sa suivante Belinda à avouer son amour, Didon cède. Pendant ce temps, des sorcières complotent dans une caverne et se réjouissent de la ruine de Didon et de Carthage, et se préparent à faire lever une tempête : au cours de celle-ci, Enée est trompé par un mauvais esprit qui lui prédit la nécessité de retourner en Italie. Enée s’apprête donc à partir, laissant Didon à proie à la douleur. La reine de Carthage dit adieu au monde, blessée à mort de cet abandon. (Classica – Guide de l’opéra – novembre 2000).
Synopsis détaillé
Acte I
Didon (soprano) apparaît entourée de sa cour, sa dame d’honneur Belinda (soprano) à ses côtés. Exhortation de Belinda, Shake the cloud off your brow, reprise par le choeur. Douloureux aria de Didon Ah, Belinda, I am prest with torment. C’est une magnifique expression du tourment, digne et retenue, comme il sied à la reine de Carthage et parfaitement en accord avec la tragédie qu’elle annonce et avec le conflit suggéré par les derniers mots : Peace and I are strangers grown. Belinda a compris que « l’hôte troyen » est à l’origine du malheur de la reine ; elle suggère, à mots couverts, qu’un mariage entre Didon et l’étranger résoudrait les maux de Carthage et le choeur soutient ses propos. Chaconne, introduite par le duo que chantent Belinda et une suivante. La cour tente à nouveau d’encourager la reine The hero loves as well as you. Entrée d’Enée (ténor ou baryton), le chœur, puis Belinda, puis le chœur à nouveau, soutiennent la requête du héros. Danse triomphante, toute la cour chante gaiement et simplement sa joie de voir Didon accepter la requête d’Enée.Changement de décor : la grotte où vit la Magicienne (mezzo-soprano). Elle enjoint à ses compagnes de s’unir à elle pour préparer la destruction de Didon et de Carthage. Toute la scène, avec ses chœurs ricanants, les cordes renvoyant aux cors de la chasse qui se poursuit au lointain, l’écho répercutant le chœur et la danse (des harmonies distinctes opposent la phrase à l’écho), illustre la beauté insidieuse qui peut marquer le cours du mal aussi sûrement que celui du bien.
Acte II
Un bosquet.
Didon et Enée, suivis par Belinda et leur suite. Belinda et le choeur, puis la Seconde Dame (soprano), chantent l’attrait particulier de ce lieu,qui a su charmer la déesse Diane, et qui fut le théâtre de la mort d’Actéon, mis en pièces par ses propres chiens. Scène idyllique interrompue par un coup de tonnerre au lointain. Belinda presse l’assemblée de chercher un abri ; air rapide et chargé d’ornements Haste, haste to town, qui révèle toute insuffisance technique chez le titulaire du rôle. Tous quittent la scène, sauf Enée, à qui apparaît Mercure (soprano ou ténor) – en réalité « l’elfe fidèle »de la Magicienne sous un déguisement. Il est porteur des ordres de Jupiter : le héros ne doit plus tarder à accomplir la tâche qui lui a été impartie, fonder la nouvelle Troie sur le sol latin. Réplique d’Enée, magnifique récitatif – l’un des hauts moments de la partition. La décision est aisée à prendre : il s’agit d’un ordre du dieu. Et pourtant, il préférerait mourir que de se résoudre à abandonner Didon.
Acte III
Le port de Carthage.
On prépare le départ de la flotte troyenne, l’orchestre introduit le chant du Marin (soprano ou ténor) : Come away, fellow sailors. Ton alerte et engageant, paroles cyniques. Le Marin presse ses compagnons de boire et d’abréger leurs adieux aux jeunes nymphes qui les attendent à terre. Reprise de l’air par le chœur, puis danse joyeuse. Apparition de la Magicienne entourée de ses créatures surnaturelles. Duo endiablé des sorcières, reposant sur Our plot has took, the Queen’s forsook, qui se termine par des éclats de rire démoniaques. Bref solo de la Magicienne révélant son intention de perdre également Enée, le choeur souligne ces dispositions. Une danse en trois parties réunit les sorcières et les marins. Apparaissent Didon et Belinda venues chercher Enée.Didon est pleine d’appréhension, et les premières paroles qu’il prononce confirment ses craintes. Elle le repousse quand il tente de s’expliquer : Thus on the fatal banks of Nile ; lorsqu’il lui annonce qu’il bravera la colère des dieux pour rester auprès d’elle, elle le rejette : Away, away. Après son départ, elle admet que la mort doit venir maintenant qu’il n’est plus là.Le choeur résume la gravité de la situation et prépare le moment où Didon dira adieu à la vie. Récitatif d’une simplicité émouvante, et aria When I am laid in earth, un des grands moments de l’opéra. La reine chante Remember me, remember me, but ah! forget my fate ; et le sens tragique profond est renforcé, plutôt qu’atténué, par le choeur suivant With drooping wings ye Cupids come, to scatter roses on her tomb.
(Tout l’opéra – Kobbé – Robert Laffont)
Partition :
http://www.dlib.indiana.edu/variations/scores/abm0994c/index.htmlhttp://books.google.fr/books?id=w-i85BzzwP0C&dq=&pg=PP1&ots=2JulwcVtqP&sig=jc6Yexp1NfQhXrnUB-DO9X8TVZA&prev=http://www.google.fr/search%3Fhl%3Dfr%26q%3DDido%2Band%2BAeneas%2B-%2BHenry%2BPurcell%25C2%25A0%26meta%3D&sa=X&oi=print&ct=title#PPP1,M1
Livret :
http://www.naxos.com/education/opera_libretti.asp?pn=&char=ALL&composer=Purcell&opera=Dido_and_Aeneas&libretto_file=Act_I.htmhttp://opera.stanford.edu/iu/libretti/dido.htmlhttp://www.karadar.it/Librettos/purcell_dido.htmlhttp://www.dicoseunpo.it/dicoseunpo/P_files/Dido_Aeneas.pdf
La Médiathèque – dossier
http://www.lamediatheque.be/travers_sons/op_pur01.htm
Le Monde de la Musique – novembre 2004 – Quand le destin s’en mêle
Représentations :
Winterthur, Theater – 19, 20, 21, 22 novembre 2013 – Così facciamo – dir. Hans Huyssen – mise en scène Heike Hanefeld – décors Gerrit Jurda – costumes Barbara Anna Keiner
Madrid, Teatro Real – 18 novembre 2013 – en version de concert – MusicAeterna – dir. Teodor Currentzis – avec Simone Kermes (Dido), Nuria Rial (Belinda), Dimitris Tiliakos (Aeneas)
Opéra de Francfort – 16 novembre, 1er, 6, 15 décembre 2013 – dir. Constantinos Carydis – mise en scène Barrie Kosky – décors, costumes Katrin Lea Tag – lumières Joachim Klein – chef de choeur Matthias Köhler – dramaturgie Zsolt Horpácsy – avec Paula Murrihy (Dido), Kateryna Kasper (Belinda), Elizabeth Reiter (2. Woman), Martin Wölfel (Sorceress), Dmitry Egorov (1. Witch), Roland Schneider (2. Witch), Michael Porter (Spirit/Sailor), Sebastian Geyer Aeneas
Stara Zagora – Bulgarie – 6, 7, 27 novembre, 6, 19 décembre 2013, 31 janvier, 5 février 2014 – dir. Krasimir Kashev – mise en scène Petko Bonev – décors Boris Stoynov – chorégraphie Romina Slavova, Kremena Kostova avec Ophelia Hristova, Elena Baramova, Anna Ditri, Ivan Kabamitov, Marc Fowler, Boris Taskov, Yanitsa Nesheva, Dessislava Stefanova, Rusalina Motchukova, Nina Dimitrova, Daniella Dyakova, Emilia Djurova, Kamelia Stoycheva, Violeta Dimitrova, Maria Gancheva, Kremena Dobreva, Milko Mihaylov, Gueorgui Dinev, Denis Ivanov – nouvelle production
Bonn, Alter Malersaal – 1er, 3, 4, 7, 11, 14 novembre 2013 – Jugendbarockorchester Rheinland – Concerto Köln – dir. Thomas Wise – mise en scène Mark Daniel Hirsch, chef de choeur Thomas Busch – avec Kathrin Leidig (Dido), Tamás Tarjányi (Aeneas/1. Sailor), Nikola Hillebrand (Belinda), Stefanie Wüst (2. Woman/1. Witch), Anjara Ingrid Bartz (Sorceress/Spirit), Charlotte Quadt (2. Witch)
Linz, Musiktheater am Volksgarten, Black Box – 25, 29, 31 octobre, 5, 11, 15, 20, 22, 27 novembre, 4, 20 décembre 2013 – Bruckner Orchester Linz – dir. Takeshi Moriuchi / Daniel Spaw – mise en scène décors, costumes, chorégraphie Daniela Kurz – chef de choeur Georg Leopold – dramaturgie Thomas Barthol – avec Martha Hirschmann (Dido), Martin Achrainer (Aeneas), Claudia Goebl (Belinda / 1. Witch), Cheryl Lichter (2. Woman / 2. Witch), Sven Hjörleifsson (Sorceress / Spirit / Sailor) – nouvelle production
Edimbourg, Festival Theatre – 24, 25 août 2013 – Oper Frankfurt – dir. Constantinos Carydis – mise en scène Barrie Kosky – décors, costumes Katrin Lea Tag – lumières Joachim Klein – chef de choeur Matthias Köhler – dramaturgie Zsolt Horpácsy – avec Paula Murrihy (Dido), Kateryna Kasper (Belinda), Elizabeth Reiter (2. woman), Martin Wölfel (Sorceress), Roland Schneider (1. Witch), Dmitry Egorov (2. Witch), Peter Marsh (Spirit), Sebastian Geyer (Aeneas), Peter Marsh (Sailor)
Innsbruck, Innenhof der Theologischen Fakultät – 14, 17, 19 août 2013 – The Pavillon Ensemble – dir. Piers Maxim – mise en scène Laurence Dale – costumes Gabriella Ingram – chorégraphie Benito Marcelino – avec Natalia Kawalek-Plewniak (Dido), Kelebogile Boikanyo (Sorceress), Edward Grint (Aeneas), Sophie Junker (Belinda), Jake Arditti (Spirit/Mercury), Einat Aronstein (Second woman), Jeffrey Francis (Sailor), Aurélie Franck (1. Witch) Danielle Rohr (2. Witch), Benito Marcelino (Iarbas) – nouvelle production
Graz, Schloss Eggenberg, Prunksälen – 13 juillet 2013 – Neue Hofkapelle Graz – mise en scène Thomas Höft – avec Bibiana Nwobilo (Dido), Gerd Kenda, Ulfried Staber (Aeneas), Ida Aldrian (Sorceress), Christoph List (Spirit), Anna Maria Auzinger (Belinda)
Roma, Terme di Caracalla – 13, 14, 15 juin 2013 – dir. Jonathan Webb – mise en scène Chiara Muti – décors Mario Torre – costumes Alessandro Lai – lumières Vincent Longuemare – chorégraphie Micha van Hoecke – chef de choeur Roberto Gabbiani – avec Serena Malfi (Dido), Kiandra Howarth (Belinda), Laura Catrani (2. Woman), Alda Caiello (Sorceress), Jacques Imbrailo (Enea), Eleonora De La Pena (1. Witch), Benedetta Mazzucato (2. Witch), Riccardo Angelo Strano (Spirit), Riccardo Pisani (Sailor) – nouvelle production
Ringve, Ringve Museum – Norvège – 12, 13, 15, 16 juin 2013 – TSO Vokalensemble – dir. Christian Kjos – mise en scène Randi Stene – décors, costumes Zuzana Gilhuus – avec Tuva Semmingsen (Dido), Lars Brissmann (Aeneas), Vibeke Christensen (Belinda), Bente Vist (Spirit), Ola Marius Ryan (Sailor)
Bath, Roman Baths – 29, 30 mai 2013 – Florilegium – dir. Ashley Solomon – mise en scène Martin Constantine – décors, costumes Sophie Mosberger – avec Helen-Jane Howells (Dido), Elin Manahan Thomas (Belinda), Robert Davies (Aeneas)
Francfort, Opernhaus – 25, 31 mai, 20 juin 2013 – dir. Steven Sloane – mise en scène Barrie Kosky – décors, costumes Katrin Lea Tag – lumières Joachim Klein – dramaturgie Zsolt Horpácsy – avec Sharon Carty (Dido), Kateryna Kasper (Belinda), Elizabeth Reiter (2. Woman), Martin Wölfel (Sorceress), Roland Schneider (1. Witch), Dmitry Egorov (Second Witch), Peter Marsh (Spirit/Sailor), Sebastian Geyer (Aeneas)
Vienne – Theater an der Wien – 21 avril 2013 – Amsterdam – Concertgebouw – 24 avril 2013 – version de concert – The King’s Consort – dir. Robert King – avec Carolyn Sampson (Dido), Roderick Williams (Aeneas), Robin Blaze (Sorceress), Rebecca Outram (Belinda), Julie Cooper (2. Woman/1. Witch), Charles Daniels (Sailor)
Ravenna, Teatro Dante Alighieri – 14 avril 2013 – Ensemble del Dipartimento di Musica antica e Coro da Camera del Conservatorio Bruno Maderna – dir. Luca Giardini – mise en scène Gabriella Medetti – décors Francesca Tagliavini – lumières Fiammetta Baldiserri – chorégraphie Sara Buratti, Federica Zani – chef de choeur Paola Urbinati – avec Cristina Alunno Dido, Mauro Borgioni Aeneas, Vittoria Giacobazzi Belinda, Margherita Pieri 2. Woman, Carlo Vistoli Sorceress, Costanza Fontana 1. Witch, Marina Maroncelli Second Witch, Jacopo Facchini Spirit, Andrea Fermi Sailor
Verona, Teatro Ristori – 19, 20, 21 février 2013 – dir. Stefano Montanari – mise en scène Marina Bianchi – décors, costumes Leila Fteita – chorégraphie Maria Grazia Garofoli – avec Roberta Invernizzi (Didone), Leonardo Cortellazzi (Enea), Marina De Liso (Maga), Maria Hinojosa Montenegro (Belinda), Paolo Antognetti (Marin), Irene Favro (Seconde Dame), Alessia Nadin (Première sorcière), Elisa Fortunati (Seconde sorcière), Teona Divali (Esprit)
Compiègne, Théâtre Imperial – 14 février 2013 – Bordeaux, Grand-Théâtre – 26, 27, 28 février, 1er, 3 mars 2013 – Les Nouveaux Caractères – Ensemble vocal Aedes – dir. Sébastien d’Hérin – mise en scène Bernard Lévy – décors Giulio Lichtner – costumes Elsa Pavanel – vidéo Romain Vuillet, Jérôme Tuncer – lumières Christian Pinaud – avec Isabelle Druet (Didon), Florian Sempey (Énée), Camille Mutel (Belinda), Chiara Skerath (La seconde suivante), Sarah Jouffroy (L’Enchanteresse), Agathe Boudet (La première sorcière), Fiona Mc Gown (La seconde sorcière), Théophile Alexandre (L’Esprit), Marc Valero (Le Marin), Josquin Macarez (L’Ours)
Opéra Magazine – avril 2013
« L’Opéra National de Bordeaux a choisi de reprendre une production venue de Besançon (2010) qui a tourné en France, notamment à Versailles, ce dont Catherine Scholler a rendu compte dans ces colonnes.Comme l’avait souligné ma consœur, il s’agit d’un spectacle minimaliste, sans guère de décors (un tronc d’arbre au II) ni de figurants (excepté bizarrement un faux ours), contenu dans un cube aux parois colorées, avec un fond d’écran vidéo où les surtitres participent presque de l’action, en étant souvent tourneboulés. Les costumes sont modernes et élégants, le chœur est dans la fosse, très visible donc très audible. Cela donne parfois l’impression d’assister à une version de concert, d’autant que la mise en scène est stylisée : une manière d’épure qui souligne bien les dilemmes des personnages, mais ne se charge guère d’émotion, y compris dans la scène finale. Très affûté, l’ensemble Les Nouveaux Caractères (une flûte à bec ou un basson en plus des cordes et du continuo) répond avec vigueur aux impulsions parfois appuyées, mais toujours bien dans l’esprit purcellien de son chef et fondateur, Sébastien d’Hérin. Le chœur Aedes est brillant, et comme à Versailles, Isabelle Druet chante avec à-propos et une technique sans faille. À l’exception de Sarah Jouffroy, Magicienne guère impressionnante, et d’Agathe Boudet en Première Sorcière, les interprètes sont nouveaux. Si la voix du jeune Florian Sempey est bien timbrée et sonore, on a du mal à déceler le héros troyen sous son costume de ville. Très belle Belinda de Caroline Mutel, grande alllure scénique et chant prenant. Enfin, on apprécie la vivacité de la Seconde Sorcière (et Dame d’honneur qui n’est autre -, quel luxe ! – que Chiara Skerath, brillante Adina dans L’elisir d’amore à Metz, l’automne dernier. Avec un prologue composite (danses et airs divers) cette soirée célèbre bien Purcell, sans pour autant nous chavirer. »
Leeds, Grand Theatre – 14, 17, 19, 21 février 2013 – Newcastle, Theatre Royal – 26 février, 1er mars 2013 – Belfast, Grand Opera House – 8 mars 2013 – Salford Quays, The Lowry – 12, 15 mars 2013 – Nottingham, Theatre Royal – 19, 22 mars 2013 – Opera North – dir. Catrin Wyn-Davies – mise en scène Aletta Collins – décors Giles Cadle – costumes Gabrielle Dalton – chorégraphie Aletta Collins – avec Pamela Helen Stephen Dido, Amy Freston Belinda, Heather Shipp Sorceress, Jake Arditti Spirit, Louise Mott 2. Witch
Théâtre de Besançon – 12 février 2013
Paris – Théâtre des Champs Élysées – 15 décembre 2012 – version de concert – dir. Jean-Claude Malgoire – avec Máire Flavin (Didon), Nicolas Rivenq (Enée), Sabine Devieilhe (Belinda), Marie-Laure Coenjaerts (une Magicienne), Hasnaa Bennani (1. Sorcière)
Malmö – Malmö Paladium – 6 octobre 2012 – DR VokalEnsemblet – Barokksolistene – dir. Olof Boman – avec Elisabeth Jansson (Dido), Klaudia Kidon (Belinda), Daniel Åberg (Æneas)
Paris – Sainte Chapelle – 29, 30 septembre 2012 – Orchestre Barok Ensemble – Maîtrise des Hauts de Seine – solistes et choeur d’enfants de l’Opéra national de Paris – dir. Gaël Darchen
Berlin, Schiller Theater – 3, 7, 9 juin 2012 – Akademie für Alte Musik Berlin – Vocalconsort Berlin – dir. Christopher Moulds – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk, Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – lumières Thilo Reuther – chorégraphie Sasha Waltz – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York (Belinda), Céline Ricci (2. Woman) , Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard F Lorenz (1. Witch / A Sailor), Michael Bennett (2. Witch / Spirit)
Bielefeld, Bühnen der Stadt – 15, 18, 20, 26, 29 avril, 1er, 10, 19 mai 2012 – mise en scène Holger Pototzki – décors, costumes Lukas Noll
Bregenz – 31 mars, 3, 13, 19, 22 avril, 5, 16 mai 2012 – dir. Benjamin Lack – mise en scène, décors Paul Lerchbaumer – nouvelle coproduction avec Landeskonservatorium Feldkirch
Opéra Comique – 5, 7, 8 mars 2012 – Les Arts Florissants – dir. William Christie / Jonathan Cohen – mise en scène Deborah Warner – décors et costumes Chloe Obolensky – lumières Jean Kalman – avec, Malena Ernman (Dido), Nikolay Borchev (Aeneas), Judith Van Wanroij (Belinda), Hilary Summers (Sorceress), Lina Markeby (Second Woman), Céline Ricci (First Witch, Ana Quintans (Second Witch), Marc Mauillon (Spirit), Ben Davies (Sailor), Fiona Shaw (Prologue)
Montréal, Westminster United Church – 7, 8 février 2012 – Theatre of Early Music – version semi-scénique – – dir. Daniel Taylor – avec Noémi Kiss (Dido), Grace Davidson (Belinda), Julia Doyle (Second Woman), Alexander Dobson (Aeneas), Benjamin Butterfield (Sailor), Daniel Taylor (Sorceress)
Blois – Halle aux grains – 20 janvier 2012 – Ensemble Jacques Moderne – dir. Joël Suhubiette – avec Anne Magouët (Didon), Isabelle Poulenard (Belinda), Romain Bockler (Enée)
Londres – Wigmore Hall – 12 janvier 2012 – Early Opera Company – dir. Christian Curnyn
Bygstad – Åmot Operagard – Norvège – 18, 19, 20 août 2011 – Førde Kammerkor – dir. et piano Rachel Fuller – mise en scène et chorégraphie Erlend Samnøen – avec Catrin Johnsson (Dido), Jorunn Torsheim (Belinda), Bård Brattlie (Aeneas, Christine Marøy (Anna)
Totnes, Dartington Hall, Barn Theatre – 3, 4 août 2011 – Dartington Baroque Orchestra – dir. Steven Devine – mise en scène Tim Hopkins – Students on the Advanced Opera Course
Paris – Sainte Chapelle – 2, 3 juillet 2011 – Orchestre Paris Classik – Maîtrise des Hauts de Seine – Chœur d’enfants de l’Opéra national de Paris – dir. Gaël Darchen
Palo Alto – Lucie Stern Theatre – États Unis – 20, 22, 28, 29 mai 2011 – dir. José Luis Moscovich – mise en scène Attila Berés – avec Cathleen Candia (Dido), Zachary Gordin (Aeneas)
Grand-Théâtre de Dijon – 19, 20, 22, 24, 25 mai 2011 – Le Concert d’Astrée – dir. Jonathan Cohen – mise en scène Lilo Baur – avec les chanteurs de l’Académie de l’Opéra de Dijon
Anaclase
« … Dijon a joué la carte de la simplicité mais de l’efficacité musicale avec l’infatigable Didon et Énée de Purcell, l’un des frêles mais superbes piliers de l’opéra baroque. Une idée excellente mais finalement risquée, s’il est vrai qu’en dépit ou justement pour palier la concision de ce petit ouvrage – une heure à peine de scène et de fosse ! – des générations de metteurs en scène en ont fait des tonnes, noyant le chant et les instruments sous une avalanche de décors antico-baroco-quelque-chose. Tout le contraire est la démarche de Lilo Baur pour cette nouvelle production du théâtre bourguignon. Dans les décors dépouillés de Christos Konstantellos, dans les costumes d’une sobre modernité conçus par Agnès Falque, sous les habiles éclairages de Matthieu Berdet, les héros de Virgile se rencontrent, s’aiment, se perdent, avec la mort au bout du chemin pour la reine de Carthage. Déplacements subtilement conduits, regards expressifs, chœurs parfaitement utilisés, sorcières n’en faisant ni trop ni pas assez, tout est bien mené, bien conduit. Même si la déclamation baroque n’habite pas vraiment le chant du séduisant Énée de George Hum, Andrea Hill, touchante Didon, et Susan Gilmour-Bailey, Belinda aux justes accents, développent un chant et une tenue scénique particulièrement convaincants. On peut y ajouter l’Enchanteresse de Sara González Saavedra, tout comme les chœurs fort homogènes à la belle musicalité qui unissent les artistes maison et les juvéniles solistes du Concert d’Astrée. De la même façon, les pupitres de l’Orchestre Dijon-Bourgogne et ceux des musiciens du Concert d’Astrée sont particulièrement bien amalgamés par la direction attentive, présente, vivante du chef Jonathan Cohen. Avec un excellent continuo en prime. »
Kourandart
« Lilo Baur a gardé une part d’enfance et c’est pour cela que ses mises en scène sont toujours des moments ludiques parsemées, de pied de nez, de clins d’œil, et avec elle tout semble facile tellement évident. Cette liberté, elle l’obtient grâce à sa méthode faite d’improvisations lors des répétitions et de rigueur avec un soucis du détail qui nourrit et enrichit ses spectacles. Pour sa première mise en scène musicale où il faut partager avec le chef d’orchestre, Lilo Baur s’est appuyée sur le tempo de l’œuvre. Le siècle de Purcell est celui des effets scéniques, des trucages. L’acte avec les sorcières ne doit rien à Virgile mais tout à Nahum Tate, donne matière à des effets, dont on ne sait absolument rien. D’ailleurs elle a tenu à ce que le bruit du tonnerre soit un tonnerre de théâtre où le bruit métallique de la tôle froissée bien reconnaissable. Nous avons l’impression de feuilleter un livre d’image avec des ombres chinoises, des dessins laissant libre cours à la fantaisie. La flottille d’Enée est suggérée par le jeu des choristes très actifs manoeuvrant des cordages invisibles, ce qui est dans la logique des choses puisque Lilo Baur est une magicienne. Les chanteurs se sont sentis portés par cette mise en scène et la soprano Andrea Hill interprétant Didon selon la méthode de Lilo Baur a su trouver dans le lamento des accents qui ont ému la salle. Belinda est interprétée par la très belle chanteuse Susan Gilmour Bailey au timbre si particulier et Enée, par George Humphreys à la mâle assurance. Il est loin le temps où les chanteurs étaient des potiches autour desquelles les figurants bougeaient. Lilo Baur est véritablement une fée, l’expression musicale et le jeu dramatique tiennent une salle conquise par tant de talent. »
Opéra Magazine – juillet/août 2011
« Une mise en scène ni bonne, ni mauvaise, des interprètes principaux plus que corrrects, mais pas transcendants; un orchestre propre, mais qui n’a rien de particulier à exprimer : voici comment on pourrait résumer ce Dido and Aeneas. Son principal intérêt réside dans l’Académie de jeunes chanteurs de l’Opéra de Dijon, portée par Emmanuelle Haïm. On entend effectivement, chez les comprimari comme dans les chœurs, de très belles promesses. et on voit sur scène, avec grand plaisir, des artistes motivés et vivants – jusqu’à la Belinda mutine, à la voix ronde et pulpeuse, de Susan Gilmour Bailey. Mais cela ne suffit pas tout à fait, avec notamment des rôles-titres légèrement sous-dimensionnés, vraiment desservis par la mise en scène. Dans des décors et des costumes économiques, Lilo Baur laisse le soin aux choristes d’animer le plateau, tandis que les héros restent statiques. Le couple royal en sort très amoindri. A mi-chemin entre journal intime d’adolescente prépubère et publicité pour un parfum coûteux, George Humphreys s’asperge érotiquement d’eau puisée dans un seau au sortir de la chasse royale, et Andrea Hill, en robe de soirée, se précipite dans ses bras en tournoyant chaque fois qu’elle le peut. On en devient tellement irrité qu’on oublie, plus ou moins, de les écouter ! La Magicienne de Sara Gonzalez Saavedra n’est pas particulièrement marquante. On a le sentiment constant et inconfortable d’avoir déjà entendu pire, mais plus souvent bien mieux, y compris par de jeunes voix. Sous la baguette pourtant reconnue de Jonathan Cohen, l’Orchestre Dijon-Bourgogne semble s’ennuyer, tout en restant parfaitement proofessionnel. Le péché de cette production a probablememt été de vouloir ménager la chèvre et le chou, de proposer un spectacle interprété par des artistes en herbe sans vraiment en faire l’enjeu principal, tout en visant de plus grandes ambitions. D’où ce sentiment d’inachèvement, et même de déception. »
Milwaukee – Florentine Opera – 13, 14, 15, 18, 19, 21, 22 mai 2011 – mise en scène William Florescu – avec Patricia Risley (Dido), Craig Verm (Aeneas), Greer Davis (Belinda), Jean Broekhuizen (Witch), with her cohorts Julia Elsie Hardin and Kristin Ngchee
Paris – Athénée – Louis-Jouvet – 5, 6, 7, 8 mai 2011 – Théâtre d’Angoulême – 10 mai 2011 – La Rochelle – La Coursive – 12 mai 2011 – Noirlac – Les Traversées – 18 mai 2011 – Les Nouveaux Caractères – Orchestre de Besançon – dir. Sebastien d’Hérin – mise en scène Bernard Lévy – décors Giulio Lichtner – costumes Elsa Pavanel, Séverine Thiébault – lumières Christian Pinaud – chef de choeur Mathieu Romano – avec Isabelle Druet (Didon), Arnaud Guillou (Énée), Camille Poul (Belinda), Edwige Parat (la seconde Suivante), Sarah Jouffroy (l’Enchanteresse), Agathe Boudet et Fiona Mc Gown (les Sorcières), François Rougier (le Marin), Antoine Strub (l’Esprit) – coproduction avec Théâtre musical de Besançon, Ensemble Les Nouveaux Caractères
Opéra de Toulon – 19, 22, 24 avril 2011 – Orchestre et chœur de l’Opéra – Compagnie Les Bijoux Indiscrets (Continuo) – dir. Giuliano Carella – mise en scène Massimo Gasparon – décors & costumes Pier Luigi Pizzi – lumières Marc-Antoine Vellutini – avec Anna Caterina Antonacci (Didon), Sophie Desmars (Belinda), Yun Jung Choi (Dame d’honneur/Vénus), Svetlana Lifar (Magicienne/Esprit), Cécile Galois (Première sorcière), Aurore Ugolin (Seconde sorcière), David Bizic (Enée), Olivier Dumait (Un marin) – nouvelle production
La Théâtrothèque
On ne cessera jamais de s’émerveiller de ce minuscule chef-d’œuvre qu’est Didon et Enée, cet opéra de poche écrit pour un pensionnat de jeunes filles sur d’assez mauvais vers d’un médiocre poète, sans possibilités de virtuosité vocale (puisque destiné à des voix juvéniles, amateurs de surcroit), sans aucun déploiement orchestral possible, et avec un déséquilibre dans la distribution : une seule voix d’homme au milieu de sopranos.Rappelons aussi que le manuscrit original est perdu et que musiciens et théâtreux doivent faire confiance à leur bon goût et connaissances musicologiques pour choisir l’enchaînement des morceaux qui leur paraît le plus conforme à l’idée qu’ils se font des malheurs de la reine de Carthage. Quelles conditions pour un chef-d’œuvre ! Mais quoi qu’on fasse, sa musique nous poigne toujours.Et voici que cet opéra vient de trouver sa voix, sa dimension – à dose homéopathique –, en création à l’Opéra de Toulon. Jouant la carte de l’originalité, Massimo Gasparon, a choisi de nous donner sa version de Didon entre deux couches de l’Ode à Sainte-Cécile du même Purcell.Ode hélas empesée dans une illustration simplement décorative, un rien longuette, le tout, présenté, sans vergogne dans les décors somptueux et les costumes raffinés du Maître spirituel Pier-Luigi Pizzi déjà vus voici huit ans à Monte-Carlo pour un Viaggio a Reims de belle facture… L’art d’accommoder les restes ou de faire du neuf avec du vieux ?Loin des péplums, kitsch, sans ostentation, d’un merveilleux drapé classique bon chic-bon genre, nous baignons donc dans une atmosphère très Restauration poudrée à la Charles X, cette transposition finalement ne gêne pas. D’autant qu’Anna Caterina Antonacci campe une grande Didon, si fraîche, si lisse, que sa voix nous fait brusquement comprendre que son amour pour Enée a pu être un premier, un tout premier amour d’adolescente. D’une grandeur toute racinienne, d’une violence mesurée, elle nous empoigne dès son entrée et ne nous lâche plus. Le pathétique dès lors se redouble de cette innocence. Contraste au dernier air, rendu bouleversant, par l’insupportable souffrance qui naît de cette fraîcheur. Avec en prime l’émotion, sans la sentimentalité. Visage et voix sont sublimes de beauté. Mention spéciale pour l’Enée de Markus Werba, jouet tourmenté d’un destin impitoyable, baryton sonore et viril, qui n’est plus ici un personnage falot mais un être volontaire, hésitant dans une belle gestuelle entre amour et devoir. Le rôle de Belinda va comme un gant à Sophie Desmars, elle y est claire, optimiste, intelligente et efficace. Sans tomber dans le grotesque Svetlana Lifar fut une grinçante magicienne. Les autres nombreux petits rôles sont bien en place. Comme le continuo de la Compagnie des Bijoux Indiscrets et le clavecin de Claire Bodin.Comme Bach, Purcell ne supporte aucun effet superflu. Giuliano Carella propose des deux œuvres une lecture haute en couleur, nuancée, fluide, spacieuse et d’une belle vivacité rythmique. On sera plus réservé pour les chœurs, visiblement peu à l’aise dans ce répertoire baroque, malgré une bonne volonté évidente. »
In Concerto
« Magnifique mise en scène de Massimo Gasparon qui divinise par sa sobriété et son élégance ce chef d’oeuvre de Purcell. Tout est y pour l’émotion, la profondeur, le plaisir des sens et de l’âme : le drâme, l’atmosphère douce, les lumières très tamisées (un peu trop sombre ?), les couleurs bleutées, l’ambiance religieuse, l’odeur des bougies, et les accessoires originaux, voire amusants. De jeunes chanteurs émouvants aux côtés d’une tres impressionnante Didon (Anna Caterina Antonacci) et un Enée (Markus Werba) irresistible.Une musique qui fait du bien, qui renouvelle ! Merci au maestro Giuliano Carella pour ce joyau. Il a relecé le défi, tout en n’étant pas spécialiste du baroque ! Merci aussi à Massimo Gasparon et Pier Luigi Pizzi pour leurs beaux costumes et décors. »
Versailles – Opéra Royal – 18, 19, 20 mars 2011 – Ensemble Les Nouveaux Caractères – dir. et clavecin Sébastien d’Hérin – Choeur Aedes (dir. Mathieu Romano) – mise en scène Bernard Lévy – scénographie Giulio Lichtner – avec Isabelle Druet (Didon), Chang-Han Lim (Enée), Camille Poul (Belinda), Edwige Parat (une Suivante), Sarah Jouffroy (l’Enchanteresse), François Rougier (un Marin)
Anaclase
« Après Besançon et avant l’Athénée (Paris), c’est à l’Opéra Royal que séjournait, le temps de trois représentations, cette nouvelle production de Dido and Æneas. Après que Sébastien d’Hérin ait expliqué à l’assistance qu’à l’heure actuelle nous n’étions plus en possession de la totalité de la musique de Purcell pour cette tragédie, et qu’il palliait à l’absence d’un Prologue par l’emprunt à d’autres de ces pages – Suite d’Abdelazer, Music for a while –, la représentation commence. Plus précisément : ses Nouveaux Caractères se lancent dans une lecture plus qu’approximative, sur des instruments mal accordés, malmenant généreusement la partition autant que l’oreille.Après ce Prologue joué rideau fermé, l’orchestre prend de longues minutes pour s’accorder enfin – sage décision. Et voilà que commence le spectacle de Bernard Lévy. Plus justement : devant un écran vidéo la vague déambulation d’artistes lyriques livrés à eux-mêmes sans direction d’acteurs aucune, en bons faire-valoir d’un travail vidéastique d’une confondante indigence. Fallait-il vraiment faire ainsi joujou avec les entrelacs graphiques des surtitres alors mis en scène – eux, quelle chance ont-ils ! –, sans portée sémantique ? Vous chercheriez en vain, par exemple, du sens à l’éloignement en vaguelettes d’une strophe animée qu’on mire comme un bateau quittant le port : c’est juste joli. Comme quoi, mal utilisée, la technologie peut elle aussi se faire encombrante bibeloterie.Heureusement, il y a deux voix qui se trouvent être celles des deux rôles principaux. Car dès l’entrée en scène d’Isabelle Druet, quelque chose se passe. Avec un sûr instinct de femme de théâtre, le mezzo s’engage de suite au service de Didon. La voix est richement colorée, l’expressivité au rendez-vous, la présence indéniable. Lui répond bientôt l’Énée fermement timbré d’Arnaud Guillou, possédant de grands moyens dont il use avec choix, dans une conduite soignée de la nuance.Après les ternes gloussements de sorcières javellisées (nettement moins drôles que la chanson de Dubas), voire le mièvre hédonisme en conserve d’un pique-nique années cinquante où, pantois, l’on admire l’atterrissage puis le décollage d’un gros arbre dans l’aura désastreuse d’un faux ours tartinant le gramophone de mamie, saisissante est la juste colère de la Carthaginoise. De fait, tout commence presque d’aller à partir de là : l’orchestre paraît même se reprendre – et ce n’est pas peu dire tant brouillonne s’avérait jusqu’alors une mise en place dépourvue de dessin comme d’expressivité –, le ton prend, pour ainsi dire, jusqu’à une fin évidente. »
Bremerhaven – Staadttheater – 12, 18, 30 mars, 2 avril, 12 mai 2011 – dir. Stephan Tetzlaff – mise en scène Andrej Woron – décors, costumes Andrej Woron – avec Ann Juliette Schindewolf (Dido), Peter Kubik (Aeneas), Pinelopi Argyropoulou (Belinda), Katharina Steinwachs (2. Frau), Sanja Anastasia (Zauberin / Geist), Marie-Christine Haase (1. Hexe), Katharina Kühn (2. Hexe), Daniel Kim (1. Matrose)
Oullins – Théâtre de la Renaissance – 17, 18 février 2011 – Les Nouveaux Caractères – dir. Sébastien d’Hérin – dessin Florence Dupré La Tour – mise en scène Caroline Mutel – avec Hjördis Thébault (Didon), Caroline Mutel (Belinda), Sarah Jouffroy (Enchanteresse), Olivier Heyte (Énée), Jean-Paul Bonnevalle (Esprit et Première Sorcière), Gauthier Fenoy (Le Marin et Deuxième Sorcière)
Opéra de Francfort – 5, 10, 16, 18 décembre 2010, 25, 29 juin, 1er, 3 juillet 2011 – dir. Constantinos Carydis – mise en scène Barrie Kosky – décors, costumes Katrin Lea Tag – lumières Joachim Klein – chef de choeur Matthias Köhler – dramaturgie Zsolt Horpácsy – avec Paula Murrihy (Dido), Britta Stallmeister (Belinda), Anna Ryberg (Second Woman), Martin Wölfel (Sorceress), Dmitry Egorov (1. Witch), Roland Schneider (2. Witch), Peter Marsh (Spirit), Sebastian Geyer (Aeneas),Peter Marsh (Sailor)
Boston – New England Conservatory’s Jordan Hall – 27, 28 novembre 2010 – Boston Early Music Festival Chamber Opera – dir. Paul O’Dette & Stephen Stubbs – mise en scène Gilbert Blin – costumes Anna Watkins – chorégraphie Melinda Sullivan – avec Laura Pudwell (Dido), Douglas Williams (Aeneas), Yulia Van Doren (Belinda), Teresa Wakim (Second Woman), Brenna Wells (First Witch/First Enchantress), Carrie Henneman Shaw (Second Witch/Second Enchantress), Jose Lemos (Spirit), Thea Lobo, Annie Rosen, Jason McStoots (Sorceress), Zachary Wilder (Sailor), Michael Barrett, Ulysses Thomas, John Proft, Olivier Laquerre
Paris – Théâtre Mouffetard – 10 novembre 2010 au 8 janvier 2011 – Compagnie Manque Pas d’Airs – mise en scène Alexandra Lacroix
Vélizy – L’Onde – 19, 20 novembre 2010 – dir. Jean-Marie Puissant – mise en scène Denis Chabrouillet – avec Anne Rodier (Didon) et Thill Mantero (Énée)
Théâtre de Besançon – 9, 10 novembre 2010 – Ensemble vocal Aedes – dir. Mathieu Romano – Les Nouveaux Caractères – dir. Sébastien d’Hérin – mise en scène Bernard Lévy – scénographie Giulio Lichtner – costumes Elsa Pavanel – lumières Christian Pinaud – avec Isabelle Druet (Dido)
Château d’Eu – Collégiale Notre-Dame – 4 novembre 2010 – Le Poème Harmonique – Ensemble vocal et orchestre du Conservatoire de Rouen (dir. Pascal Hellot) – dir. Vincent Dumestre – avec Claire Lefilliâtre (Dido), Catherine Padaut (Belinda), Benjamin Tinel (Aeneas), : Perrine Devillers (Second woman), Margot Mellouli (Sorceress), Romane Meunier (First witch), Margot Messler (Second witch), Juliette Raffin-Gay (Spirit), Antoine Sazio (Sailor)
Théâtre de Gera – Allemagne – 15, 22, 31 octobre 2010 – dir. Howard Arman – mise en scène Philipp Kochheim – décors Thomas Gruber – costumes Bernhard Hülfenhaus – dramaturgie Felix Eckerle – avec Kim Sheehan (Belinda), Tobias Scharfenberger (Aeneas), Bernhard Landauer (Zauberin), Michael Siemon (Seemann) – nouvelle production
Moscou – Tchaikovsky Concert Hall – 8 octobre 2010 – Saint-Pétersbourg – Théâtre Mariinsky – 10 octobre 2010 – Valladolid – Centro Cultural Miguel Delibes – 13 octobre 2010 – Les Arts Florissants – dir. William Christie – mise en scène Vincent Boussard – décors Sibille Polster – scostumes Stéphanie Zani – lumières Gloria Montesinos – avec Dido: Sonya Yoncheva (soprano), Andreas Wolf (Aeneas), Emmanuelle de Negri (Belinda), Hilary Summers (Sorceress), Katherine Watson (Second Woman), Céline Ricci (First Witch), Ana Quintans (Second Witch), Ed Lyon (Spirit), Damian Whiteley (Sailor)
Saarbrucken – Staatstheater – 26 juin, 1er, 4 juillet, 22, 26 septembre 2010 – dir. Konrad Junghänel – mise en scène et décors Nigel Lowery – avec: Elizabeth Wiles (Dido), Sofia Fomina (Belinda), Stefan Röttig (Aeneas), Onur Abaci (Première sorcière), Sabine von Blohn (Deuxième sorcière, Deuxième femme), Judith Braun (Magicienne), Onur Abaci (Esprit), Judith Braun (1er matelot) – nouvelle production
Miskolc, House of the Arts – Hongrie – 14 juin 2010 – Orfeo Orchestra – Purcell Chorus – dir. György Vashegyi – mise en scène Csaba Káel – avec Katalin Halmai (Dido), István Kovács (Aeneas)
Baden-Baden – Festspielhaus – 28 mai 2010 – en version de concert – The New Siberian Singers – Musica Aeterna – dir. Teodor Currentzis – avec Simone Kermes (Dido), Dimitris Tiliakos (Aeneas), Deborah York (Belinda), Oleg Ryabets (Magician)
Opéra de Lausanne – 28, 30 mai, 2, 4 juin 2010 – Opéra de Vichy – 12 juin 2010 – dir. Gabriel Garrido – mise en scène et chorégraphie Cisco Aznar – décors, costumes Luis Lara – lumières Samuel Marchina – video Andreas Pfiffner, Cisco Aznar – chef de choeur Véronique Carrot – avec Sarah Castle (Dido),, Jean-François Lapointe (Aeneas), Delphine Gillot (Belinda), Elizabeth Bailey (Second woman), Cécile van de Sant (Sorceress), Maria Hinojosa (1. Witch), Antoinette Dennefeld (2. Witch), Vasily Khoroshev (Spirit), David Hernandez (Sailor) – nouvelle production
Opéra Magazine – juillet/août 2010
« Pour sa fin de saison, l’Opéra de Lausanne a choisi de sortir des sentiers battus en proposant une version de Dido and Aeneas avec Prologue original. Soit. Si l’idée d’introduire la brève et fulgurante partition de Purcell par ce dernier se défend d’un point de vue dramaturgique (le textc existe !), il semble plus délicat d’opérer un choix pertinent au sein de la musique du compositeur pour soutenir efficacement la démarche. En 2005 à Montpellier, la tentative de reconstitution engagée par Sasha Waltz et Attilio Cremonesi montrait en ce sens des limites manifestes, par son absence de fluidité, de cohérence. Plus récemment à l’Opéra-Comique, Deborah Warner et William Christie affichaient des options bien plus probantes en termes de créativité et d’équilibre, sans pourtant éviter une cerrtaine surcharge du propos. Dans le cas de la nouvellc production lausannoise, l’extravagance chaotique du chorégraphe-metteur en scène espagnol Cisco Aznar et l’imprécision stylistique du chef argentin Gabriel Garrido s’avèrent doublement rédhibitoires. Puérile. indigeste et faussemcnt provocante, l’approche théâtrale d’Aznar peine à s’affranchir des clichés véhiculés par l’hypothétique création de l’œuue, en 1689, dans un pensionnat de jeunes filles. En montrant et voulant ces dernières hystériques, obsédées, voire masochistes – les vilaines écolières semblent se délecter des coups de fouet assénés par leur préceptrice – le chorégraphe prend le parti de la caricature, servie par les codes visuels les plus éculés : costumes pseudo sexy, décors mobiles façon carton-pâte, projections fourre-tout. L’interminable séquence vidéo montrant de jeunes hommes nus se savonnant les fesses sous la douche demeure, à tous égards, le moment le plus absurde du spectacle. Non content d’imposer une kyrielle de fantasmes prépubères singés par les danseurs de sa compagnie, Cisco Aznar se permet de saturer l’espace scénique. par des gesticulations répétitives d’une rare vacuité. Ainsi anéanti, le fameux Prologue – annoncé comme «un grand moment de création» dans le programme de salle! – se révèle un pur délire, prétexte à de multiples contorsions chorégraphiques. Malheureusement, ce ne sont pas les fragments musicaux retenus par Gabriel Garrido qui peuvent faire passer la pilule. Outre le fait que l’agencement instruumental relève du patchwork, la direction, elle, ne brille ni par sa rigueur, ni par son imagination. Les rythmes oscillent invariablement entre précipitation et mollessse, les couleurs sont ternes, parfois même pâteuses. Il faut dire que l’Orchestre de Chambre de Lausanne semble aussi peu concerné que possible. Fâchée avec la justesse dès l’Ouverture, la phalange helvétique exhibe une réelle méforme dans l’acoustique mate de la Salle Métropole. Côté chant, rien de bien mémorable non plus. Sarah Castle donne l’impression d’être constamment en service minimum, Delphine Gillot manquant de la plus élémentaire compassion en Belinda. Maria Hinojosa et Antoinette Dennefeld ricanent nerveusement dans leur coin, tandis que la jeune Elizabeth Bailey passe quasi inaperçue sur l’hypnotique «Off she visits this lov’d mountain». Contre toute attente, c’est le bel Aeneas de Jean-François Lapointe qui capte l’attention et récolte les faveurs de l’auditoire. Le timbre du baryton canadien accroche, séduit et sait se faire suave. Un comble dans ce rôle de prince presque antipathique ! Le Chœur de l’Opéra de Lausanne, enfin, se contente d’une prestation routinière. Copieusement hué par le public à l’entracte et au rideau final, ce Dido and Aeneas prétendument novateur pourrait bien être le plus consternant vu et entendu ces dernières année… »
Rotterdam – Operadagen Rotterdam – Rotterdamse Schouwburg, Grote Zaal – 20, 21 mai 2010 – Scherzi musicali – dir. Nicolas Achten – mise en scène Timothy Nelson – avec Rosanne van Sandwijk, (Dido/Sorceress), Olivier Berten (Aeneas), Marie de Roy (Belinda/2nd Witch), – Céline Vieslet (2nd Woman/1st Witch), David Szigetvari (Sailor)
Théâtre de Pforzheim – Allemagne – 8, 11, 15, 20 mai, 4, 15, 30 juin, 6, 16 juillet 2010 – dir. Markus Huber – mise en scène Bettina Lell – décors, costumes Sibylle Schmalbrock – nouvelle production
Théâtre de Freiberg – Allemagne – 29, 30 avril, 11, 19 mai 2010 – Chor des Mittelsächsichen Theaters – Mittelsächsische Philharmonie – dir. Peter Kubisch – mise en scène Judica Semler – décors, costumes Andrea Mutz – chef de choeur Peter Kubisch – dramaturgie Hagen Kunze – avec Zsuzsanna Kakuk (Dido), Miriam Sabba (2. Frau), Samuel Johnson (Geist), Susanne Engelhardt (Belinda), Guido Kunze (Aeneas), Klaus Kühl (Seemann), Juhapekka Sainio (Zauberin), Stefanie Metzler (1. Hexe), Diana Chudzinski (2. Hexe), Sergio Raonic Lukovic (Tod)
Paris – Sudden Théâtre – 23, 24, 25 avril 2010 – dir. Philippe Péatier – mise en scène Thomas Josse – costumes Rafael Estève – lumières Jean-Marie Droisy – avec Elise Archambault (Dido & l’Enchanteresse), Sara Marchesi (Belinda), Xavier Toyas (Enée), Ellen Giacone (une suivante de Didon & soprano), Anne-Sophie Pernet (première sorcière & soprano), Mariette Desert (seconde sorcière & alto), Anne-Thérèse Chabridon (l’Esprit & alto)
Venise – Teatro della Fenice – 14, 16, 18, 20, 21 mars 2010 – Orchestra e Coro (Claudio Marino Moretti chef de choeur) del Teatro La Fenice – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène, décors, costumes, chorégraphie Saburo Teshigawara – lumières Sergio Pessanha – avec Ann Hallenberg (Dido), Marlin Miller (Aeneas), Maria Grazia Schiavo (Belinda), Oriana Kurteshi (Second woman), Sabrina Vianello (First witch), Elena Traversi (Second witch), Julianne Young (Sorceress), Krystian Adam (Spirit, Sailor)
Forum Opéra
A travers cette tentative, absolument réussie, de rendre abstraite jusqu’à l’invraisemblable la lecture du drame de Didon, en imposant à la scène la pesanteur d’un vide aux mille détails minimalistes, Saburo Teshigawara a réussi à sublimer la pureté de la musique. Un espace scénique unique à la couleur bleue prédominante a servi d’arrière-plan toute la soirée. Ann Hallenberg est une formidable Didon. Son interprétation de l’héroïne virgilienne est superlative. Elle revient à Venise où elle avait interprété Agrippine avec grand succès. Sa voix est profonde, sa présence scénique prégnante, même quand la mise en scène n’exige d’elle que très peu de mouvements. On ne saurait imaginer Didon plus convaincante. Sa sensibilité dramatique est exceptionnelle, et fait d’elle une des mezzo-sopranos actuelles de référence, et pas seulement pour le répertoire baroque. Très bons Krystian Adam dans le rôle du marin et Maria Grazia Schiavo dans celui de Belinda. Cette dernière n’a certes pas la voix idéale pour chanter Belinda mais elle a fait très bonne figure, d’autant qu’elle avait été conviée au dernier moment à prendre part à cette production.Le reste de la distribution s’est montré tout à fait insuffisant, et inadapté à un tel répertoire. Attilio Cremonesi a prouvé encore une fois qu’il est un interprète extrêmement sensible du répertoire ancien. Il a eu le courage de proposer de l’œuvre de Purcell une reconstruction sous sa forme originale avec ballets et intermèdes, dont les originaux se sont sans doute perdus. Il n’a pas la prétention de vouloir interpréter à tout prix, et souvent il laisse la musique au premier plan. Son exécution est profuse de couleurs, jamais agressive, toujours tendue vers la recherche d’une atmosphère. L’orchestre, quoique non baroque, sonne avec lui de manière plus que convaincante. Le chœur, malgré quelques incertitudes sur les tempi, a fait bonne figure. Finalement, le baroque trouve sa juste et digne dimension même à La Fenice, après plusieurs tentatives franchement mal réussies. »
Berne – Stadttheater – 10, 17, 22, 29, 31 janvier 2010 – dir. Jörg-Andreas Bötticher – mise en scène Neville Tranter – avec Susanne Rydén (Dido), Ulrike Hofbauer (Belinda), Georg Poplutz (Aeneas), Anne Schmid (Zauberin), Jakob Pilgram (Ein Seemann), René Perler (Ein Geist) – coproduction avec Freitagsakademie Bern
Théâtre des Champs Élysées – 13 novembre 2009 – en version de concert – Choeur et Orchestre Opera Fuoco – dir. David Stern – avec Ann Hallenberg (Didon), Thomas Dolié (Énée), Luanda Siqueira (Deuxième suivante, deuxième sorcière), Magid El Bushra (La Magicienne), Arthur Espiritu (un Esprit, un Marin)
Londres – Barbican Centre – 10 octobre 2009 – Les Arts Florissants – dir. William Christie – Malena Ernman (Dido), Luca Pisaroni (Aeneas), Judith van Wanroij (Belinda), Hilary Summers (Sorceress), Lina Markeby (2. Woman), Céline Ricci (1. Witch), Ana Quintans (2. Witch), Marc Mauillon (Spirit), Ben Davies (Sailor)
Mayence – Kleines Haus – 3, 12, 22, 29 octobre 2009 – dir. Michael Schneider – mise en scène Arila Siegert – décors Hans Dieter Schaal – costumes Susanne Maier-Staufen – nouvelle production
Amsterdam – Het Muziektheater – De Nederlandse Opera – 29, 30 septembre, 2, 3, 4, 6 octobre 2009 – Les Arts Florissants – dir. William Christie – mise en scène Deborah Warner – décors, costumes Chloe Obolensky – lumières Jean Kalman – avec Malena Ernman (Dido), Luca Pisaroni (Aeneas), Judith van Wanroij (Belinda), Lina Markeby (2. Woman), Hilary Summers (Sorceress), Céline Ricci (1. Witch), Ana Quintans (2. Witch), Marc Mauillon (Spirit), Ben Davies (Sailor)
Sittard – Stadsschouwburg – 26 septembre 2009 – Zwolle, Theater Odeon – 29 septembre 2009 – Den Haag – Lucent Danstheater – 30 septembre 2009 – Maastricht -Theater an het Vrijthof – 3 octobre 2009 – Liège – Opéra Royal de Wallonie – Palais Opéra – 4 octobre 2009 – Hasselt – Cultureel Centrum – 6 octobre 2009 – Tilburg – Schouwburg – 10 octobre2009 – dir. Huub Ehlen / Tjalling Wijnstra – mise en scène Hans Nieuwenhuis – décors Hans Nieuwenhuis – costumes Robby Duiveman – lumières Trui Malten – avec Catharine Daniel (Dido), Jussi Lehtipuu (Aeneas), Dorine Mortelmans (Belinda/Woman/Witch), Donij van Doorn (Woman/Witch), Nicola Mills (Woman/Spirit), Elmar Gilbertsson (Sailor) – nouvelle coproduction avec Opera Studio Nederland; Collegium ad Mosam; Opéra Royal de Wallonie
Cooperstown – États Unis – Glimmerglass Opera – 2, 9, 16, 23 août 2009 – dir. Michael Beattie – mise en scène Jonathan Miller – avec Tamara Mumford (Dido), David Adam Moore (Aeneas), Joelle Harvey (Belinda) – nouvelle production
Theater St Gallen – 5 juillet 2009 – Opera Fuoco – dir. David Stern
Montréal – Chapelle Notre-Dame-de-Bonsecours – Festival Montréal Baroque – 28 juin 2009 – Ensemble Masques- dir. Olivier Fortin – mise en scène Pierre Saint-Amant – avec Vicki Saint-Pierre, Dion Mazerolle, Samantha Louis-Jean, Isabelle Plaisance
Opéra de Sydney – 27 juin, 1er, 3, 9, 11, 14, 18 juillet 2009 – dir. Antony Walker – mise en scène Patrick Nolan – décors, costumes Gabriela Tylesova – video Mic Gruchy – lumières Nigel Levings – chorégraphie Lucy Guerin – avec Taryn Fiebig (Belinda), Yvonne Kenny (Dido), Teresa La Rocca (1st Witch), Amy Wilkinson (2nd Woman), Kanen Breen (Sorcerer), Luke Gabbedy (Aeneas) – nouvelle production
Vienne – Halle E im MuseumsQuartier – 23, 23, 25, 25, 27, 27 mai 2009 – Les Arts Florissants – dir. William Christie – mise en scène Deborah Warner – décors, costumes Chloe Obolensky – lumières Jean Kalman – avec Malena Ernman (Dido), Judith van Wanroij (Belinda), Luca Pisaroni (Aeneas), Lina Markeby (2. Woman), Hilary Summers (Sorceress), Céline Ricci (1. Witch), Ana Quintans (2. Witch), Ben Davies (Sailor), Marc Mauillon (Spirit)
Gelsenkirchen – Kleines Haus – 9, 13, 15, 17, 21, 23 mai 2009 – dir. Samuel Bächli – mise en scène Bernd Schindowski – décors Manfred Dorra – costumes Andreas Meyer – chef de choeur Christian Jeub – dramaturgie Anna Melcher – avec Anna Agathonos (Dido), Piotr Prochera (Aeneas), Alfia Kamalova (Belinda), Elise Kaufman (1. Witch, Second woman), Noriko Ogawa-Yatake (Sorceress, Spirit), Yael Izkovich (2. Witch), Daniel Wagner (Sailor)
Londres – Covent Garden – 31 mars, 3, 8, 11, 15, 18, 20 avril 2009 – dir. Christopher Hogwood – mise en scène Wayne McGregor – avec Sarah Connolly (Dido), Lucy Crowe (Belinda), Lucas Meachem (Aeneas), Sara Fulgoni (Sorceress), Iestyn Davies (Spirit), Ji-Min Park (Sailor), Eri Nakamura (First Witch), Pumeza Matshikiza (Second Witch), Anita Watson (Second Woman)
Amsterdam – 17 mars 2009 – New London Consort – dir. Philip Pickett – mise en scène Jonathan Miller – avec Julia Gooding, Joanne Lunn, Faye Newton, Juliet Schieman, Tone Braaten, Christopher Robson, Andrew Lawrence-King, Joseph Cornwell, Michael George, Simon Grant
Montpellier – Opéra Comédie – 24, 26, 28 février 2009 – Carcassonne – Théâtre Jean Alary – 13 mars 2009 – Sète – Théâtre Molière – 15 mai 2009 – Choeur Opéra Junior – Ensemble instrumental l’Yriade – dir. Léonor de Récondo – mise en scène Jean-Paul Scarpitta – avec Cyril Auvity (Énée), Juliette Chassin (Didon), Nelly Lawson (Belinda), Armelle Mousset (Seconde dame), Clara Vallet (lEenchanteresse), Nina Le Floch (Sorcière), Lydia-Sarah El Halw (Sorcière), Noé Leenhardt (l’Esprit), Julien Arcuri (un Marin)
« La représentation a été un pur moment de bonheur, longuement applaudi par le public. Elle démontre avec brio que l’on peut « fabriquer » un bon spectacle avec des moyens réduits, et de jeunes interprètes de talent. »
Opéra Magazine – avril 2009
« Il est regrettable que cette nouvelle production de Dido and Aeneas, conçue spécifiquement pour Opera Junior — structure en résidence à Montpellier depuis 1990, ayant pour but de former les jeunes au théâtre lyrique en les intégrant en tant que chanteurs, acteurs et interprètes, à des réalisations de spectacles — et louable dans ses intentions premières, n’affiche pas un engagement vocal plus affirmé et, surtout, une approche de l’oeuvre moins superficielle.De fait, ces artistes en herbe ne semblent pas vraiment en phase avec ce qu’ils chantent. C’est d’ailleurs en voyant leurs mines presque toujours réjouies, qu’on en vient a se demander s’ils ont vraiment perçu toute la portée dramatique du récit. La question reste posée. Certes, l’acte des Sorcières ou même l’irruption des Marins autorisent la parodie. Il demeure néanmoins très difficile d’adhérer à cette interprétation, dès lors qu’elle affronte la tension intrinsèque à certaines scènes.Ainsi, les déclinaisons plaintives sans impact deJuliette Chassain se perdent en une fraîcheur hors de propos, tandis que les invocations de Clara Vallet et de ses suivantes tombent à plat par leur trop-plein de charge comique. De même, le choeur Opera Junior apparaît plus comme une bande de joyeux drilles partis en escapade que comme une entité réelle prenant part à l’action. Noé Leenhardt, Julien Arcuri et Armelle Mousset leur emboîtent le pas. Seule Nelly Lawson parvient à véhiculer de l’émotion en Belinda, par un timbre identifiable et son air concerné.Seul artiste invité de cette production, Cyril Auvity ne se détache curieusement que peu du lot. Lui qui, si souvent, habite la musique par ses inflexions et sa sensibilité, reste très en deçà de son potentiel. Sa participation et le concours de la talentueuse Guillemette Laurens (en charge de la formation vocale et des études d’interprétations pour OperaJunior) n’auront pas suffi à porter le spectacle un peu plus loin.La mise en scène de Jean-Parti Scarpitta se montre pourtant d’une sobriété appréciable. Le décor se limite à figurer adroitement quelques lieux-clés (le palais, par une série de cordes tombant des cintres ou encore des torchères peintes, la grotte et le bocage par un espace rectangulaire sablé, le port par une voile de bateau projetée en fond de scène), éludant au passage tout accessoire parasite. De même, les costumes résistent à toute tentation d’extravagance.Enfin, l’accompagnement de L’Yriade — sept instrumentistes sous la conduite de la violoniste Léonor de Récondo — révèle des musiciens investis, mais parfois peu assurés pour être d’un soutien total. »
La Dépêche
« Didon et Enée », le court opéra d’Henry Purcell qui narre les malheurs de Didon, reine de Carthage, aimée puis abandonnée par le Troyen Enée au point d’en mourir, d’après « L’Enéïde » de Virgile, n’a fait que des heureux, vendredi soir, au théâtre Jean-Alary : à l’issue de la représentation, près de dix minutes d’applaudissements ont salué la performance des jeunes chanteurs de l’Opéra junior de Montpellier et de l’ensemble instrumental L’Yriade, dirigé du violon par Léonor de Récondo.Bien sûr, à la base de ce succès, il y a la musique de Purcell, faite de raffinement, d’accents élégiaques, mais aussi de dynamisme, que les musiciens ont servie à la fois avec grâce et vigueur, lui donnant une respiration, une tonicité qui comblaient d’aise.Mais en plus, pour interpréter cette œuvre magique, rien ne faisait défaut. Les voix d’abord, comme celle, chaude et suave, du ténor Cyril Auvity dans le rôle d’Enée; et puis tous les artistes de l’Opéra junior, avec leurs timbres si jeunes mais si frais, comme Juliette Chassain dans Didon, cristalline, si touchante dans l’aria finale de Didon ; ou encore la Belinda de Nelly Lawson, la fidèle suivante au mezzo ferme et lumineux et au jeu très expressif. Et que dire des sorcières et surtout de la magicienne (Clara Vallet), aux touches noires tempérées par la retenue aristocratique de la musique de Purcell ? Quant aux jeunes chœurs, dont la place est primordiale dans les œuvres de Purcell, ils ont rempli leur rôle à la perfection, scandant avec rigueur (que la langue anglaise est belle, comme ça) et commentant avec douceur la tragédie qui se déroulait sur scène, se mêlant aussi au corps de ballet dans des chorégraphies parfaitement maîtrisées, poétiques et pleines de vie.Et « l’accompagnement » était à l’unisson. Des décors simples et épurés. Des costumes (maillots de bain Belle Epoque ou uniformes de marin avec le bonnet à pompon rouge pour le chœur, robe vaporeuse de Didon) qui titillaient l’esprit, bien loin des panaches de plumes, des cuirasses étincelantes et des capes rutilantes habituels.Quant à la mise en scène, elle était inventive, pleine de trouvailles, de surprises, de poésie, comme cette pluie de pétales tombant des cintres et recouvrant lentement le corps de Didon morte, pendant que s’égrenaient les dernières déplorations du chœur. Et une idée de génie, l’intervention d’un extraordinaire comédien-mime-contorsionniste, Nuno Roque, véritable fil rouge de la représentation même s’il était vêtu de noir, avec une crinoline nue symbolisant les cachots de tous les tourments ou les alcôves de toutes les voluptés.Que des heureux, vendredi soir ? Oui, dans le public. Oui, aussi, sur la scène et dans la fosse d’orchestre. Ce « Didon et Enée », coproduit par l’opéra et l’orchestre national de Montpelleir (René Koering, le directeur, était là) et l’Opéra junior, en partenariat avec le théâtre Jean-Alary, ne méritait pas moins. »
Bessières – 31 janvier 2009 – Ensemble vocal À bout de souffle – dir. Stéphane Delincak – mise en scène Dédeïne Volk-Leonovitch – avec Isabelle Fabre (Didon), Nadia Lavoyer (Belinda), Corinne Fructus (2ème femme), Séverine Bruniau (Enchanteresse), Antonio Guirao (Enée)
Skipton – Town Hall – 13 janvier 2009 – Lancaster – University – 15 janvier 2009 – Stafford – Gatehouse – 16 janvier 2009 – Manchester – Royal Northern College of Music – Bruntwood Theatre – 17 janvier 2009 – Manchester Camerata – dir. Nicholas Kraemer – avec Carolina Krogius / Deborah Humble (Dido), Philip Smith / Angus Wood (Aeneas), Fleur Bray (Belinda), Hanna-Liisa Midwood-Kirchin (2. Woman), Kathryn Rudge (Sorceress), Elise Dye (1. Witch), Soraya Mafi (2. Witch) , David Shaw (Sailor), Jennifer France (Spirit)
Opéra Comique – 3, 5, 7, 9 décembre 2008 – Cherbourg – Le Trident – 10 décembre 2008 – version de concert – Les Arts Florissants – dir. William Christie – mise en scène Deborah Warner – décors et costumes Chloe Obolensky – lumières Jean Kalman – avec Malena Ernman (Dido), Judith Van Walroij (Belinda), Christopher Maltman (Aeneas), Hilary Summers (Sorceress), Ana Quintans (First Witch), Céline Ricci (Second Witch), Lina Markeby (Second Woman), Ben Davies (Sailor), Marc Mauillon (Spirit) – coproduction Opéra Comique – De Nederlandes Opera – adaptation de la production des Wiener Festwochen
Le Monde – Deborah Warner sublime « Didon et Enée »
« Si le cerveau de la metteuse en scène britannique Deborah Warner était une caméra, on dirait qu’il a une profondeur de champ sans pareille. Sa mise en scène de Didon et Enée (1689), de Henry Purcell, qui ouvre la saison de l’Opéra-Comique, n’est pas une mise en abyme postmoderne en italiques et entre guillemets mais une incarnation mémorielle d’une richesse infinie. Dans ce spectacle dont la liberté et la beauté visuelle laissent pantois, l’objet principal est enchâssé dans une large perspective qui décadre sans décentrer. Cet effet de loupe évite le désagrément de la mise sous verre protectrice et distanciée, voire ironique. Avant le lever de rideau, des fillettes en jupes plissées bleu marine (l’opéra aurait, selon certains historiens, été créé dans un pensionnat) s’amusent sous la conduite d’une monitrice qui se révèle être la grande actrice irlandaise Fiona Shaw. Laquelle, en blue-jeans, va jouer, en avant-dire, trois merveilleux poèmes (modernes). L’invention puise sa source dans le lieu commun du « théâtre dans le théâtre » : une estrade bordée de bancs, des murs de brique, mais aussi un fronton baroque. Ce qu’a fait la décoratrice Chloe Obolensky est d’une simplicité virtuose, habillée par le tact exemplaire des lumières de Jean Kalman.Deborah Warner se permet tout sans jamais porter atteinte au sens profond des choses : des sorcières déjantées fumeuses de clopes, qui montrent leur derrière, effraient les fillettes, se marrent et s’énervent comme des chipies ; une Didon hiératique mais ardente (quelle musicienne impeccable que Malena Ernman !) ; un choeur en costumes modernes remarquablement dirigé et intégré ; des citations picturales (Le Déjeuner sur l’herbe de Manet, une pieta) ; des pantomimes…William Christie, si familier de Didon, la réinvente à la tête de ses Arts florissants avec ce soin gourmand et amoureux qui est la marque de ses grands soirs. Ce spectacle, bouleversant et unique, indique comment l’opéra devrait toujours être traité : avec du sens et de la sensibilité. »
Musicologie – L’Opéra-Comique ensorcelé
« … une « Didon et Enée » ensorcelante, signée par la metteur en scène britannique Deborah Warner. … Deborah Warner a convoqué, pour ce spectacle adapté d’une production créée en mai 2006 au Festival de Vienne, une ribambelle de fillettes en tenues d’écolières anglaises. Ces dernières mettent beaucoup de vie et d’espièglerie sur un plateau où les personnages principaux apparaissent en costumes d’époque et les choristes en habits d’aujourd’hui, une mixité qui multiplie subtilement les niveaux de lecture. Etonnamment rare à l’affiche des théâtres lyriques français, Deborah Warner affirme une direction d’acteurs très fine (déjeuner sur l’herbe animé) et une capacité à susciter des images de toute beauté (palais soudainement entouré de feuillages). La metteur en scène soigne les passages comiques de l’oeuvre. Ses sorcières, qui font croire au Troyen Enée que les Dieux lui ordonnent de poursuivre son errance et donc d’abandonner la reine de Carthage Didon, sont particulièrement délurées (clope au bec pour l’une, majeur levé pour une autre) mais n’injurient pas l’esprit du livret.Héros récurrent des scènes lyriques parisiennes, William Christie dirige en maître ses Arts Florissants, avec une mention particulière pour un choeur conjuguant transparence et variété dans l’expression. La distribution est sans failles, que ce soit du côté de l’Enée sensible du baryton britannique Christopher Maltman ou de la Didon de la mezzo-soprano suédoise Malena Ernman, dont le lamento final est poignant, avec ses « Remember me ! » presque détimbrés mais toujours musicaux. Quant à l’actrice irlandaise Fiona Shaw, complice de Deborah Warner, elle se charge d’animer avec son éloquence habituelle un prologue dont la musique a été perdue et où le texte original a été remplacé, ici, par des poèmes. »
Le Figaro
… cette mise en scène, qui fait fi de la temporalité en mélangeant costumes d’époque pour les personnages principaux et vêtements ordinaires pour le chœur, promet une rare élégance. Et elle ne manque pas de trouvailles : un « corps de ballet » de vingt-cinq petites filles, âgées de six à douze ans, encadrera l’ouvrage, tandis qu’un miroir d’eau situé au centre de la scène rappellera au public « oublieux » de ce XXIe siècle, la filiation de l’ouvrage avec le mythique bain de Diane.
Evene.fr
« Nul besoin de comprendre l’anglais pour sentir que cette langue revêt une saveur inouïe chez Purcell. Nous sommes en pleine période baroque et ‘Didon et Enée’ figure comme une des premières manifestations de l’opéra anglais. A la tête des Arts florissants au sommet de leur art, William Christie, chef anglais dirigeant un ensemble français, saisit à merveille l’éloquence colorée et le caractère déclamatoire de cette musique. Bien qu’à effectif réduit, les choristes et instrumentistes rendent avec une intimité touchante et nuancée l’atmosphère de cette « pastorale dramatique » conçue probablement à l’origine pour un collège de jeunes filles, ainsi que le caractère tendrement élégiaque qui fait la spécificité du baroque anglais. Sur le plateau, la mise en scène judicieuse et intelligente fait se chevaucher différents espaces-temps, du XVIIe à nos jours, dans une profondeur de champ sublimée par un jeu d’éclairages subtils. L’histoire mythique vient alors vers nous, spectateurs contemporains, par le truchement d’une ribambelle d’enfants, de modernes écoliers qui mettent en abyme l’oeuvre et la scène du destin tragique de Didon. La distribution nous offre un beau panel de voix graves tant du côté des hommes que des femmes. Notre admiration se porte sur l’interprétation délirante et fantasque de la Sorcière d’Hilary Summers, grande artiste qui a rendu avec truculence l’esprit du rôle, tant dans le jeu jubilatoire et outrancier que dans le creux de la voix et le timbre grinçant du personnage. La mort de Didon reste par ailleurs un sommet d’intensité dramatique que la prestation de Malena Ernman ne dessert pas. Superbe. »
Le Jdd.fr – Attention chef d’oeuvre
« Un régal sans pareil. On est confondu d’admiration tant cet opéra est beaucoup qu’un simple spectacle: une leçon de musique, une leçon de mise en scène, une leçon d’interprétation. Une leçon qui touche, émeut, fascine. Comment une heure dix de spectacle peut-elle vieillir tout ce que l’on a vu à Paris depuis la rentrée? Merveille de la musique européenne, cet opéra conçu, paraît-il, pour un collège de jeunes filles à l’image d’Esther et d’Athalie de Racine, est magnifié avec humour, délicatesse et magie par l’anglaise Deborah Warner. La metteure en scène shakespearienne a certes découvert dans Purcell des réminiscences de son dramaturge favori. Pour le prologue, elle a réquisitionné la plus grande actrice du théâtre britannique, son amie Fiona Shaw, qui, dans un monologue élaboré à partir de textes de la littérature anglaise, évoque les contradictions de l’amour et du pouvoir. Cet ajout sur lequel William Christie improvise, s’intègre parfaitement à l’action qui, en cinquante-cinq minutes, nous transporte de la passion au désespoir.Sur la scène scintille un rideau de perles argentées que traversent les choristes des Arts Florissants, en vêtements contemporains. S’ajoutent des danseurs: des petites filles en uniforme de collégiennes anglaises. Ces anachronismes fonctionnent parfaitement bien tandis qu’une mosaïque carthaginoise se transforme en fontaine pour dire les douceurs de la vie d’Enée et des Troyens dans l’empire de Didon. Des acrobates voltigent dans les vergues des navires en partance pour l’Italie, quelques feuillages symbolisent la forêt où pique-niquent les héros avant que se lève la tempête que fait souffler la sorcière plus vraie que nature: l’épatante Hilary Summers qui arpente la scène cigarette au bec. Dans leurs costumes ruisselant de soie moirée, les interprètes nous enchantent. Le lamento de la mort de Didon que chante la mezzo Malena Ernman est poignant. Voilà une réussite totale, un bijou qui laisse cependant un regret. Bien qu’il y ait deux représentations par jour, la dernière a lieu le 9 décembre. C’est un peu court. »
Webthea
« L’atout majeur de la version brillamment exécutée à l’Opéra Comique tient sans doute à la parfaite connivence née entre le chef William Christie et le metteur en scène Deborah Warner, une shakespearienne grand teint dont les escapades au royaume l’opéra furent chaque fois des réussites depuis Wozzeck à Fidelio en passant par Don Giovanni, Mort à Venise ou Le Tour d’Ecrou. Cette Didon, cet Enée, créé à Vienne en 2006 durant les « Wienerfestwochen » signa sa première incursion dans l’univers baroque. Sans réel dépaysement car elle y retrouvait les ingrédients qui composent la plupart des œuvres de Shakespeare, ce mélange insolent de comédie et de tragédie qui donne à ceux qui s’en emparent un magnifique don de liberté. En virtuose, Deborah Warner fait alterner les rires et l’émotion, la farce et la gravité. Avec une partition qui, elle aussi, laisse ouvertes toutes sortes de voies d’interprétation, Christie et ses Arts Florissants injectent à leur tour leurs doses de fantaisie.Le résultat est ébouriffant de beauté. Après le prologue joué avec un punch irrésistible par Fiona Shaw, magnifique comédienne anglaise, une nuée de vingt-six gamines de 6 à 12 ans, s’ébrouent sur scène en habits de pensionnat, jupettes plissées marine et chemisettes blanches, chaussettes tirées sur les jeunes mollets dansants. Un chœur muet en quelque sorte mais qui bouge, danse, fait la roue et pousse les petits cris des cours de recréation. Il y a de vrais acrobates qui tournicotent sous les cintres et se hissent sur des cordes lisses. Derrière un tréteau central équipé d’une petite mare d’eau se profile un rideau de perles translucides laissant apparaître les murs d’un palais ou les branches feuillues de deux arbres. Le chœur, le vrai, est vêtu de noir dans des costumes d’aujourd’hui, les solistes en revanche portent d’admirables robes en dégradés pastel, l’esprit malin et ses sorcières ont des allures de chauves-souris, fument des clopes et se régalent de barbe à papa.Hillary Summers, mezzo soprano anglaise, est la sorcière en chef, plutôt gros lutin farceur que vraie méchante, la Hollandaise Judith van Wanroij campe une Belinda maternelle, en blouson de cuir et hautes bottes, l’Enée guerrier et sexy du baryton Christopher Maltman séduit autant par son allure que sa voix de bronze. Star incontestable de la soirée, la suédoise Malena Ernman, capable de passer de Monteverdi, Mozart, Haendel à Philippe Boesmans (voir webthea du 16 mars 2005) est une Didon qui vous arrache des larmes : belle, expressive, noble et parfaitement à l’aise dans les broderies et ornementations de Purcell. Sonorités somptueuses dans la fosse, grâce, humour et émotion sur scène, cet Didon et Enée est pur bonheur. On en sorte euphorique. Dommage qu’il y ait si peu de représentations… »
Les Echos – Une Didon magique
« Magnifique ouverture de saison pour la salle Favart. Le spectacle présenté par la salle Favart est un moment de pure magie.Une heure de musique, c’est bien court ! Mais le « Didon et Enée », de Henry Purcell, est un chef-d’oeuvre, et le spectacle présenté par la salle Favart est un moment de pure magie. Le décor, conçu par Chloé Obolensky (également auteur des costumes), est simple : au centre du plateau, une estrade très basse reproduisant une mosaïque antique. Au fond, le mur d’un palais, guirlandes et coquille rococo. Est-on dans un musée, que visite une espiègle cohorte de jeunes élèves (l’ouvrage aurait été créé dans un pensionnat de jeunes filles…) ou simplement dans un rêve ? Les images se succèdent, magnifiques, ce déjeuner sur l’herbe, en particulier : les postures des participants rappellent Manet, les couleurs des fruits, Cézanne, la robe de Didon, les peintres de la Renaissance. Deborah Warner, metteur en scène inspiré, est une grande directrice d’acteurs : justesse des attitudes qui permet la vérité des sentiments, sobriété, mais aussi sens imparable du théâtre dans un mélange des genres évoquant Shakespeare. En guise de prologue, dont la musique a été perdue, deux brefs poèmes, l’un de T.S. Eliot, l’autre de Keats, ce dernier d’une beauté à tirer des larmes, remplacent le texte original de Nahum Tate ; comédienne de génie, Fiona Shaw les dit avec un accent irlandais qui réchauffe le coeur.William Christie, en superbe forme, a choisi un effectif orchestral au son nourri et aux couleurs variées ; ses Arts florissants obéissent comme un seul homme à sa baguette enthousiaste, qui laisse la musique et la langue anglaise s’épanouir et chanter. Sorcières délurées, Hilary Summers, désopilante, en tête, flanquée de Céline Ricci et Ana Quintans, Enée viril, et tout d’une pièce de Christopher Maltman. Blonde et fière, voix de velours aux moirures ensorcelantes, Melena Ernman campe une Didon amoureuse jusque dans la mort, subtile musicienne dont chaque phrase est chargée d’émotion. Une ouverture en beauté, pour la nouvelle saison de l’Opéra-Comique. »
ConcertoNet
« Dido and Aeneas est très court pour un opéra (un peu plus d’une heure), mais l’Opéra comique en tire astucieusement parti en le donnant deux fois dans la soirée, à 19h et 21h30, avec les mêmes interprètes, ça c’est de la rentabilité. Mais la soirée est musicalement très réussie et on aurait envie de se planquer derrière un siège pour l’écouter deux fois de suite !La mise en scène ne constitue pas l’argument principal du spectacle. On avait déjà pu voir l’anglaise Deborah Warner au Châtelet en 2002 dans Fidelio (lire ici) sans être absolument convaincu. Ici elle remplace le prologue par des poèmes de Ted Hughes (Echo et Narcisse, quel rapport avec l’opéra ?), Thomas Stearns Eliot ou W. B. Yeats, fait surgir des acrobates pour figurer les marins, met sur scène une classe d’enfants sous prétexte que l’œuvre, près d’un siècle après sa création, a été redonnée dans un pensionnat ! A la limite d’en faire trop ou de tomber à côté, heureusement Deborah Warner parvient à magnifier la dimension théâtrale (en costumes d’époque) du livret, Dido impose sa dramaturgie. Si la dispute et la scène finale sont remarquables d’intensité, on reste cependant quelque peu dubitatif quant à la cohérence globale de la mise en scène.Habituée du répertoire baroque, mais aussi Julie dans l’opéra éponyme de Philippe Boesmans, la mezzo Malena Ernman possède une pureté de ligne, une richesse de timbre et un engagement dramatique idéaux pour incarner Didon. En Enée, on sent chez le baryton Christopher Maltman non seulement l’expérience lyrique, très étendue, mais aussi le métier rigoureux du chanteur de lied ; il est tout aussi remarquable. En Sorcière complètement déjantée, la mezzo Hilary Summers, aussi connue pour chanter Le Marteau sans maître de Boulez, convainc totalement. Avec une Belinda et des rôles secondaires très bien tenus, la distribution constitue l’atout maître de cette production. A la tête d’un orchestre fourni, une vingtaine de musiciens, William Christie dirige avec toujours autant de talent et d’attention. Le public réserve un triomphe mérité aux interprètes. Vous pouvez vous cacher dans les toilettes pour assister à la seconde représentation, mais ne vous faites pas prendre ! »
Forum Opéra – Un must
« Deborah Warner décide d’introduire dans la pièce des fillettes en uniforme et de les mêler joyeusement d’une part aux choristes vêtus à la mode d’aujourd’hui, d’autre part aux personnages de l’histoire, habillés eux en tenue d’époque, celle de Purcell. Théâtre dans le théâtre évidemment avec ce mélange de costumes, avec le décor aussi : un rectangle dessiné au centre du plateau à l’intérieur duquel se joue le drame, le chœur placé de part et d’autre qui assiste et commente, un rideau de perles en toile de fond derrière lequel on devine un porche monumental. D’une telle idée de départ, on pouvait craindre le pire et c’est l’inverse qui se produit. Les trois univers, a priori inconciliables se croisent la plupart du temps sans vraiment se rencontrer mais il nait de leurs mouvements une vie qui éclabousse la scène et qui, ajoutée au réalisme des attitudes, donne à l’histoire de Didon et Enée une vérité saisissante. Deborah Warner ne cherche pas à expliquer ou à justifier ses choix : le prologue par exemple, dont on ignore s’il fut mis en musique par Purcell et qu’elle choisit de remplacer par trois poèmes (la comédienne Fiona Shaw se charge de les déclamer). Sans perdre le fil du livret, sa recette, se compose d’ingrédients hétéroclites qui, jetés au gré de sa fantaisie, fonctionne comme par miracle. Le miracle, on le trouve aussi dans la fosse au bout de la baguette d’un William Christie dont la rigueur s’accommode à merveille de la musique de Purcell. D’un orchestre qu’il a voulu assez fourni – la partition laisse libre cours à l’interprétation ; elle ne mentionne pas d’instruments spécifiques – il tire des sonorités délicieuses, exemptes des verdeurs et des raideurs qui caractérisent d’autres ensembles baroques. Souplesse, volupté, fraîcheur de timbre et de phrasé, l’éventail des sentiments et des climats se déplie dans toute sa richesse. Les sonorités du chœur des Arts Florissants sont également remarquables. L’Enée timbré, puissant, viril de Christopher Maltman ne se contente pas d’étaler une sensualité fatale – on songe au Valmont de John Malkovich dans Les liaisons dangereuses de Stefen Frears. Il se montre aussi capable de nuances qui font regretter que le rôle ne soit pas plus développé. Malena Ernman accomplit la promesse que laissait espérer sa belle voix de mezzo, chaleureuse et profonde : son « Remember me », le tube de la partition, d’une grande justesse d’interprétation, ne pâlit pas de la comparaison avec d’autres. Judith van Wanroij, Belinda friande, la magicienne gourmande et grotesque de Hilary Summers, Céline Ricci et Lina Markeby adorables chipies autant que sorcières, Ana Quintans seconde femme vivace dans son court » »Ofts she visits this lone mountain » achèvent de composer un spectacle unique et passionnant, le premier de la saison parisienne, ce qu’on appelle dans la langue de Purcell un must. »
Classiqueinfo.com – Eh ben Didon… – 3 décembre 2008
« Du point de vue théâtral, la mise en scène de Deborah Warner laisse rêveur. En lisant la biographie de la dame, nous découvrons qu’elle fut metteur en scène en résidence de la Royal Shakespeare Company et associée au Royal National Theater de Londres. Et, effectivement, ça ne démarre plutôt pas mal. Si la musique que Purcell avait composée pour constituer le Prologue de son opéra a disparu, le texte prévu à cet effet par Nahum Tate nous est resté. Cette histoire d’Echo et Narcisse est très bien rendue par l’actrice Fiona Shaw, de façon très décontractée et avec beaucoup d’humour. Les choses se gâtent malheureusement dès la vraie ouverture musicale, couverte en grande partie par les piétinements d’une bande de charmants bambins que l’on retrouvera tout du long de l’opéra, sans que quoique ce soit dans l’action ne justifie leur présence. Décor quasi unique : fond de scène avec une sorte de forteresse qui sera très peu utilisé, devant, un rideau supposé symboliser la frontière entre monde intime et monde extérieur (tarte à la crème à laquelle seul Johan Simmons, dans sa mise en scène du Simon Boccanegra à Bastille, avait su donner une vraie valeur théâtrale) et, au milieu de la scène, une sorte de plateau sur lequel les principaux personnages montent, le chœur et les personnages secondaires restant sur les côtés et admirant les héros, comme représentants des spectateurs que nous sommes….. Enfin, le genre de grosses ficelles qui ont pu faire illusion il y a 30 ans.Pour compléter ce tableau théâtral, quelques piailleries des bambins à chaque fois que la sorcière fait son apparition (Didon et Enée transformé en Hänsel et Gretel !), les mêmes enfants exécutant (verbe à comprendre à tous les sens du terme) les intermèdes dansés, et des acrobates (un metteur en scène lambda d’opéra baroque ne sortira jamais sans sa bande d’acrobates) pour mimer l’orage. A côté de cela, la psychologie des personnages est envoyée aux oubliettes et, comble du comble, ce qui fait le génie de cet opéra (la juxtaposition du tragique sublime – des héros déchirés entre devoir et passion – et du grotesque – les sorcières) est complètement mis à plat, les héros devenant de simples pantins pitoyables et les sorcières ramassant la mise. Jamais n’avons-nous été aussi peu ému par la scène finale, où Didon et Enée se disputent et où la reine se donne la mort.A ce non-sens théâtral, vient malheureusement s’ajouter un quasi-désastre musical. Est-ce bien le même William Christie qui émerveillait le monde musical, il y a 22 ans de cela, dans cette même salle Favart, avec l’Atys de Lully ? Comment peut-on faire sonner aussi pauvrement un orchestre qui regroupe les noms de Myriam Gevers, Mihoko Kimura, Emmanuel Balssa, Anne-Marie Lasla, Sébastien Marq, Pier Luigi Fabretti, Claude Wassmer ? Comment peut-on dénaturer une basse continue en se mettant soi-même au clavecin surélevé et une viole de gambe et un violone enfoncés sous la fosse, donc parfaitement inaudibles ? Comment peut-on ne pas entendre un chœur qui n’est quasiment jamais ensemble (de ce point de vue, le chœur final de déploration tournait au risible) ? Comment peut-on avoir oublié que le baroque est fait de courbes, d’articulations, de discours rhétorique ? Ce que William Christie nous délivre ici est d’une platitude affligeante. D’autant plus affligeante que le chef semble avoir complètement oublié aussi que le répertoire baroque requiert un certain type de voix, qu’un style de déclamation ne s’improvise pas. Or, les chanteurs rassemblés dans cette production, à la seule exception de la Belinda de Judith van Wanroij, sont absolument dénués de la moindre notion de style, de la moindre capacité à exécuter correctement un ornement. Nous avons donc eu à souffrir une Didon (Malena Ernman) au timbre indifférent, savonnant les ornements, chevrotante dans l’aigu ; un Christopher Maltman (pourtant excellent récitaliste dans les éditions Fauré et Schumann chez Hyperion), peu aidé par la costumière (ah ! le fou rire intérieur quand Belinda déclare « How godlike is the form he bears ! »), au vibrato envahissant et confondant quelque peu Masetto et Enée ; une Hillary Summers, en faisant des tonnes en Magicienne mais oubliant toute notion de style, de même que ses assistantes, Céline Ricci et Ana Quintans. Quitte à nous répéter, il faut sauver de ce naufrage Judith van Wanroij, très bonne Belinda à la fois sur le plan vocal et sur le plan théâtral. »
Altamusica – Didon, ou de la perfection – 5 décembre 2008
« Comment la juxtaposition d’éléments disparates a-t-elle pu donner naissance au spectacle parfait ? C’est que, sans prétention à l’authenticité, Deborah Warner est tout simplement allée puiser son théâtre aux sources shakespeariennes de Didon et Énée de Purcell. Contaminés par l’évidence, les Arts Florissants livrent leur plus belle prestation depuis longtemps.L’œuvre, d’abord, est parfaite : condensé d’une époque, de son théâtre, qui doit encore tout aux Élisabéthains, et de sa musique, perméable à toutes les influences continentales, et transcendée par le génie de Purcell. Deborah Warner ne s’abîme donc pas dans la démonstration d’un concept miracle, tirant simplement le fil tendu par Fiona Shaw – un théâtre à elle-seule –, qui dit en guise de prologue des textes de Ted Hugues, T.S. Eliot et William Butler Yeats, concentré contemporain et poétique de ce qui va suivre. Parce que Didon et Énée a pu être créé dans un pensionnat de jeunes filles – hypothèse infirmée par la musicologie –, l’actrice irlandaise a suggéré à son metteur en scène fétiche un chœur muet de jeunes élèves. Des fillettes en uniforme peuplent donc le plateau à moitié nu de l’Opéra Comique. À moitié seulement, puisque Chloe Obolensky y a posé, suspendu quelques éléments, qui ne font pas tout à fait un décor mais évoquent un théâtre de tréteaux et bouts de ficelle – un rideau de chaînes, quelques voiles, des bancs – devant une façade classique, une aire de jeu en somme. Aux fillettes, qui courent en tout sens, crient, esquissent un pas de danse baroque, se mêlent des choristes en vêtements ordinaires qui sont un lien, font le liant avec des protagonistes en costumes d’époque. Trois niveaux, qui sont autant d’échos aux textes du prologue et démultiplient les champs de perception : horrifiques aux yeux des enfants, les sorcières se révèlent pestes drolatiques, alors même qu’à leur innocence, la tragédie de l’abandon ne paraît guère plus qu’un jeu d’adultes. De cette juxtaposition somme toute postmoderne du trivial et du sublime, Deborah Warner tire une cohérence proprement baroque par l’intégration de la mise à distance temporelle, plutôt que de recourir à l’artifice d’une prétendue reconstitution à l’identique : le mythe s’incarne à travers la réalité des corps, et non la stylisation des poses. Déployant pour la circonstance un chœur et un orchestre fournis alors que la précédente Didon des Arts Florissants se jouait à un par partie, William Christie étale ses contrastes en jouant d’effets chromatiques, sans jamais briser la fluidité d’un discours d’une infinie souplesse.Remarquable de concentration sinon de timbre – la clarté de l’extension de son mezzo ne manque pas de susciter une certaine perplexité sur sa véritable nature vocale –, Malena Ernman est une Didon tout entière tendue vers la mort. Sombre, animal, l’Énée de Christopher Maltman relâche son vibrato comme l’homme s’abandonne dans les bras, sur le sein de la femme aimée, comme Énée s’écarte un instant de sa route. Et puis, dans des registres aussi opposés que possible, la Belinda pulpeuse et souple, suprêmement colorée de Judith van Wanroij et la sorcière à l’alto bizarre d’Hilary Summers, imposante autant que provocante, sont également irrésistibles. Une certaine idée de la perfection, réunion d’éléments a priori hétéroclites, qui sont le fait de l’œuvre même, et dont aucun ne saurait être retranché d’un spectacle qui laisse pantois. »
Opéra Magazine – janvier 2009 – 3 décembre 2009
« Lorsque le public entre dans la salle, William Christie est déjà assis au clavecin au milieu de ses musiciens des Arts Florissants, dans la fosse de l’Opéra-Comique. Il regarde la scène, où des machinistes s’affairent à hisser des toiles dans les cintres et où une nuée de fillettes, cravatées et vêtues de jupes bleu marine, courent et piaillent en tous sens. En bon artisan, « Bill » passe ses troupes en revue, tout en accueillant les spectateurs. Avec la complicité de la célèbre metteuse en scène britannique Deborah Warner, il s’ingénie ainsi à effacer la frontière entre artistes et public.Car ces jeunes filless ne sont autres, bien sûr, que celles du pensionnat de Chelsea où, en 1689, fut représenté le Didon et Énée de Purcell. Ce clin d’oeil à l’histoire humanise la tragédie mythologique qui va être jouée : la dernière heure de Didon, première reine dont les malheurs chantés vont fonder le genre lyrique anglais. Mais avant d’entrer dans le vif du récit tiré de L’Énéide de Virgile, Deborah Warner a tenu a sacrifier au rite du Prologue, même si la musique en a été perdue. Renonçant dès lors au texte original du librettiste Nahum Tate, elle a confié à Fiona Shaw, magnifique comédienne idandaise, trois poèmes signés Ted Hugues, T. S. Eliot et William Butler Yeats, qui constituent une sorte de mélodrame parlé que Christie réussit à incruster, avec une subtilité inouïe, dans l’ouverture de l’opéra.En fond de scène, se devine une façade néoclassique anglaise, derrière un rideau de perles de verre que vont sans cesse franchir les fillettes, tantôt trouble-fête, tantôt complices des protagonistes. Au centre du plateau, le carré d’une mosaïque vaguement carthaginoise, où se concentre l’action comme chez Peter Brook qui semble, du reste, avoir disposé les quatre bancs rustiques de chaque côté. Voilà pour le décor, auquel vient s’ajouter le matériel d’un pique-nique digne de Glyndebourne dans la scène de la chasse, quelques acrobates et autres gymnastes scandant une action menée tambour battant, grâce à une direction d’acteurs aussi serrée et subtile que celle d’un Chéreau. Au fil des actes, le mouvement tourbillonnant du début va se gripper peu à peu, pour se figer dans la scène finale de Didon mourante, soutenue par sa soeur et sa suivante, en un grand tableau classique d’une saisissante beauté plastique, jusqu’au drapé des robes.Mais ce qu’on voit n’est que prolongement de la musique qui sourd des longs doigts de Christie, plus inspiré que jamais, passant du style français de l’ouverture à la drôlerie du « masque » anglais dans la scène des Sorcières, pour aboutir au dépouillement du lamento de Didon, vraie « mort d’amour » intériorisée, mais d’une violence incroyable. Pour ne pas parler des instruments qui donnent vie, avec leurs mille couleurs, aux somptueux récitatifs accompagnés.La distribution, d’une remarquable homogénéité, se situe sur les mêmes hauteurs. Malena Ernman est une Didon dans la lignée de Janet Baker. L’Énée de Christopher Maltman est tout aussi habité que celle qu’il abandonne.Judith van Wanroij est une Belinda toute de douceur, à l’inverse de la Magicienne haute en couleur de Hilary Summers. Les Sorcières, Esprits et Marins sont au diapason. Chez tous, la concentration, la justesse de l’intonation comme l’acuité du geste, sont garantes de l’émotion qu’ils transmettent.C’est du chef-claveciniste que rayonne toute cette beauté. Christie réussit avec Purcell ce qu’il avait atteint naguère avec l’Atys de Lully, puis avec le Retour d’Ulysse de Monteverdi à Aix-en-Provence : une manière de perfection de la forme et de l’âme, la première n’étant que le reflet de la seconde. Mais pour cela, il faut que la scénographie soit au niveau de la musique. »
Diapason – Spectacle total
L’évidence d’abord : on passe une merveilleuse soirée, on sort de ce Didon et Enée dans un état très shakespearien, larmes aux yeux et « banane » aux lèvres. Puis le doute s’installe. Pourquoi faire les derniers raccords techniques le rideau ouvert ? La bonne vieille magie théâtrale serait-elle devenue obsolète ? Rendeznous le gant de Gilda ! Et ces adorables petites filles qui peuplent l’espace : est-ce un hommage à Josias Priest, et rien d’autre ? Et que fait ici Mlle Fiona Shaw, comédienne de génie? Certes, la façon dont elle récite Hugues, Eliot et Yeats en ouverture serait inaccessible à la quasi-totalité du fichier de l’Actors Guild, mais encore? Et ce choeur en « tenue décontractée » qui entoure le petit podium doré, lieu tragique précisément défini par la scénographie de Chloe Obolensky (et complété par une somptueuse façade baroque, au fond, derrière un rideau de perles), ce choeur tour à tour spectateur et protagoniste n’ajoute-t-il pas, après les petites filles, une redondante couche de « guillemets » distanciateurs? Et ces Sorcières qui, plutôt que de terrifier, se moquent d’elles-mêmes, de nous et de leur propre office ?Serions-nous devenus si méfiants à l’égard de « l’oeuvre-en-soi », de sa capacité à émouvoir ? Ou, au contraire, notre capacité naïve (infantile?) à y succomber, indigne de créatures postmodernes, nous embarasse-t-elle au point qu’il semble prudent de multiplier rideaux, miroirs et alibis? Voilà ce qui taraude avant qu’une pensée ne vienne nous sauver : plutôt que de se gratter ainsi les espaces infinis du cerveau, ne vaut-il pas mieux faire confiance à Deborah Warner, metteur en scène fascinant qui rend l’opéra à ses charmes originels, ceux du « spectacle », avec attractions, funambules, poésie et gags, et, au milieu, un vrai morceau de tragédie ? Car le tact, l’habileté et l’efficacité dramatique avec lesquels elle règle le diamant purcellien laissent pantois, depuis le baiser furtif des deux amants entrevu derrière le rideau jusqu’à la mort bouleversante (dont nous enlèverions la trop réaliste fiole de poison à l’opéra, surtout dans celui-ci, il est permis de mourir de rien).Belle distribution, dominée par la touchante Didon de Malena Emman ; prestation remarquée de Hilary Summers en Sorceress, rôle qui sied enfin à sa voix caverneuse. Dans la fosse, assis au clavecin William Christie, au geste parfois incertain mais toujours amoureux. Et les Choeurs des Arts Florissant sont impeccables. »
Operabase – L’Atelier du chanteur – 3 décembre 2008
« Voici la reprise d’une production donnée aux Wiener Festwochen en mai 2006, qui réussit la prouesse de réunir exactement le même plateau vocal à deux ans et demi de distance. Très bonne idée que de l’avoir invitée à l’Opéra Comique ! Interprétation musicale et dramatique sont en effet remarquables et se renforcent l’une l’autre.Deborah Warner ouvre la soirée en choisissant de faire dire, en guise de prologue, trois poèmes anglais à son actrice fétiche Fiona Shaw, au jeu et à la déclamation très engagés. La culture et l’expérience shakespeariennes de Deborah Warner sont déjà présentes et le resteront tout au long de la soirée – ou plutôt de l’heure de spectacle : Dido and Aeneas est un opéra très court, d’autant plus court que certains passages en sont perdus, et qu’il était peut-être donné intercalé avec d’autres pièces théâtrales ou musicales. Rien de tout cela ce soir : passé ce prologue déclamé, le public recevra une heure de drame rendue encore plus intense et compacte par la mise en scène. Non pas pourtant une tragédie, car l’air du matelot est bien léger et entraînant, même s’il annonce le départ des Troyens, et les sorcières sont bien divertissantes, même si elles ont ourdi ce même départ. Mais du théâtre shakespearien outré, hystérisé, un peu comme le Titus Andronicus de Daniel Mesguich (en 1989 à l’Athénée), et sans doute comme les mises en scène de Deborah Warner, que ce spectacle donne envie de découvrir! Une rapidité de changement d’affects qui le rapproche du « zapping » contemporain et rend Purcell plus moderne que les étirements prévisibles de Verdi ou Wagner.Deborah Warner fait jouer, et généralement surjouer, ces affects successifs. Chanteurs et choristes rentrent dans le jeu avec une confiance totale. Ainsi individualisés, légèrement maquillés, costumés, éclairés, les choristes s’en trouvent d’ailleurs métamorphosés. Ils révèlent des ressources expressives jusqu’alors laissées en friche, ou du moins en jachère. Tout juste peut-on regretter que Malena Ernman traduise sa résistance « fiordiligienne » de départ, puis sa douleur finale, par des contractions de la mâchoire et du visage qui nuisent à sa vocalité. L’émission de Lina Markeby n’est pas non plus très libre et pleine ce soir de première. Christopher Maltman impose lui une plénitude vocale et une présence irrésistibles. On ne s’étonne pas qu’il ait été choisi pour incarner Don Giovanni l’été dernier à Salzburg! Judith van Wanroij est une excellente Belinda, qui contraste agréablement, avec son émission claire et saine, avec le timbre sombré de Malena Ernman. (Le diapason choisi semble aussi très bas!) D’une voix sombre mais plus pleinement connectée, Hilary Summers est une sorcière-vamp-hommasse irrésistible! Elle réussit à donner à sa voix les inflexions traditionnelles de la sorcière tout en conservant un timbre chaud. Ses deux acolytes cocaïnomanes (Céline Ricci et Ana Quintans) sont aussi déjantées scéniquement que vocalement dans leurs duos, qu’elles arrivent à chanter tout en continuant à jouer les surexcitées.Le décor est épuré : un plateau carré surélevé au centre, au fond divers éléments pouvant apparaître et se superposer : deux voiles carrées écrues, une façade blanche vaguement classique, des chaînettes argentées tombantes formant rideau. Les choristes sont habillés « partie de campagne rétro », les solistes « robes du soir », et des enfants en uniforme scolaire rappellent le pensionnat de Chelsea ou Didon et Énée a été représenté en 1689. Les mouvements et interactions des personnages sont contemporains, le sommet en étant le baiser de désir fort réaliste échangé par Didon et Énée. Mauillon surjoue bien son Spirit-messager, et le matelot chante son « Come away » en se rhabillant, à l’instar de toute la troupe, pendant que les trois sorcières shootées mangent barbe à papa et pomme d’amour en se gaussant. En trio, Hilary Summers chante un passage en voix de poitrine quasi parlée une octave en dessous! Deborah Warner lui attribue souvent un jeu scénique de rock star.On peut admirer chez les Arts Florissants cette capacité à se lancer, sans rien retenir ni attiédir, dans des aventures avec de grands chorégraphes et metteurs en scène. C’était déjà le cas en 1995 au Châtelet pour le King Arthur confié à Graham Vick. Plus récemment, Les Paladins mis en scène et chorégraphiés par José Montalvo et Dominique Hervieu ont réussi une fusion parfaite entre musique, chant et danse, en impliquant les choristes des Arts Florissants au même titre que les danseurs de la compagnie Montalvo-Hervieu. Pour Hercules et Armide, Luc Bondy et Robert Carsen imposaient leur marque, pour le plus grand bénéfice du spectacle.Après une période où sa direction avait pu sembler quelque peu tiède, et où on lui préférait de nouveaux venus plus toniques comme Marc Minkowski, William Christie a ainsi redynamisé sa direction au contact d’artistes de la scène. Il a aussi réussi à enrichir l’une par l’autre ses visions des répertoires anglais et français, qu’il a toujours pratiqués en alternance. Il reprend la main ce soir pour l’ouverture, qui fait entendre de longs phrasés des cordes et une pâte sonore qui semblent allier le meilleur des interprétations « pré-baroques » et des interprétations plus « authentiques ». Il ne lâchera plus son orchestre et ses chanteurs jusqu’à la fin, qui arrive ce soir comme en accéléré. Il est vrai que le spectacle est donné deux fois chaque soir! Ainsi précocement lâché dans la rue, on regrette de ne pouvoir revenir pour une deuxième vision! À défaut, stimulé par l’hystérie transmise par Deborah Warner, on improviserait bien une petite tragi-comédie avec ses voisins spectateurs sortis eux aussi sur un petit nuage! »
Berlin – Staatsoper Unter den Linden – 31 octobre, 1er, 2, 4 novembre 2008 – dir. Chris Moulds – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk, Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – chorégraphie Jirí Bartovanec – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York (Belinda), Céline Ricci (2. Woman), Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard F. Lorenz (1. Witch/A Sailor), Michael Bennett (2. Witch/Spirit)
Las Palmas – 1er, 2 oct 2008 – New London Consort – dir. Philip Pickett – mise en scène Jonathan Miller – chorégraphie Jonathan Miller – avec Julia Gooding (Dido), Michael George (Eneas), Joanne Lunn (Belinda)
Opéra de Bordeaux – 24, 26, 28, 30 septembre, 2, 3 octobre 2008 – Orchestre National Bordeaux Aquitaine – Choeur de l’Opéra National de Bordeaux – dir. Jaap ter Linden – mise en scène, décors et costumes Yannis Kokkos – chorégraphie Richild Springer – lumières Patrice Trottier – avec Mireille Delunsch (Didon), Kimy McLaren (Belinda), Catherine Wyn-Rogers (Magicienne), Colette Galtier (Première Sorcière), Arlette Da Costa (Seconde Sorcière), Isabelle Lachèze (Seconde Femme), Louis-Alexander Désiré (un Esprit), Thomas Dolié (Énée), Bruno Comparetti (un Marin)
Operacritiques
« Derrière une toile translucide à la manière de Gellée, les personnages s’effacent, dans les poses tragiques où la fin de leur réplique les a tenus. Comme toujours chez Kokkos, un univers schématique, presque géométrique, à la gestuelle souple et expressive. Côté jardin, une galerie de palais, sombre, avec l’ébauche du bas d’une colonne dont on ne peut apercevoir le chapiteau (à la manière du dispositif central de son Titus, repris récemment à Genève). Au centre, des degrés qui descendent, vers le devant de la scène, jusqu’à un triangle vermillon (la couleur était omniprésente pour Phaedra), où trois marches évoquent le lieu du pouvoir. Ce lieu où Didon débute son parcours sera celui d’où Enée recevra la fausse apparition au III, puis d’où il se précipitera, s’embrouillant dans ses piètres excuses au IV, vers la reine.Le choeur, vêtu de robes pourpres à fraises blanches, évite à tout moment l’écueil du statisme de la littéralité. Point d’esprit de sérieux : il semble demeurer conscient à tout moment qu’il est au fond étranger aux malheurs tout personnels de sa reine, et ses gestes expressifs, sans rechercher la drolerie, ne paraissent pas pleinement sérieux.Didon, quittant son déshabillé blanc pour une courte traîne royale de même couleur, ne conserve que sa robe, toujours visible, toujours pourpre, lors de la dernière scène. Sans aucune ostentation, Kokkos prolonge ainsi la symbolique de la passion qui brûle la veuve de Sychée – après avoir proclamé sa vertu devant son peuple. L’opposition des couleurs fait ainsi sens très simplement sur les éléments qui ne sont pas repris explicitement par Tate. Et très discrètement. Tout le travail de Kokkos évolue dans ce registre de finesse. A la fin de chaque acte, la toile picturale initiale reprend de l’épaisseur, enveloppe les protagonistes restants, figés dans leur pose, peu à peu désintégrés, puis rejoignant lentement les coulisses, à peine visibles et demeurant dans cet état fixe où nous les avons laissés. Le génie d’actrice de Mireille Delunsch trouve ici une terre d’élection. A l’acte I, d’un port souverain, mais comme accablée ; à l’acte III, d’un abandon très mesuré, reposant sur Enée tel Renaud sur Armide, de façon à ce que chacun puisse se contempler – mais, ici, avec une ferme tenue qui autorise sans rougir la présence du public ; enfin, à l’acte IV, succombant lentement, titubant sur ses genoux, s’étendant avec pathétique et noblesse pour le dernier voyage. Le dernier air, il est vrai, se montre pensé de façon un peu romantique, et tant de merveilles y ont été entendues qu’on n’y trouvera pas d’originalité ni d’intensité véritablement supérieure à la moyenne. En revanche, chaque réplique témoigne de cette alchimie si particulière chez elle – et qui, même au DVD, se communique mal -, qui rend sa présence si prégnante sur scène. Cette acidité, cette imperfection de timbre, ce souffle portent quelque chose d’électrique – qui n’a rien de l’excitation purement vocale : Mireille semble déverser son âme dans les nôtres à chaque parole, avec un art de la pudeur consommé. La moindre redite textuelle ou musicale, le moindre segment de vocalisation révèle un nouveau mouvement de ses affects, un nouvel aspect de son esprit. Sans moyens techniques impressionnants, elle triomphe instantanément, dépasse absolument toutes les considérations comparatives. A cet instant, son art souverain nous conquiert, et il n’est plus possible de songer à qui nous préférons : elle est seule présente.Jaap ter Linden, instrumentiste baroque devenu chef comme tant d’autres (il dirige une honnête intégrale des symphonies de Mozart chez Brilliant), a tenté d’imposer à un orchestre peu réceptif des modes de jeu baroques : irrégularité, non vibrato. Son travail (nécessairement bref, ne s’agissant pas d’un travail sur ensemble constitué, avec deux oeuvres sur six mois, mais sur un orchestre traditionnel, dévoreur de répertoire et de chefs) est de qualité, mais le résultat, quoique correct, modérément convaincant. Les tempi sont très lents, trop lents, le drame se cherche un peu. Les cordes aiguës jouent même faux à plusieurs reprises, habituées à masquer la nécessairement relativité de la justesse sur ces instruments par du vibrato, ou déstabilisées par des modes de jeux inhabituels pour eux. [1] Dans la fosse, on constate aussi l’habituelle disparité de jeu, avec un premier rang qui vibre, un deuxième qui fait semblant, un troisième qui s’abstient tout simplement. Le résultat sonore est parfois franchement décevant pour un orchestre de ce niveau. A contrario, il faut absolument saluer l’excellence du continuo, et surtout du violoncelliste, admirablement souple et expressif. La beauté d’un timbre « moderne » avec l’élan d’un jeu « à l’ancienne », une forme d’idéal.Catherine Wyn-Rogers compose une Magicienne proprement terrifiantes, très hiératique, avec des sons nasalisés et des poitrinés très mesurés, nullement comiques. Suspendue dans les airs ténébreux, elle règne sur des créatures dont les costumes, noirs à corolle blanche, constituent des répliques en négatif de la cour (pourpres à fraise blanche). «
Opéra Magazine – novembre 2008
« La voix sonore mais souvent instable dans l’aigu, de Catherine Wvn-Rogers, son manque de prestance, ne sont compensés que par l’astucieux et esthétique dispositif, superbe dans sa sobriété rouge et noire, conçu par Yannis Kokkos et que l’on retrouve, inversé, dans Dido and Aeneas. Ici, le metteur en scène-décorateur emploie, avec beaucoup d’intelligence et un goût sans faille, une sorte de double langage visuel, à la fois contemporain (la forme géométrique de certains éléments) et « à l’ancienne », avec des citations de peintures italiennes du XVIIe siècle. C’est aussi beau qu’efficace. L’idée de faire représenter la Mort, au lointain et par instants, par la danseuse et chorégraphe Richild Springer, apporte une dimension supplémentaire au propos.Au centre de la distribution, Mireille Delunsch est semblable à elle-même. Elle force l’admiration par son investissement théâtral, la finesse de son approche musicale de la partition, son intelligence du texte, mais laisse perplexe quant à la nature d’une voix qui manque singulièrement d’homogénéité et de capacité d’émotion. On ne peut rester indifférent devant cette Didon, mais on ne peut non plus oublier tant d’autres voix qui ont bien mieux traduit, par leur nature même, la densité du drame ni sobrement exprimée par la musique de Purcell.La Belinda de Kimy McLaren est brillante, les autres solistes manquent d’éclat, notamment l’Enée de Thomas Dolié. Ce jeune chanteur pourrait utiliser bien plus efficacement des moyens intéressants et un physique avantageux.Sous la baguette de Jaap ter Linden, l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine joue le jeu baroque avec une belle réussite. Il s’affirme comme l’un des éléments positifs d’un spectacle dont on retiendra, avant tout, les images que Yannis Kokkos a su créer avec un art extrême. »
Seillans – Place du Valat – 11 août 2008 – Musique cordiale – dir. Kevin Griffiths avec Rosie Bell (Didon), Élizabeth Drury (Belinda), Christopher Wray (Énée)
Denver – Central City Opera – 6, 8 août 2008 – Apprentice Artist production – dir. Katherine Kozak – mise en scène, décos et costumes Michael Shell – lumières Leah Austin – avec Lindsey Falduto (Dido), Amanda Hall (Belinda), Kara Harris (Woman), Julia Elise Hardin (Sorceress), Sara Heaton (First Witch), Chloé Moore (Second Witch), Megan Hart (Spirit), Grant Clarke (Aeneas), Jeffrey Philip Nardone (Sailor)
Banff – Centre for Arts – Canada – 31 juillet, 2 août 2008 – Banff Festival Orchestra – Banff, Eric Harvie Theatre – dir. David Agler – mise en scène Kelly Robinson – nouvelle production
Northington – 18 juillet 2008 – Grange Park Opera – Alresford – dir. Christian Curnyn – mise en scène, décors et costumes Antony McDonald
Buxton – 15, 23 juillet 2008 – New London Consort – dir. Philip Pickett – mise en scène Jonathan Miller – chorégraphie Sue Lefton – avec Julia Gooding (Dido), Michael George (Aeneas), Joanne Lunn, Faye Newton, Juliet Schieman, Christopher Robson, Andrew Lawrence-King, Simon Grant, Tone Braaten, Mark Chambers, Joseph Cornwell, Mark Rowlinson
Beaune – Basilique Notre-Dame – 11 juillet 2008 – version de concert – Gabrieli Consort and Players – dir. Paul McCreesh – avec Renata Pokupic (Didon), Roman Colett (Enée), Alice Crew (Belinda), Daniel Taylor (Magicienne)
Dessau – Anhaltisches Theater – 4, 5, 6, 11, 12, 13 juillet 2008
Lauchstädt, Goethe-Theater Bad Lauchstädt – Festival de Halle – 7, 8 juin 2008 – Capella Thuringia – Cantus Thuringia – dir. Bernhard Klapprott
Opéra de Tel Aviv – 3, 4, 6, 7, 8 juin 2008 – Akademie für Alte Musik, Berlin – Vocalconsort, Berlin – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène, chorégraphie Sasha Waltz – décors Thomas Schenk, Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – avec les Solistes du Staatsoper Unter den Linden, Berlin – Sasha Waltz Dance Company
Kiel – Schauspielhaus – 18 mai, 5, 7 juin 2008 – dir. Reinhard Goebel / Simon Rekers – mise en scène Thilo Reinhardt – décors Paul Zoller – costumes Paul Zoller, Bianca Deigner – chorégraphie Mario Schröder – chef de choeur David Maiwald – dramaturgie Joscha Schaback – avec Merja Mäkelä (Dido), Johannes An (Aeneas), Heike Wittlieb / Lesia Mackowycz (Belinda), Marina Fideli (Sorceress), Wiebke Lehmkuhl (First Witch, Spirit), Kristina Fehrs (Second Witch)
Théâtre de Poissy – 17 avril 2008 – Il Complesso Barocco – Collegium Vocale Gent – dir. Alan Curtis – avec Anna Bonitatibus (Dido), Mayuko Karasawa (Belinda), Olivier Lalouette (Enea), Charles Daniels (Sailor), Kristina Hammarstrom (Sorceress, Second witch ), Romina Basso (First witch)
Opéra-Bastille – Amphithéâtre – 13, 15, 16 mars 2008 – Suresnes – Théâtre Jean-Vilar – 29, 30 mars 2008 – dir. Patrick Cohen-Akenine – mise en scène Dominique Pitoiset et Stephen Taylor – costumes Nathalie Prats – lumières Christophe Pitoiset – avec les Solistes de l’Atelier lyrique et étudiants du Département de musique ancienne du CNSMDP : Anna Wall (Dido), Maria Virginia Savastano (Beelinda), Claiudia Galli (Second Woman), Vladimir Kapshsusk (Aeneas), Wiard Mitholt (Sorceress), Elena Tsallagova (First Witch), Andrea Hill (Second Witch), Vincent Delhoume (Spirit), Paul Crémazy (Sailor)
» L’intérêt de ce projet est double : permettre aux chanteurs de l’Atelier Lyrique de l’Opéra National de Paris (âgés de 24 à 30 ans) de travailler l’opéra baroque auprès de spécialistes (Guillemette Laurens en master class, le violoniste Patrick Cohen-Akénine) et impliquer les étudiants du Département de musique ancienne du CNSMD de Paris, auxquels sont confiés l’orchestre et le continuo. Le travail scénique, remarquable, repose sur un concept aussi original que convaincant : Dido and Aeneas, donné dans son intégrité, est la pièce centrale d’un montage d’extraits de l’Énéide entremêlés de superbes pièces vocales de Purcell. Le drame amoureux individuel accède ainsi à une dimension épique et de nécessité historique. Dommage, simplement, que la comédienne Nadia Fabrizio crie autant son si beau texte… Les chanteurs peuvent certes encore progresser sur le plan du style (renoncer parfois au legato, intégrer les ornements avec davantage de naturel, savoir au besoin enlaidir sa voix), voire, pour certains, sur celui de l’anglais. Les instrumentistes, quant à eux, doivent encore gagner en son et en nerf. Mais tous ont manifestement beaucoup appris. A côté d’un attachant Enée, d’une émouvante Didon, à la voix ample et chaude, et d’une Belinda aussi excellente actrice que chanteuse, on retiendra tout particulièrement la Magicienne de grand relief du baryton Wiard Witholt. Une belle réussite qui mériterait d’être reprise. » (opéra Magazine – mai 2008 – 13 mars 2008)
Bruxelles – Kaaitheater – 18, 22 janvier 2008 – Bruges – Concertgebouw – 19 janvier 2008 – Rotterdam – De Doelen – 24 janvier 2008 – Anvers – DeSingel – 25, 26 janvier 2008 – Ensemble B’rock – Choeur de Chambre Octopus – dir. Richard Egarr – mise en scène Jan Decorte – scénographie Johan Daenen, Jan Decorte – costumes Sofie D’hoore, Thijsje Strijpens, Jan Decorte, Sigrid Vinks – lumières Jan Decorte, Luc Schaltin – avec Wilke te Brummelstroete (Dido), Maarten Koningsberger (Aeneas), Barbara Hannigan (Belinda), Giles underwood (Sorceress), Amaryllis Dieltiens (Second wife), Jonathan De Ceuster, Patrick van Goethem (Witches), Sigrid Vinks (Cupid)
Bruxelles – Théâtre de la Monnaie – 12, 13, 15, 16, 17 janvier 2008 – Akademie für Alte Musik Berlin – Vocalconsort Berlin – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène et chorégraphie Sasha Waltz – décors Thomas Schenk et Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – éclairages Thilo Reuther – dramaturgie Jochen Sandig, Yoreme Waltz – avec Sarah Connolly (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Elizabeth Cragg (Belinda), Jean-Paul Fouchécourt (Sorceress), Céline Ricci (Second woman), Eberhard Francesco Lorenz (First witch, Sailor), Michael Bennett (Second witch, Spirit) – production de 2005
La Libre.be – La chorégraphe allemande noie Purcell dans sa propre mythologie. Démarche argumentée, inspiration puissante, résultat hybride.
« Nul ne restera indifférent au prologue imaginé par Sasha Waltz en ouverture du « Dido and Aeneas » de Purcell [?], où des corps entourés de voiles et de rubans évoluent gracieusement sous l’eau, renvoyant à la fois aux bas-reliefs romains et aux volutes baroques, rêve sensuel d’une humanité en apesanteur et en union confiante avec les éléments… Mais encore ? C’est qu’aux yeux de la chorégraphe allemande, si puissant et si émouvant qu’il fût, l’opéra manquait quand même un peu de substance : en complicité avec Attilio Cremonesi (musicien et musicologue, formé aux écoles baroques de Sienne et de Bâle), Sasha Waltz a donc réinventé « Dido And Aeneas », rejoignant en cela la longue liste des prédateurs fascinés par ce court chef-d’oeuvre et incapables de résister à l’envie de s’en emparer et surtout de l’allonger à leur profit. La reconstruction s’est faite selon des règles baroques traditionnelles : invention d’un prologue parlé (quoiqu’aquatique) invoquant les dieux et les nymphes, inclusion de « masques » sous forme de divertissements débridés, de ballets (généralement cruels et beaux), de solos surnuméraires (silencieux et redondants), d’intermèdes instrumentaux reconstitués avec plus ou moins de bonheur, ajout de castagnettes et atténuation déroutante des basses du continuo pour un résultat voulu « transparent » et, dans les faits, aigrelet. Avec une participation courageuse, et parfois très réussie, des chanteurs à la gestique des danseurs, un processus déjà illustré, par exemple, par Trisha Brown dans « L’Orfeo » de Monteverdi.En dépit de ce qui précède, de l’inspiration foisonnante de la chorégraphe et de la virtuosité des interprètes, le spectacle donne une impression gênante de dispersion et de longueur, en particulier pour la partie du public qui connaît bien l’oeuvre et en a intégré le rythme propre. Peut-être aussi parce que, trois ans après sa création au théâtre Unter der Linden de Berlin, il peine encore à retrouver sa fièvre initiale. (Sasha Waltz n’est pas venue saluer : était-elle sur place ? Qui a remonté le spectacle ?).On saluera la qualité des voix – tant pour ce qui est du Vocalconsort de Berlin, que des solistes, notant le timbre chaud et brillant de la Britannique Sarah Connolly (Dido), l’Aeneas crédible mais instable de Reuben Willcox, la spirituelle Belinda d’Elizabeth Cragg (remplaçant au pied levé Deborah York) et la participation électrisante de Jean-Paul Fouchécourt, l’enchanteresse. Par contre, victime de sa « reconstruction », l’orchestre, placé sous la direction de Daniel Reuss, sonne maigre et éclaté.Enfin, on reste bouleversé par l’engagement des danseurs avec, en sommet dramatique, les deux amants, Valeria Apicella et Virgis Puodziunas (en photo) et, en clin d’oeil shakespearien, la « narratrice », Charlotte Engelkes. »
Théâtre national
« Créée au Staatsoper unter den Linden en 2005, cette production de Dido et Aeneas par Sasha Waltz est à la fois spectaculaire, émouvante et particulièrement originale puisque la chorégraphe et metteur en scène berlinoise a choisi de dédoubler les rôles de l’opéra de Purcell. Chaque personnage est ainsi à la fois chanté et dansé afin de créer des duos d’une grande beauté. Dans sa mise en scène de l’oeuvre du compositeur baroque anglais, le plus ancien ouvrage anglais joué de nos jours sur la scène, l’amour tragique de Dido pour Aeneas débute par une séquence inattendue et inoubliable : dans un gigantesque aquarium posé sur le plateau, des danseurs plongent et racontent en mouvement le destin des deux héros. La mezzo-soprano anglaise Sarah Connolly et le baryton anglais Reuben Willcox peuvent ensuite faire entendre leur chant d’espoir et d’abandon.Enée, prince troyen, fils d’Anchise et de Vénus, n’a qu’un seul et unique destin : fonder la nouvelle Troie (Rome) sur les bords du Tibre. Parmi toutes les épreuves dont il devra sortir vainqueur, il en est une pour laquelle il n’aura pas à dégainer les armes mais qui n’en est pas moins cruelle : l’amour. Qui lui apparaîtra sous les traits de la reine de Carthage, la belle Didon qui porte le chagrin à même son visage. Ces amants légendaires auraient-ils pu vivre heureux ? Peut-être. Mais il aurait fallu que n’existent ni la magicienne ennemie ni les sorcières habiles à faire le mal, ces êtres mal intentionnés décidés de nuire à cet amour royal. Avec ses pouvoirs maléfiques qui lui permettent de déchaîner les éléments, lors d’une chasse, la magicienne déclenche un violent orage et fait apparaître un faux Mercure qui oblige le prince troyen à reprendre la mer. Il hésite. La fière Didon ne daigne pas que l’on hésite. Elle lui ordonne de continuer son voyage et elle, désespérée s’en ira rejoindre le royaume de la mort. Dans ce chef-d’œuvre de l’opéra, Purcell a laissé une part belle à la danse, ce qui a séduit la chorégraphe allemande Sasha Waltz, qui, pour la toute première fois de sa brillante carrière, met en scène un spectacle où la musique est jouée live. »
Opéra Magazine – mars 2008
« La Monnaie reprend, dans la grande salie du Théâtre National, la mise n scène de Dido andAeneas imaginée en 2005 par la chorégraphe Sasha Waltz pour le Staatsoper Unter den Linden de Berlin. Pour l’occasion, le chef d’orchestre et musicologue Attilio Cremonesi a reconstitué le prologue manquant ainsi que certaines parties centrales, en s’appuyant pour l’essentiel sur d’autres partitions du compositeur britannique, dont King Arthur. On atteint ainsi une durée totale d’une heure quarante-cinq (contre une bonne heure quand on se contente de jouer la musique parvenue jusqu’à nous). Aux fastes du baroque, SashaWaltz substitue son propre univers, en multipliant les effets spéciaux : ballet aquatique exécuté pendant tout le prologue dans un immense aquarium se vidant progressivement de son eau ; danseurs en apesanteur suspendus à des filins et évoluant à la façon de mobiles de Calder ; ou encore ce tableau du banquet atteignant les sommets du kitsch par le bariolage des costumes. Chaque chanteur est doublé par un ou plusieurs danseurs, les uns et les autres — y compris les choeurs —se rejoignant volontiers pour certaines figures corporelles. Dès lors, l’oeuvre a tendance à se disperser et on se prend à regretter la concision et l’urgence dramatique de la version « traditionnelle », par-delà quelques moments visuellement très réussis et une chorégraphie en elle-même de qualité.D’une distribution d’un excellent niveau, on détachera d’abord Sarah Connolly, Didon au timbre cuivré et au chant nuancé, en particulier dans un très expressif « When I am laid in earth ». Baryton aigu doté d’une voix claire, Reuben Willcox est un Énée de belle prestance, dont la stabilité de l’émission est parfois compromise par les positions que lui impose la mise en scène. Elizabeth Cragg (remplaçant Deborah York) prête son joli soprano à Belinda. Jean-Paul Fouchécourt, vêtu de rouge et de noir, évolue comme un poisson dans l’eau dans le personnage de la Magicienne, à l’instar des deux Sorcières. Céline Ricci, enfin, ne démérite pas en Dame d’honneur, rôle ici accru. Parmi les danseurs, tous excellents, le charismatique et athlétique Virgis Puodziunas, double d’Énée, mérite une mention particulière. Les nombreuses interventions du choeur, très sollicité également sur le plan scénique, nous ont permis d’applaudir le Vocalconsort Berlin. Quant aux instrumentistes de l’Akademie für Alte Musik Berlin, placés sous la direction de Daniel Reuss, ils se sont distingués par une exécution toute de finesse et de précision, malgré un léger manque de mordant. »
Opéra de Lille – 11, 12 janvier 2008 – Aix en Provence – Grand Théâtre de Provence – 23, 24 janvier 2008 – Istres – 27 janvier 2008 – Orchestre et choeur de l’Académie européenne de Musique du Festival d’Aix-en-Provence – dir. Kenneth Weiss – muse en scène Jacques Osinski – décors et costumes Christophe Ouvrard – lumières Catherine Verheyde – avec Jennifer Johnston (Didon), Shigeko Hata (Belinda), Adam Green (Énée), Diana Highbee (Seconde Dame, Première Sorcière), Tomomi Mochizuki (la Magicienne), Diana Axentii (Deuxième Sorcière), Ivo Posti (Esprit), Olivier Hernandez (Marin)
Mönchengladbach – 1er, 4, 18, 28 décembre 2007, 12, 27 janvier, 21 février, 8 mars 2008 – dir. Graham Jackson – mise en scène Christian Tombeil – décors Andreas Jander – costumes Gabriele Wasmuth – dramaturgie Ulrike Aistleitner – avec Uta Christina Georg (Dido), Hans-Jürgen Schöpflin (Aeneas), Debra Hays / Jeannette Wernecke (Belinda), Ursula Hennig / Christina Heuten (Deuxième dame), Janet Bartolova (Magicienne), Sabine Sanz / Marianne Thijssens (Première sorcière), Nele van Deyk / Birgitta Henze (Seconde sorcière, Kerstin Brix (Esprit), Walter Planté (Marin)
Théâtre de Longjumeau – 24 novembre 2007 – Maîtrise des Hauts-de-Seine, Choeur d’enfants de l’Opéra de Paris – Ensemble Instrumental des Hauts-de-Seine – dir. Gaël Darchen – mise en scène Karin Catala
Festival d’Ambronay – 27, 28, 29 septembre 2007 – Festival de Labeaume en Musique « Les Quartiers d’Hiver » (07) – 15 mars 2008 – Lyon 8ème arrondissement avec le NTH8 (Lycée Jean Lurçat) – 10 et 11 avril 2008 – Festival le Printemps de Vienne (38) – 15, 16 et 17 mai 2008 – Festival en Beaujolais – Continents et Cultures (69) – 2 juillet 2008 – Compagnie l’Opéra-Théâtre – Choeur des jeunes du Centre de la Voix Rhône-Alpes – Ensemble Boréades – dir. Marie-Laure Tesseydre – mise en scène André Fornier – costumes et scénographie Angélina Herrero – lumières Nicolas Charpail – avec Majdouline Zerari (Didon), Guillaume Andrieux (Enée), Marie Remandet (Belinda), Stéphane Meygret (L’Enchanteresse)
Kiel – Schauspielhaus – 23 septembre, 6, 9, 11, 13, 26 octobre, 15 novembre, 2 décembre 2007 – dir. Reinhard Goebel / Simon Rekers – mise en scène Thilo Reinhardt – décors Paul Zoller – costumes Paul Zoller, Bianca Deigner – chorégraphie Mario Schröder – chef de choeur David Maiwald – dramaturgie Joscha Schaback – avec Merja Mäkelä (Dido), Johannes An (Aeneas), Heike Wittlieb / Lesia Mackowycz (Belinda), Marina Fideli (Sorceress), Wiebke Lehmkuhl (First Witch, Spirit), Kristina Fehrs (Second Witch)
Edimbourg – Usher Hall – 26 août 2007 – version de concert – Scottish Chamber Orchestra – dir. Nicholas McGegan – avec Jane Irwin (Dido), Sarah-Jane Davies (Belinda), Roderick Williams (Aeneas), Jennifer Johnston (Sorceress), Reno Troilus (Spirit)
Théâtre du Puy en Velay – 22 août 2007 – Festival de La Chaise Dieu – version de concert – The King’s Consort – dir. Robert King
Dessau – Anhaltisches Theater – 6 juillet 2007 – dir. Golo Berg – mise en scène Michael Sturm – décors et costumes Dietlind Konold – chef de choeur Helmut Sonne – chorégraphie Berd Bunk – dramaturgie Dr. Susanne Schulz – avec Sabine Noack (Dido), Cornelia Marschall (Belinda), Jagna Rotkiewicz (Seconde Dame), Peter Rehkop (Magicienne), Kristina Baran (Première Sorcière), Anne Weinkauf (Seconde Sorcière), Tom Biermann (Esprit), Ulf Paulsen (Aeneas), Norbert Leppin (Marin)
Tanglewood – Massachusets – 28, 29 juin 2007 – Mark Morris Dance Group – dir. Stefan Asbury – chorégraphie Mark Morris – costumes Christine Van Loon – décors Robert Bordo – lumières James F Ingalls
La Corogne – Teatro Colon – 2, 3 juin 2007 – Orquesta Barroca de Sevilla – Coro Barroco de Andalucía – dir. Mónica Huguet – avec Raquel Andueza (Dido), Pau Bordas (Eneas), Mª Eugenia Boix (Belinda), Damien Guillon (Brujos y espíritu), Lluis Vilamajó (Sailor), Mariví Blasco (Bruja)
Cité de la Musique – 30 mai 2007 – reconstitution de la version du Lincoln’s Inn Fields Theatre, 1700 – New London Consort – dir. Philip Pickett – avec Julia Gooding (Didon), Michael George (Enée), Joanne Lunn (Belinda), Simon Grant (L’Enchanteresse), Juliet Schiemann, Faye Newton (Les Sorcières), Christopher Robson (L’Esprit), Andrew King (Marin)
Théâtre de Krefeld – 20, 27 mai , 6, 9, 16, 21, 22 juin 2007 – dir. Graham Jackson – mise en scène Christian Tombeil – décors Andreas Jander – costumes Gabriele Wasmuth – dramaturgie Ulrike Aistleitner – avec Uta Christina Georg (Dido), Hans-Jürgen Schöpflin (Aeneas), Jeannette Wernecke (Belinda), Ursula Hennig / Christina Heuten (Second Woman), Janet Bartolova (Sorceress), Sabine Sanz / Marianne Thijssens (First Witch), Nele van Deyk / Birgitta Henze (Second Witch), Kerstin Brix (Spirit), Walter Planté (Sailor)
Brighton – 16 mai 2007 – reconstruction de la version de 1700, avec les ajouts de John Eccles – New London Consort – Concert Hall – dir. Philip Pickett – avec Julia Gooding (Dido), Juliet Schiemann (Fisrt Witch), Michael George (Aeneas), Faye Newton (Second Witch), Joanne Lunn (Belinda), Christopher Robson (Spirit), Simon Grant (Sorceress), Andrew Lawrence-King (Sailor)
Leeds – Grand Theatre – 5, 11, 23, 24 mai 2007 – Nottingham Theatre Royal – 8 juin 2007 – Newcastle Theatre Royal – 16 juin 2007 – Salford Quays The Lowry – 23 juin 2007 – Sheffield Lyceum Theatre – 30 juin 2007 – Bradford Alhambra Theatre – 7 juillet 2007
Opéra de Bangkok – 7, 8 avril 2007 – Bangkok Baroque Ensemble – dir. Trisdee na Patalung – reprise de la version de 2002
Bologne – Teatro Comunale – 30 mars, 1er avril 2007 – dir. Roberto Polastri – mise en scène Roberto Recchia – avec Darren Abrahams, Anna-Clare Monk, George Mosley, Paula Murrihy, Gabriella Sborgi, Nora Sourouzian
Livourne – Teatro Goldoni – 7, 8 février 2007 – Lucques – Teatro del Giglio – 21 février 2007 – Pise – Teatro Communale Verdi – 26, 27 février 2007 – Progetto Città Lirica OperaStudio – version revue par Benjamin Britten et Ian Holst – dir. Luca Pfaff – mise en scène Andrea De Rosa –
Séville – Teatro de la Maestranza – 20, 21 janvier 2007 – version de concert – Orquesta Barroco de Sevilla – Coro Barocco de Andalucia – dir. Monica Hugget
Londres – Hackney Empire – 14 octobre 2006 – Arts Cambridge – 20 octobre 2006 – Northcott Exeter – 26 octobre 2006 – Maltings Concert Hall Snape – 9 novembre 2006 – Festival Malvern – 22 novembre 2006 – English Touring Opera – dir. Matthew Halls – mise en scène Helen Eastman – décors Michael Vale – lumières Neil Brinkworth – avec Joana Thome, David Stout, Jane Harrington, Patricia Orr, Laura Mitchell, Susan Atherton, Sean Clayton, Iestyn Morris, Martin Robson
Berlin – Staatsoper Unter den Linden – 18, 19, 25, 26 octobre 2006 – Akademie für Alte Musik Berlin – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk / Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York (Belinda), Céline Ricci (Second Woman), Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard Francesco Lorenz (First Witch / A Sailor), Michael Bennett (Second Witch / Spirit) – coproduction avec Grand Théâtre de la Ville, Luxembourg; Opéra de Montpellier
Festival de Dubrovnik – 6 août 2006 – New London Consort – dir. Phillip Pickett – avec Julia Gooding (Dido), Michael George (Aeneas), Tone Braaten (Belinda), Faye Newton (Second woman, First enchanteress), Revital Raviv (Second enchanteress), Christopher Robson (Spirit), Andrew Lawrence-King (Sailor), Simon Grant (Sorceress), Mark Rowlinson
Aix-en-Provence – Ateliers du Festival – Venelles – 8, 9, 11, 12, 13, 14, 15, 16, 18, 19, 20, 21, 22 juillet 2006 – Solistes et Orchestre de l’Académie européenne de musique – dir. Kenneth Weiss – mise en scène Jacques Osinski – décors, costumes Christophe Ouvrard – lumières Catherine Verheyde – avec Jennifer Johnston (Didon), Adam Green (Enée), Judith van Wanroij (Belinda), Diana Higbee (Seconde Dame et Première Sorcière), Tomomi Mochizuki (La Magicienne), Stéphanie Atanasov (Seconde Sorcière), Xavier Sabata (L’Esprit), Olivier Hernandez (Le Marin)
Concertclassic
« La production de l’ouvrage de Purcell proposée à Aix cette année est en fait une reprise de celle présentée pour la première fois durant l’hiver 2004 en pays d’Aix (17 représentations). Elle avait donnée à Kenneth Weiss (photo ci-dessus) l’occasion de sa première collaboration avec l’Académie Européenne de Musique. Le bonheur qu’éprouve le claveciniste à retrouver l’Académie est palpable : « le très haut niveau des stagiaires est très stimulant », confie un artiste qui se réjouit par ailleurs de préparer la reprise de Didon et Enée en collaboration avec « une magnifique artiste et une grande pédagogue : Rachel Yakar. Elle a beaucoup de conseils à apporter aux chanteurs et c’est une aide précieuse pour moi. » Par rapport à la production de 2004, une « dynamique différente » s’installe entre des chanteurs parmi lesquels les principaux protagonistes ont changé (Jennifer Johnston incarne Didon, Adam Green Enée). « Il difficile de dire que c’est mieux ou pas, note Kenneth Weiss, ce que j’apprécie en tout cas c’est que le travail demeure très spontané. » Et l’aspect théâtral très présent aussi dans la représentation d’un ouvrage d’une rare densité que le public découvre dans une salle de 150 places, d’où une grande proximité avec les chanteurs, leurs expressions. »
Scala de Milan – 28 juin, 4, 6, 8, 12, 14, 17, 19 juillet 2006 – dir. Christopher Hogwood – mise en scène et chorégraphie Wayne McGregor – décors Hildegard Bechtler – costumes Fotini Dimou – lumières Lucy Carter – avec Sarah Connolly (Dido), Brandon Jovanovich (Aeneas), Marie Arnet (Belinda), Adriana Kucerova (Second woman), Sara Fulgoni (Sorceress), Anna Chierichetti (First witch), José Maria Lo Monaco (Second witch), Nicola Marchesini (Spirit), Philippe Do (First sailor) – nouvelle production
Théâtre du Châtelet – 27, 30 juin 2006 – Les Musiciens du Louvre – dir. Marc Minkowski – avec Jessye Norman (Dido), Erin Marie Wall (Belinda), Gillian Webster (Deuxième Dame), Felicity Palmer (La Magicienne), Emmanuelle Goizé (Première Sorcière), Salomé Haller (Deuxième Sorcière), Philippe Jaroussky (Un Esprit), Russell Braun (Énée), Barry Banks (Un Marin)
Opéra Magazine – septembre 2006 – 30 juin 2006
« Réunir Jessye Norman et Les Musiciens du Louvre-Grenoble de Marc Minkowski pouvait sembler une étrange idée qui, à l’arrivée, s’est révélée comme l’une des plus belles façons de rendre hommage à Jean-Pierre Brossmann et de clore son ultime saison à la tête du Théâtre du Châtelet. Quant aux fines bouches semblant s’étonner de ne pas entendre aujourd’hui la Norman d’il y a vingt ans, on les laissera dire… Moins de facilité? Certainement, on ne chante pas à 60 ans comme à 40. Mais quelle mécanique du chant! Quelle attention portée à la dicton, quelle intelligence du texte, de la musique et de ses moyens ! Il en résulte une grande soirée, marquée par quelques instants d’une intensité et d’une finesse exceptionnelles, tant en première partie dans Les Nuits d’été de Berlioz que dans Dido and Aeneas, où elle est entourée d’une distribution simplement épatante. Quant aux troupes de Minkowski, elles se montrent sous leur meilleur jour durant toute la soirée. Instants inoubliables… »
Diapason – septembre 2006
» …Et c’est au théâtre que l’on revient pour Didon et Enée. Minkowski joue une fois encore la carte du grand drame lyrique, réfutant la théorie — aujourd’hui d’ailleurs contestée — de l’opéra de poche. Scène de sorcières faramineuse, entraînée par une Felicity Palmer avec dans la voix un parfum de gin et aguichée par une Salomé Haller quasi lubrique. La cour de Carthage est tout en automne, couleurs pourpre et or passé; Norman, elle-même, courbée par le destin, la voix cette fois vraiment fatiguée, chante du geste, mais cette Didon n’en est que plus éloquente face à l’Énée mâle et noble de Russell Braun, baryton aux harmoniques si foisonnants. L’Esprit mercurien de Philippe Jaroussky (à qui le public fait triomphe), le matelot ténorissimo de Barry Banks, la Belinda attentionnée d’Erin Wall qui retrouve enfin un emploi à sa mesure, tous font une équipe que le disque serait inspiré d’immortaliser. »
Halle – Aula der Martin-Luther-Universität Halle-Wittenberg – 10, 11 juin 2006 – dir. Trevor Pinnock – avec Susan Bickley (Dido), Grace Davidson (Belinda), Alex Ashworth (Aeneas), Della Jones (Sorceress), Jeremy Budd (Sailor), Catrin Johnsson (First Witch), Claire Henry (Second Witch), Claire Seaton (Second Woman),William Missin (Spirit)
Ferrare – Teatro Comunale – 16, 17 juin 2006 – Akademie für Alte Musik Berlin – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk, Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – chorégraphie Sasha Waltz – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York (Belinda), Maria Cristina Kiehr, Luc Dunberry, Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola
Berlin – Schaubühne am Lehniner Platz – Musikalisches Schauspielprojekt d’après Dido and Aeneas – 7 avril 2006 – Barock-Ensemble der Schola Cantorum Basiliensis – dir. Lutz Rademacher, Lars Wittershagen – mise en scène Sebastian Nübling – décors Muriel Gerstner – costumes Eva Butzkies – lumières Rainer Küng – dramaturgie Julia Lochte – avec Ulrike Bartusch, Sandra Hüller (Dido), Sandro Tajouri (Aeneas), Andrea Bettini (Jupiter, Herr des Hauses), Barbara Lotzmann (Juno, seine Frau), Wolfgang Brumm (Venus, Jupiters Schwester), Klaus Brömmelmeier (Iarbas, Didos Freier), Rahel Hubacher (Belinda, Didos Schwester), Lars Wittershagen (Ganymid, Jupiters Liebling), Yasin Kourrich (Askanius, Aeneas Sohn)
Vienne – Wiener Festwochen – 11, 13, 15 mai 2006 – Les Arts Florissants – dir. William Christie – mise en scène Deborah Warner – avec Malena Ernman (Dido), Christopher Maltman (Aeneas), Judith Van Wanroij (Belinda), Hilary Summers (Sorcery), Lina Markeby (second Womaan), Céline Ricci (First Witch), Ana Quintans (Second Witch), Marc Mauillon (spirit), Ben Davies (Sailor)
Rostov – Russie – 30 avril 2006 – mise en scène Konstantin Balakin – nouvelle production
La Valette – Malte – Sacred Heart Convent, St Julians – 18 mars 2006 – version de concert – Vocalise Chamber Ensemble – Schola Cantorum Julilate Choir – dir. Christopher Muscat – avec Rosabelle Bianchi (Dido), Charles Vincenti (Aeneas)
Reims – Auditorium 1 du CNR – 28 février 2006 – Ensemble instrumental Baroque – dir. Jean-Marie Puissant – mise en espace et costumes – avec Sylvie Althaparro, Frédéric Lair, Emmanuel Cury
Berlin, Staatsoper Unter den Linden – 27, 28 février 2006 – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk, Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – lumières Thilo Reuther – dramaturgie Jochen Sandig, Yoreme Waltz – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York (Belinda), Céline Ricci (Second Woman), Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard Francesco Lorenz (First Witch / A Sailor), Michael Bennett (Second Witch / Spirit) – coproduction avec Staatsoper Unter den Linden, Berlin; Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg; Opéra de Montpellier
Philadelphia, Pennsylvania – Curtis Institute of Music – 17, 18, 19 février 2006 – dir. Donald St Pierre – mise en scène Susan Fenichell
Chicago Opera Theater – 15, 17, 19, 23, 25 février 2006 – dir. Raymond Leppard – mise en scène Lillian Groag – avec Susanne Mentzer (Dido)
Nantes – Folle Journée – Auditorium Reine Mary – 26, 28, 29 janvier 2006 – Ricercar Consort – Collegium Vocale Gand – dir. Pierre Pierlot – avec Romina Basso (Didon), Furio Zanasi (Enée), Núria Rial (Belinda), Damien Guillon (Sorcière), Céline Scheen (Deuxième Femme, Sorcière), Alex Potter (Deuxième Sorcière, Esprit), Malcolm Bennet (Marin)
Opéra de Rennes – 17, 18, 19 janvier 2006 – Ensemble Les Nouveaux Caractères – Chœur Les Cris de Paris (dir. Geoffroy Jourdain) – dir. Sébastien d’Hérin – mise en espace et préparation scénique Benjamin Lazar – lumières Christophe Naillet – avec Louise Innes (Dido), Caroline Mutel (Belinda), Jean-Sébastien Bou (Aeneas), Alain Buet (un Marin)
Opéra Magazine – mars 2006 – 19 janvier 2006
« Face à ce spectacle, avouons notre perplexité, d’abord envers l’objet présenté : l’opéra de Purcell précédé d’un extrait d’Enée et Lavinie (1690), tragédie lyrique coulée dans le moule de Lully, dont son auteur, Pascal Colasse, fut le secrétaire, puis le continuateur. Contemporain, à quelques années près, du drame anglais, l’ouvrage illustre un épisode de la vie du prince troyen postérieur à l’escale carthaginoise. Le lien entre les deux se trouve dans l’intervention de l’Ombre de Didon, mettant en garde l’amoureuse Lavinie contre l’inconstance de l’homme qu’elle s’apprête à épouser. Bouleversée par cette vision, la princesse s’évanouit et assiste, comme en flash-back, aux amours de Didon et Enée ; c’est ici qu’est donné dans son intégralité l’opéra de Purcell. Le style français a certes marqué Dido andAeneas — sans négliger pour autant les influences italiennes. Mais n’est-il pas périlleux de confronter ce miracle absolu de musique et de théâtre, sans équivalent dans l’histoire de l’opéra, à une partition de bonne facture qui, réduite à ses deux premiers actes, n’a jamais l’opportunité de témoigner de son impact dramatique ou de pertinence psychologique, et passe fatalement pour un pâle décalque du modèle lulliste?Une autre interrogation concerne la participation du metteur en scène Benjamin Lazar, dont le patient travail sur le théâtre baroque, dans la lignée d’Eugène Green, vient d’être porté à la lumière du grand public par le formidable succès du Bourgeois gentilhomme, en collaboration avec Le Poème Harmonique et Vincent Dumestre. Mieux que personne, il doit savoir que ce répertoire exige, en dehors d’un vaste déploiement de moyens (musiciens, danseurs, lumières, costumes, décors, machines…), un apprentissage très long de la rhétorique gestuelle et de la diction reconstituée, indispensables au naturel de l’interprétation. Cette recherche a évidemment sa place dans une troupe, mais elle paraît nettement plus problématique avec des artistes arrivant d’univers très différents quelques semaines avant la première. En l’absence de danses, de décors — de simples pans de tissus ne sauraient en tenir lieu — et avec des costumes évoquant souvent les bouts de rideaux utilisés pour les enfants perdus dans Peter Pan, le travail sur la gestuelle et la diction, couronné d’un succès pour le moins inégal, apparaît comme une tentative un peu désespérée de fignoler les détails dans une mise en espace globalement approximative et laborieuse.À côté d’un Enée à l’intonation problématique, sans véritable style ni noblesse, on admirera la haute tenue vocale, stylistique et scénique d’Alain Buet, Roi débonnaire et Marin sympathique, ainsi que le port majestueux de Caroline Mutel, au phrasé baroque encore un peu appliqué, le dramatisme d’Elodie Méchain et le timbre profond de Delphine Galou. Sébastien d’Hérin, à la tête d’un ensemble instrumental (Les Nouveaux Caractères) juste d’intention mais encore un peu vert de texture et à l’énergie pas toujours canalisée, et d’un choeur (Les Cris de Paris) fort bien sonnant et visiblement ravi de l’expérience, peine à assurer la cohésion d’un spectacle à plus d’un titre expérimental. »
Diapason – mars 2006 – Énée et les femmes – 18 janvier 2006
« Amour impossible de la Princesse Lavinie pour le superbe Enée. Junon intercède, le mariage approche, mais le destin s’acharne : l’ombre de Didon quitte un moment le séjour des morts et maudit, sous les yeux terrifiés de Lavinie, celui qui l’abandonnait à Carthage. Théorbe solo, sol fa miré, sol fa mi ré, sol fa mi ré, sol… Flash-back : on n’entendra pas la fin de la tragédie lyrique de Collasse, au deuxième acte s’enchaîne, sans pause, comme par un fondu au noir, l’unique opéra de Purcell. Les deux oeuvres ont vu le jour à quelques années d’intervalle, celle de Collasse (1690) est une vraie rareté, le rapprochement se révèle instructif. Mais l’idée n’est pas bonne pour autant, la perfection de Didon et Enée porte un coup fatal à Enée et Lavinie. Le jugement des, anciens semble sans appel : « La musique de cet opéra étant assez faible, Dauvergne l’a refaite en entier » (Léris, 1763). Pour un choeur éclatant, apprécié en son temps (« Quel bruit affreux se fait entendre »), — combien de récits trop prévisibles et de basses obstinées dégainées par l’ancien secrétaire de Lully dès que le pathos est de mise ? Bien sûr, Collasse a du métier, mais pas assez pour que son écriture résiste aux très faibles instrumentistes réunis par le claveciniste Sebastien d’Hérin, en formation de poche. Reste une distribution jeune et homogène, Delphine Galou en Dido, Elodie Méchain en Junon/ Sorceress, Caroline Mutel en Lavinie/Belinda et Jean-Sébastien Bou en Enée/Aeneas, tous un peu surveillés en première partie, plus épanouis pour Purcell. Ils découvrent avec un vrai courage, une prononciation (ou plutôt des prononciations, car l’anglais est aussi voulu à l’ancienne) et des attitudes qui seront peut-être intégrées au fil du temps. Du spectacle mis en scène par Benjamin Lazar, on attendait une suite au récent Bourgeois gentilhomme. Il n’en est qu’un pâle reflet, certes habile dans les ensembles aux premier et troisième actes de Didon, mais frôlant le ridicule dans sa « cérémonie vaudou » ou dans les scènes solennelles d’Enée et Lavinie. En cause : l’évident décalage entre l’ambition esthétique de Lazar et les moyens dont il dispose à Rennes, décors de bric et de broc, costumes façon catalogue de voilages… Le succès du Bourgeois, comme jadis celui d’Atys, tenait à la qualité de tous les ingrédients, acteurs, danses, décor, habits, lumières… Isolé, le travail de Benjamin Lazar devient ce qu’il fuit, un vernis de style — et donne raison à son maître Eugène Green, qui n’a jamais accepté ces compromis, au risque de rester dans l’ombre. Le spectacle Atys est toujours sans suite, vingt ans après sa création : si l’on ne permet pas à toute l’équipe du Bourgeois de travailler de nouveau dans de bonnes conditions, son triomphe n’en aura pas davantage. »
« …Dido & Aneas fourmille également d’excellentes idées : un lit à l’antique pour Didon, la sorcière plantant une épingle dans une poupée représentant la reine, des bougies pour la messe noire, des rideaux et tapis rouges sur fond de ciel bleu pour la scène de chasse, des voiles et cordages pour les marins, et des démons créant la tempête en faisant tanguer une galère miniature sur un tissu bleu représentant l’océan. La direction d’acteurs est très rigoureuse et le chœur Les Cris de Paris parfaitement à la hauteur, respectant un jeu précis adapté à chaque situation (peuple, gens de cour ou démons). »
New York – Lovinger Theatre – 14, 15 janvier 2006 – New York – Heckscher Theater – 21, 22 janvier 2006
Opéra de Marseille – 18, 20, 22, 24 novembre 2005 – Orchestre et Chœur de l’Opéra de Marseille – dir. Sébastien Rouland – mise en scène, décors, costumes Yannis Kokkos et Emmanuelle Bastet – chorégraphie Richild Springer – lumières Patrice Trottier – avec Stéphanie d’Oustrac (Didon), Isabel Monar (Belinda), Sin Nyung Hwang (Deuxième Dame), Svetlana Lifar (la Magicienne, un Esprit), Christine Labadens (une Sorcière), Paulo Szot (Enée), Bruno Comparetti (un Marin)
Opéra Magazine – janvier 2006 – 20 novembre 2005
« …Tout aussi convaincante en Didon, Stéphanie d’Oustrac rappelle que le répertoire baroque demeure son pain quotidien. Et si la plainte finale « When I am laid in earth » est un rien contenue, cela ne nous empêche pas de goûter aux belles inflexions de cette voix capiteuse, qui ne demande qu’à s’épanouir. Loin d’être du même niveau (une Beinda acide et un Enée sculptural mais improbable de ton), le reste de la distribution fait consciencieusement son travail. On notera la Magicienne engagée de NonaJavakhidze et le Marin très en verve de Loïc Félix. La subtile mise en perspective de Kokkos, grâce à des toiles opaques figurant lieux et paysages, isole à merveille chaque acte de l’opéra. Le vigoureux Sébastien Rouland observe pour sa part beaucoup de rectitude face à la formation phocéenne, laquelle, en dépit de progrès constants, demeure à ce jour encore peu rompue à la rhétorique baroque. Une réussite. »
ConcertoNet
« Pour Didon et Enée, force est de constater que musicalement, personne – à l’exception peut-être de la Belinda d’Isabel Molnar et de l’Enée de Paulo Szot – n’est à l’aise dans le répertoire baroque, et encore moins avec la langue anglaise qui devient une bouillie inintelligible dans la bouche des solistes et des chœurs – il serait faux d’avancer comme excuse l’idée (reçue) selon laquelle la langue anglaise ne se prête pas à l’opéra. Stylistiquement, Stéphanie d’Oustrac, qui possède au demeurant une voix ample, chante Britten et Purcell de la même façon : avec des accents véristes pour le moins déplacés. Dans la fosse, on s’en tire à peine mieux. Après une exécution (capitale) de l’ouverture de Didon et Enée qui laisse augurer du pire, Sébastien Rouland, à la force du poignet, parvient à obtenir tant bien que mal un peu plus de cohésion de ses musiciens, mais c’est au détriment du plateau où l’on se dissipe à l’envie : décalages, flottements et retards donnent à l’ensemble un côté très brouillon. »
Boston – Massachusets – Cutler Majestic Theatre – 14, 15, 16 octobre 2005 – Handel and Haydn Society – dir. Grant Llewellyn – mise en scène Chen Shi-Zheng – décors Walt Spangler – costumes Caitlin Ward – avec Paula Murrihy (Dido), Heather Buck (Belinda), Nmon Ford (Aeneas)
Berlin, Staatsoper Unter den Linden – 29, 30 août 2005 – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk, Sasha Waltz – costumes Christine Birkle – lumières Thilo Reuther – dramaturgie Jochen Sandig, Yoreme Waltz – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York (Belinda), Céline Ricci (Second Woman), Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard Francesco Lorenz (First Witch / A Sailor), Michael Bennett (Second Witch / Spirit) – coproduction avec Staatsoper Unter den Linden, Berlin; Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg; Opéra de Montpellier
Opéra de Baugé (Loire-Atlantique) – 5, 6, 7 août 2005 – dir. Yat Soon Yeo – avec Magdalen Ashman, mezzo-soprano, Chloe Sitwell, soprano, Magnus Vigilius, ténor, Richard Scott, Cenk Karaferya, David Sheringham
Auditorium de Leon (Espagne) – 21 juin 2005 – Compañía Operastudio – dir. Antonio Montaño – mise en scène Ignacio García
Théâtre de Lucerne – 19 mai 2005 – dir. Howard Arman – mise en scène Stephan Müller – décors, costumes Esther Bialas – chorégraphie Graham Smith – dramaturgie Karl-Heinz Ott – nouvelle production
Opéra Atelier – Toronto – 21, 23, 24, 29, 30 avril 2005 – dir. David Fallis – mise en scène Marshall Pynkoski
Montréal – Salle Ludger-Duvernay, Monument-National – 8, 9 avril 2005 – Atelier lyrique de l’Opéra de Montréal en collaboration avec l’École nationale de théâtre du Canada et le Monument-National – direction Jean-Marie Zitouni – mise en scène François Racine – décors Sarah Heitz-Ménard – costumes Elli Bunton – chorégraphie Lina Cruz – éclairages David Desrochers – avec Ariana Chris (Dido), Étienne Dupuis (Aeneas), Allison Angelo (Belinda/Deuxième dame), Mia Lennox-Williams (La Magicienne), Pascale Beaudin (Première Sorcière), Charlotte Corwin (Deuxième Sorcière), Michèle Losier (Esprit), Pascal Charbonneau (Marin)
« L’action dans Didon et Énée s’inspire de Virgile. À Carthage, on prépare les épousailles de la reine Didon avec le héros troyen Énée. Mais les sorcières complotent la chute de Didon et la destruction de Carthage. Un esprit infernal sous les traits de Mercure ordonne à Énée de poursuivre son périple vers l’Italie où, selon la volonté des dieux, il doit fonder l’empire de Rome. Désespérée, Didon fait ses adieux à la vie. Opéra expressif qui va droit au but. Le lamento final de Didon nous arrache les larmes. « Thy hand, Belinda, darkness shades me » (Ta main, Belinda, les ténèbres projettent sur moi leur ombre). C’est le destin tragique d’une femme profondément blessée, brisée par l’amour et le destin, ne trouvant comme seule issue, la mort. La Didon bouleversante de la mezzo Ariana Chris, à la voix ample, convient idéalement au personnage. Elle incarne à merveille les tourments d’une femme délaissée. Il en va de même de la Belinda d’Allison Angelo à la voix chatoyante, aux airs plus variés. Seul, le tiède Énée d’Étienne Dupuis souffre un peu, à l’étroit dans son carcan et peine à faire ressortir son amour pour la reine. Partition émouvante, on passe du récitatif à l’arioso, de l’arioso à l’air et cela nous relie au grand maître italien Monteverdi. Mais cette réussite, cette grande unité stylistique nous la devons essentiellement aux stagiaires de l’Atelier lyrique de l’Opéra de Montréal en collaboration avec les étudiants de l’École nationale de théâtre du Canada (ENTC) et le Monument-National. Ils ont su produire un spectacle enchanteur, éblouissant avec des moyens plutôt limités. La musique de Monteverdi et de Purcell en rehausse la valeur, avec son alternance fluide entre récitatif, arioso et air. Car il y a un lien, des passages obligés entre la musique de l’Italien et celle de l’Anglais. La mise en scène confiée à François Racine, reste dépouillée, se concentrant essentiellement sur les éléments humains de la tragédie. Les différents tableaux campent d’emblée l’action et les costumes rajoutent à l’étrangeté et participent à l’efficacité théâtrale. Malgré quelques passages laborieux, les chœurs chantent juste. À la direction d’orchestre, Jean-Marie Zitouni, amoureux de ces partitions, scrupuleux des tempi et toujours aussi attentif aux chanteurs, rajoute une dimension humaine par sa battue tendue et précise. »
Berlin – Staatsoper Unter den Linden – 19, 21, 23, 25, 27 février 2005 – Akademie für Alte Musik Berlin – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène Sasha Waltz – dramaturgie Jochen Sandig – avec Aurore Ugolin (Dido), Reuben Willcox (Aeneas), Deborah York /Maria Cristina Kiehr (23et 25 février) (Belinda), Céline Ricci (Second Woman), Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard Francesco Lorenz (First Witch | A Sailor), Michael Bennett (Second Witch | Spirit) – nouvelle coproduction avec Theâtre de la Ville de Luxembourg; Opéra de Montpellier
Binghampton – près New York – Forum Theatre – 4, 5, 6 février 2005
Luxembourg – Grand Théâtre de la Ville – 29 janvier, 1er, 3 février 2005 – Opéra de Montpellier – Opéra Comédie – 10, 12, 13 février 2005 – Berlin – Theater Unter den Linden – 19, 21, 23, 25, 27 février 2005 – Akademie für Alte Musik Berlin – Vocalconsort Berlin – Tanzcompagnie Sasha Waltz – dir. Attilio Cremonesi – mise en scène Sasha Waltz – décors Thomas Schenk et Sasha Waltz – lumières Martin Hauk – avec Reuben Wilcox (Aeneas), Deborah Kork (Belinda), Céline Ricci (Second Woman), Fabrice Mantegna (Sorceress), Eberhard Francesco Lorenz (First Witch), Michael Bennett (Second Witch / A Sailor) – nouvelle production – coproduction Opéra National de Montpellier / Tanzcompagnie Sasha Waltz, Berlin / Akademie für Alte Musik, Berlin / Grand Théâtre de la Ville, Luxembourg / Staatsoper unter den Linden, Berlin
Opéra International – mars/avril 2005 – 10 février 2005
« Immanquablement, le grand aquarium qui occupe les trois quarts de l’Opéra Comédie fait sensation. Allons-nous assister à l’évasion spectaculaire d’un nouvel Houdini ? A un ballet aquatique par une équipe de natation synchronisée ? A un accouchement dans l’eau ? Les idées les plus saugrenues, accompagnées d’éclats de rire, secouent le public montpelliérain qui se demande, alors qu’il est venu en masse découvrir la nouvelle production du Dido and Aeneas de Purcell, s’il ne s’est pas trompe de salle,voire carrément de spectacle. Mais très vite un insondable prologue calme les esprits les plus dissipés. Une voix cinglante se fait entendre dans la langue de Shakespeare et quelques phrases jetées de façon grandiloquente à la face du spectateur suffisent à donner le coup d’envoi. Des strip-teaseurs se dénudent au rythme d’un Mix purcellien savamment concocté par le chef Attilio Cremonesi, avant de s’immerger, puis s’agiter comme des têtards dans l’eau trouble du grand bassin en Plexiglas, En tout état de cause, nous venons de plonger, comme le souligne l’argument, dans les flots et de découvrir au fond de la mer la ville engloutie de Carthage.Ainsi débute le pathétique récit de Dido selon Sasha Waltz. Si l’Overture d’une magnifique intensité permet de ne pas boire la tasse, mieux, d’apprécier la transparence de l’Akademie für Alte Musik Berlin, l’arrivée des chanteurs affublés de leur double dansant nous replonge aussitôt en apnée. Contrairement aux objectifs que la chorégraphe s’était fixés pour sa mise en scène, « mêler les différents niveaux de représentation, sans qu’un seul prédomine », le mouvement, c’est-à-dire la danse, noie ici à peu près tout A commencer par le chant, lequel n’est pas des plus glorieux sur cette production. En très petite forme, le soprano fluet de Deborah York (Belinda) s’égosille dans l’aigu et peine à se faire entendre au-delà du quatrième rang. Aurore Ugolin (Dido) ne va au bout d’aucune de ses phrases (sa plainte finale dénuée de souffle est une contre-performance), Céline Ricci (Second Woman) crie plus qu’elle ne chante et la Sorceress chevrotante de Fabrice Mantegna frise le ridicule. Contre toute attente, c’est l’Aeneas sculptural et extraverti du ténor britannique Reuben Willcox qui émerge du lot. Saluons tout de même la belle prestation du choeur (Vocalconsort Berlin), auquel pourtant rien n’aura été épargné, de ses tenues affligeantes (les slips couleur chair pour les hommes…) jusqu’à ses continuels déplacements athlétiques dignes d’un marathon. On peutvraiment dire qu’il aura fait preuve d’une admirable constance dans ce naufrage organisé. »
Webthea – Le Journal des Spectacles – 17 février 2005
Comment obtenir avec cinquante deux minutes de musique un spectacle d’une heure quarante ? La recette se trouve chez la chorégraphe allemande Sasha Waltz qui vient de mettre en scène et en chorégraphie ce bijou du baroque anglais qu’est Dido and Aeneas, de Henry Purcell. De fait on sait peu de choses sur cet « opéra de chambre miniature » dont la partition originale a disparu et qui fut créé cinq ans après la mort de son compositeur. Si ce n’est qu’il s’agit d’une composition musicale d’un seul tenant, riche de complexités psychologiques – Enée abandonne Didon sur l’ordre de Jupiter, c’est la raison d’Etat contre celle du cœur – à la fois masque de cour et divertissement allégorique avec intermèdes dansés. Sasha Waltz commence par lui restituer un prologue tombé depuis longtemps dans le rayon des objets perdus puis, après ce premier greffon, lui en fabrique quelques autres sous formes de dialogues parlés et de citations que l’une de ses danseuses, à l’exquis accent british, lance au public sous forme de clins d’yeux. Avec en prime, un bal dansé a capella.Danseurs en haillons à la gestuelle syncopée – Sasha Waltz est chorégraphe et c’est en tant que telle, et en tant que plasticienne, qu’elle signe les décors et cette « mise en mouvements » où toute direction d’acteurs est absente. Sa Didon est une Didon à voir et non à entendre malgré la présence dans la fosse des excellents musiciens de l’Akademie für alte Musik de Berlin et de leur chef Attilio Cremonesi. Tous les clichés des nouveaux chorégraphes engendrés il y a vingt cinq ans par la mouvance Pina Baush s’y retrouvent avec leurs danseurs en haillons et leur gestuelle syncopée d’acrobates et de gymnastes. Ici, l’œil, contrairement à ce qu’espérait Claudel, n’écoute plus ou à peine tant il est sollicité par un déluge d’images et de mouvements, sauts carpés et autres épaulés-jetés. Avec piscine sur pilotis où plongent, nagent et font des bulles des sirènes des deux sexes capables d’accorder leurs brasses à la musique. Epatant !Déluge d’images – C’est parfois très beau, parfois agaçant. On admire le déluge d’images sans pour autant leur trouver un sens, on s’énerve à voir déroutées les scènes d’intimité tout comme les bals des marins et des sorcières, on s’épuise à chercher dans la foule des choristes et du corps de ballet les silhouettes des solistes doublés en permanence par un ou deux danseurs : la jolie mezzo-soprano Aurore Ugolin dans le rôle de Didon ou le viril baryton Reuben Willcox en Enée danseur et charmeur. En trois représentations montpelliéraines, cet objet d ‘opéra mal identifié a pourtant conquis son public. »
Anaclase.com – 12 février 2005
« Présenter aujourd’hui Dido and Aeneas, l’opéra de Purcell, n’est pas si simple : certes, l’ouvrage a été largement redécouvert, mais il est de coutume de jouer une version incomplète, la seule qui nous soit parvenue. Lorsqu’un chef d’orchestre s’attèle à reconstituer certaines parties manquantes et réintroduit le texte des récitatifs perdus, en les faisant tout simplement dire plutôt qu’en leur inventant une trame improbable, lorsqu’une chorégraphe construit une mise en scène s’ingéniant à rendre compte à la fois des émotions évoquées par l’œuvre, de ses contextes de composition et de création, et du regard que le public d’aujourd’hui peut porter sur un tel objet, tout est réuni pour une véritable recréation comme il est rare d’en vivre. Le public de Montpellier, après celui de Luxembourg et avant les mélomanes berlinois, a vu renaître Dido and Aeneas grâce à Sasha Waltz et Attilio Cremonesi, avec cette production d’un raffinement et d’une cohérence exceptionnels qui, cependant, n’a pas emporté les suffrages de la salle. Lorsque la Comédie se remplit, le plateau n’est pas dissimulé par un rideau : au contraire, on peut y voir des danseurs se préparer sur la passerelle qui surplombe une sorte d’aquarium à l’échelle humaine. Les textes du Prologue seront dits en langue anglaise, préparant notre écoute. Puis les premières notes retentissent, vives, énergiques, tandis que les corps se coulent dans l’eau, soulignant la fluidité de la musique dans une urgence dramatique saisissante. Le dispositif provoque reflets, effets de miroirs, bruits d’eau, évoquant d’autant plus pertinemment l’insularité du mythe. Et ces corps, soudain fontaines, tritons, ondines ou noyés, sont directement émouvant, affichant une puissante fragilité qui fait expressé-ment appel à la compassion sans que nous ayons à comprendre pourquoi. La précarité d’un décor dessiné, l’à-propos d’une balançoire élastique, l’effervescence d’une inventivité brillante posée dans le creux de la main, ne sont-ils pas propres à replacer l’opéra au pensionnat de Chelsea ? Ah, mais, s’il faut savoir tout cela !… Eh bien, non : nul besoin de tout savoir pour en jouir, mais encore faut-il accepter de se laisser porter en toute confiance. Tout le problème est là : ne pas résister en s’asseyant sur des acquis obsolètes. Car, enfin, pourquoi serait-il facile d’aller voir un opéra trois fois centenaire ? Ce soir, les théières sont jets d’eau, les jeunes filles apprennent un maintien français, après un lancer de vêtements admiré par une otarie de plastique bleu dans un banquet psychédélique où Swift et Greenaway se saluent ! Mais attention : cette délicieuse fantaisie n’est jamais gratuite ; tout ce qui se passe sur scène sourd évidemment du texte lui-même, offrant une riche gamme d’émotions, et non seulement de celles qu’il est encore convenu de considérer comme nobles. Pourquoi une chorégraphie, pourquoi la présence de danseurs, pourquoi pas une bonne vieille mise en place de grand-papa ? Parce que l’œuvre fut écrite dans cette optique et cet esprit, tout simplement ! Et plutôt que de prétendre à une reconstitution hypothétique, ce spectacle prend courageusement en compte le décalage du temps, parvenant ainsi à une authenticité indéniable. La doublure passagère, jamais entendue strictement, du chant par la danse, implique plutôt voix et corps comme des extensions mutuelles, paradoxales ou non, transportant alors le gel de cette distance culturelle jusqu’à l’évanouir.Cette réalisation est un objet à part entière, et il paraît malaisé d’en dissocier les ingrédients. Choristes, chanteurs et danseurs y dansent, disent, et jouent, dans un même esprit. Ainsi s’effondre – et c’est tant mieux ! – l’habituelle hiérarchisation des différentes familles d’artistes de l’opéra. On remerciera toutefois Deborah York, Belinda inquiétante au style irréprochable, Céline Ricci pour la musicalité, nourrie d’un art incontestable de la nuance, et l’expressivité, ainsi que le ferme Aeneas de Reuben Willcox, mais aussi les danseurs Virgis Puodziunas, Takako Suzuki et Xuan Shi, entre autres. Un lien enchanté maintenait ce petit monde en grande intel-ligence : les très experts musiciens de l’Akademie für Alte Musik Berlin et les précieux artistes du Vocalconsort Berlin, tous placés sous la direction attentive, soignée et inspirée de Attilio Cremonesi. «
Vitrolles – Théâtre de Fontblanche – 26 novembre 2004 – Ventabren – Salle Sainte Victoire – 30 novembre 2004 – Pertuis – Théâtre municipal – 1er décembre 2004 – Rousset – Salle Emilien Ventre – 4 décembre 2004 – Aix-en-Provence – Salle du Bois de l’Aune – 9, 10, 11 décembre2004 – Aix-en-Provence – Ateliers du festival – Venelles – 15, 16, 17 décembre 2004 – dir. et clavecin Kenneth Weiss – mise en scène Jacques Osinski – décors et costumes Christophe Ouvrard – lumières Catherine Verheyde – avec Karen Cargill (Didon), Ivan Geissler (Énée), Cora Burggraf (Belinda), Diana Higbee, Tomomi Mochizuki, Diana Axentii, David Hanson, Olivier Hernandez
Opéra de Melbourne – 29 novembre, 2, 4, 7, 11 décembre 2004 – dir. Richard Gill – mise en scène Patrick Nolan – décors, costumes Gabriella Tylesova – lumières Nigel Levings – avec Deborah Humble (Dido), Angus Wood (Aeneas), Miriam Gordon-Stewart (Belinda), Ali McGregor (Second Woman), Rachael Cunningham (Second Witch), Tom Moran (Sailor), Ke Lu Ma (Spirit)
Cité de la Musique – 7 novembre 2004 – Opéra de Lyon – 8 novembre 2004 – Monteverdi Choir – English Baroque Soloists – dir. John Eliot Gardiner – avec Renata Pokupic, mezzo-soprano (Dido), Ben Davies, baryton (Aeneas), Katharine Fuge, soprano (Belinda), Elin Manahan Thomas, soprano (Deuxième Dame), Frances Bourne, alto (l’Enchanteresse), Donna Deam, soprano (Première Sorcière), Clare Wilkinson, soprano (Deuxième Sorcière), Simon Wall, ténor (l’Esprit), Andrew Tortise, ténor (Premier Marin)
Varsovie – Opéra de Chambre de Varsovie -13 octobre 2004 – Musicae Antiquae Collegium Varsoviense – dir. Lilianna Stawarz – mise en scène et décors Ryszard Peryt – scénographie Andrzej Sadowski – avec Olga Pasiecznik (Venus, Dido), Marta Boberska (First Nereid, Belinda), – Urszula Jankowska (Second Nereid, Second Woman), Dorota Lachowicz (Spring, Sorceress), – Grazyna Madroch (First Shepherdess, First Witch), Barbara Abramowicz (Second Shepherdess, Second Witch), Bernard Pyrzyk (Mercury, Spirit), Bogdan Sliwa (Phoebus, Aeneas), Ewa Mikulska (She), Slawomir Jurczak (He), Marek Sadowski (Sailor)
Christchurch (Nouvelle Zélande) – Canterbury Opera – 27, 28, 29 août 2004
Opéra de Sydney – 16, 20, 24, 29, 31 juillet, 5, 7 août 2004 – dir. Richard Gill – mise en scène Patrick Nolan – décors, costumes Gabriella Tylesova – chorégraphie Lucy Guerin – lumières Nigel Levings – avec Deborah Humble (Dido), Angus Wood (Aeneas), Lisa Harper-Brown (Belinda), Ali McGregor (Second Lady), Kanen Breen (Sailor)
Caudebec en Caux – 18 juin 2004 – Montélimar – Auditorium – 16 juillet 2004 – Crest – Cathédrale – 22 juillet 2004 – Dieulefit – Temple – 24 juillet 2004 – La Ciotat – Eglise – 25 juillet 2004 – Cavaillon – Théâtre Georges Brassens – 27 juillet 2004 – Manosque – Eglise – 29 juillet 2004 – Maîtrise de Seine-Maritime – version de concert – dir. Jean-Joël Duchesne – avec Delphine Guévar (Didon), Enguerran Le Gueut, baryton (Enée), Camille Merckx, mezzo-soprano (Magicienne), Céline Madrenes (Belinda)
Toronto – Canadian Opera Company – 1er, 3, 5, 7 décembre 2003 – Imperial Oil Opera Theatre – COC Ensemble Studio
Festival de Baden-Baden – 26, 27 septembre 2003 – Balthasar Neumann Ensemble – dir. Thomas Hengelbrock – mise en scène Tatjana Gürbaca – décors Klaus Grünberg- costumes Florence von Gerkan – avec Lynne Dawson (Dido), Simone Kermes (Belinda), Kresimir Spicer (Aeneas), Nicholas Clapton (Sorceress), Denis Lakey (1st Witch), Derek Lee Ragin (2nd Witch), Cecilia Nanneson (2nd Woman), Knut Schoch (Sailor)
« Avec le récent Didon et Enée de la jeune Tatjana Giïrbaca, Baden-Baden est revenu à des standards plus familiers aux festivals allemands, scandale inclus. Non que la production soit médiocre : la transposition au cours d’une guerre moderne, avec les soldats d’Enée en treillis noir et Didon à la tête d’un bataillon d’infirmières couvertes de sang, fonctionne au contraire d’autant mieux qu’elle est habilement mise en espace, grâce à un travail quasi chorégraphique sur les attitudes et les déplacements. On peut déplorer l’étouffante noirceur du propos, mais la musique de Purcell en sort bien servie, voire unifiée, la soirée culminant jusqu’à quelques sommets d’émotion difficilement oubliables… l’excellente tenue de la seconde partie de la soirée : Didon d’une sobriété idéale de Lynne Dawson, Enée héroïque de Krestmir Spicer, Belinda sans accroc de Simone Kermes, quelques belles statures parmi les Sorcières (dont Derek Lee Ragin)… Seuls certains excès du Balthasar-Neumann-Ensemble dérangent (d’agaçantes bouffées de cordes pincées, qui dérapent vers une ambiance folk incongrue), Thomas Hengelbrock parvenant toutefois à préserver l’impact de ce Didon et Enée d’un vrai niveau festivalier. »
Torino – Teatro Carignano – Settembre Musica – 15 septembre 2003 – The Sixteen – The Symphony of Harmony and Invention – dir. Harry Christophers – mise en scène Aidan Lang – avec Susan Bickley (Dido), Jonathan Arnold (Aeneas), Richard Suart (La Maga), Elizabeth Cragg (Belinda), Libby Crabtree, Emily Benson (Le Streghe)
Londres – Royal Albert Hall – 2 septembre 2003 – Orchestra of the Age of Enlightenment – dir. Richard Egarr – avec avec Sarah Connolly (Dido), Christopher Purves (Aeneas), Carolyn Sampson (Belinda), D’Arcy Bleiker (Sorceress), Elizabeth Cragg (Second woman), Anna dennis (First witch), Alexandra Gibson (Second witch), Matthew Bale (Sailor), Lucy Crowe (Spirit)
Nuits musicales en Armagnac – Lectoure – Eglise du Saint-Esprit – 23 juillet 2003 – version de concert – Orchestre Baroque de Montauban – dir. Jean-Marc Andrieu – avec Guillemette Laurens, Jean-François Gardeil
Opéra de Massy – 15 juin 2003 – Orchestre de Massy – Choeur en Scène – dir. Stanislas Renoult – avec P. Gonzalez, J. Billy, M. Goufan
« L’opéra de Massy a enchanté ses 800 spectateurs avec la représentation de Didon et Enée, opéra d’Henry Purcell. Initié par Dominique Rouits, le projet associait l’orchestre de Massy, sous la direction de Stanislas Renoult, et Chœur en Scène, une troupe de chanteurs et de comédiens spécialisée dans le spectacle vivant. Une scénographie originale, une étroite imbrication entre le chœur, les solistes et les musiciens ! La prestation alliait magie et émotion.Conçu dans l’esprit d’un concert spectacle, le montage s’articule autour de plusieurs parti-pris heureux. Premièrement : la présence de l’orchestre sur la scène. Etroitement associés au drame, les treize musiciens sont aux côtés des vingt-cinq chanteurs. A leur entrée sur scène, ils se recueillent et déposent une rose à l’endroit où le tragique destin de Didon va se jouer. Deuxièmement : l’intégration d’une vidéo. En fond de scène, un écran géant projette en continu des images de mer sur lesquelles viennent se superposer, saisis à l’insu des chanteurs et des musiciens, des détails de visages, de mains, de postures… “L’image vidéo, souligne Emmanuelle Dubost, chef de chœur, joue un rôle amplificateur. Les regards, les gestes ainsi captés, viennent occuper l’espace apportant beaucoup d’intensité et d’émotion.”Une Didon toute en finesse, un Enée puissant, une Belinda très présente et une enchanteresse troublante ! Le spectacle bénéficie d’identités physiques et vocales marquées, accentuées par la flamboyance des costumes colorés (jaune, vert,…). Sur une scène architecturée par des jeux de lumière, de rares accessoires accompagnent les situations. Ainsi, des tulles rouges deviennent alternativement abris, masques de sorcière ou voiles des pleureuses. Moment de grâce et d’enchantement, la représentation reflète le bonheur des intervenants » (Ville de Massy)
Bruges – 20 mai 2003 – Oxford – 22 mai 2003 – Abbaye de Bath – 23 mai 2003 – King’s Consort – dir. Robert King
Opéra de Nancy – 27, 29, 30 avril, 2, 4 mai 2003 – dir. Jane Glover – mise en scène Yannis Kokkos – chorégraphie Richild Springer – avec Stéphanie d’Oustrac (Didon), Brigitte Fournier (Belinda), Julie Stancer (Seconde dame), Hanna Schaer (Magicienne, Esprit), Laure Baert (Sorcière), Stephan Loges (Enée), Cyril Auvity (Marin)
Anaclase.com – 2 mai 2003
« Nous retrouvions après l’entracte Stéphanie d’Oustrac dans le rôle de Didon, reine de Carthage, et le célèbre ouvrage de Henry Purcell, Dido and Aeneas. Force fut de constater que des questions de style manquèrent d’être prises en considération, si bien qu’on obtient une héroïne vériste faisant, fort plaisamment il est vrai, montre de ses moyens, plutôt qu’une reine orgueilleuse et digne d’une œuvre écrite au XVIIème siècle pour les habitudes déclamatoires que l’on sait. La mort de Didon s’est trouvée privée de toute grandeur, cinématographique et grimaçante. Il n’empêche que Stéphanie d’Oustrac soit une excellente chanteuse, mais peut-être eut-il été bon de s’interroger avant de chanter Purcell et Britten de la même façon ; c’est assez inexplicable lorsqu’on se souvient de ses prestations aux côtés de William Christie par le passé. Brigitte Fournier servit Belinda ave délicatesse et précision, tandis que Stephan Loges proposait un Enée plutôt mièvre à l’aide d’un timbre sans personnalité et souvent extrêmement confidentiel. La magicienne de Hanna Schaer fut terrifiante à souhait, le timbre s’assombrissant encore plus que de coutume pour ce rôle d’une noirceur absolue, mais souffrit cependant d’une déroutante instabilité. Yannis Kokkos réutilisa pour l’œuvre de Purcell le sol rouge, et situa l’action dans un paysage conventionnel de tableau du XVIIème siècle, avec jardin, temples, pavillon, et danse à l’antique. On retrouvait également le rouge sur les costumes du chœur, surmonté de fraises élisabéthaines toute shakespeariennes. C’est l’apparition des sorcières qui sans conteste demeure le passage le plus réussi de cette seconde partie. L’ombre de Phèdre vient errer près du cadavre de Didon à la fin du spectacle : la boucle est bouclée.En fosse, le travail de Jane Glover parut nettement insuffisant, les cordes de l’ Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy semblant comme livrées à elles-mêmes, en tout cas fausses, surtout dans la partition de Britten, avec des phrases de violoncelle beaucoup trop approximatives. Pas de réelle tentative d’interprétation à signaler. »
Crescendo – septembre/octobre 2003
« Stéphanie d’Oustrac fut plus contestable en Didon, où elle tentait de grossir sa voix dans le bas médium et le grave pour donner l’illusion de moyens qu’elle ne possède pas toujours. Sa prestation est cependant demeurée de bon niveau, avec notamment une intonation irréprochable. On a par ailleurs été séduit par la remarquable Belinda de Brigitte Fournier, et les autres rôles ont été correctement servis, à commencer par l’Enée à la voix ample et homogène de Stephan Loges. Hanna Schaer (la Magicienne) a assuré l’essentiel. En revanche, les choeurs, préparés par Merion Powell, furent excellents. Au pupitre, Jane Glover a obtenu de son orchestre des coloris et des accents très variés, proches de ceux d’une formation jouant sur instruments anciens. Le prix à payer fut un certain manque d’homogénéité des cordes, et, au continuo, un violoncelle à la justesse un peu instable. Enfin, le dispositif scénique élaboré par Yannis Kokkos, replaçant l’action dans une Angleterre élisabéthaine aux contours stylisés, s’est avéré efficace et respectueux du chef d’oeuvre de Purcell. »
Opéra International – juin 2003
« Stéphanie d’Oustrac est bouleversante…faisant de Didon un personnage comme épuisé de douleur. La beauté du timbre et son unité (graves chaleureux, pianissimi subtils), l’évident talent dramatique de la jeune chanteuse emportent l’adhésion….A cela s’ajoute l’invention d’un décor qui stylise ses propres outils : es nuages de carton se voient dotés de voiles pour la scène des marins, comme pour signaler la magie à l’oeuvre et la mise à distance par le metteur en scène de sa propre rêverie… Richild Springer réalise la chorégraphie de ce spectacle intense : beau travail avec les Choeurs de l’Opéra de Nancy et inventivité à la fois poétique et fantasque des déplacements. On saluera enfin l’excellente direction de Jane Glover et la souplesse de l’Orchestre symphonique de Nancy. »
Le Monde dela Musique – juin 2003
« Révélée par William Christie, Stéphanie d’Oustrac est la vedette incontestée du Didon et Énée de Purcell. Dans le rôle de Didon, elle retrouve ce personnage captivant et révolté et serein de la Phèdre de Britten. Rien de dramatique non plus ni de boursouflé dans la mise sen cène, où l’on se contente fort bien de vaporeux panneaux à l’antique, imités de toiles des XVIIe et XVIIIe siècles. Une seule apparition fantastique dans cet opéra pétri de merveilleux, celle d’une des sorcières suspendue dans un ciel noir d’orage. Le chef-d’oeuvre de Purcell trouvait ce soir-là un cadre simple et touchant, dans le grotesque de ces sorcières toutes de noir vêtues, ce choeur enjoué et bien préparé, et l’orchestre pourtant peu habitué à un tel répertoire, d’une grande justesse dans l’équilibre des cordes. »
Théâtre des Champs Elysées – 8 mars 2003 – version de concert – Arsenal de Metz – 13 mars 2003 – version de concert – Le Concert d’Astrée – dir. Emmanuelle Haïm – avec Susan Graham (Dido), William Dazeley (Aeneas), Camilla Tilling (Belinda), Felicity Palmer (Sorceress), Cécile de Boever (Second woman), Christophe Dumaux (Spirit)
Forbach – Auditorium du Burghof – 14 février 2003 – Ensemble Les Paladins – dir. Jérôme Corréas
Birmingham – Symphony Hall – 15 novembre 2002 – version de concert – King’s Consort Choir – The King’s Consort – dir. Robert King – avec Lynne Dawson, Michael George, Carolyn Sampson, Charles Humphries
Opéra de Bangkok – 14, 16 novembre 2002 – Orpheus Choir of Bangkok – I Musicini – dir. Somtow Sucharitkul
Bayreuth – Markgräfliches Opernhaus – 29 septembre 2002 – Bayreuth Barock 2002 – production du Theater Pilsen
Lumières du Baroque – Celles-sur-Belle – Abbaye royale – 1er septembre 2002 – Ensemble Mensa Sonora – dir. Jean Maillet – avec Caroline Pelon (Dido), Jean-Claude Saragosse (Aeneas), Marie-Joëlle Yebra (Belinda)
Belle-Ile en Mer – Festival lyrique – Citadelle Vauban – 7, 12, 16 août 2002
Paris – Mairie du 9e arrondissement – Salle Rossini – 15, 16 et 18 mai 2002 – Bagnolet – 25 mai 2002 – Les Musiciens de Mademoiselle de Guise – dir. Laurence Pottier –
Classica – avril 2002 – La discothèque idéale – Oeuvre au crible
Théâtre des Champs-Elysées – 26 janvier 2002 – version de concert – The Gabrieli Consort and Players – dir. Paul McCreesh – avec Susan Bickley (Dido), Peter Harvey (Aeneas), Carys Lane (Belinda), Daniel Taylor (Sorceress)
Théâtre de Poissy – 29 novembre 2001 – La Cité de la Musique – 30 novembre -(complément de programme : Matthew Locke – suite de « La Tempête », William Lawes – Fantaisie en 6 parties, 2 airs, Christopher Gibbons – Fantaisie en 4 parties, John Blow – Suite de « Vénus et Adonis ») – Choir and Orchestra of the Age of Enlightenment – dir. Richard Egarr, avec Bernarda Fink, mezzo-soprano (Dido), Maarten Koningsberger, baryton (Enée), Gillian Keith, soprano (Belinda)
Munich – Cuvilliès Theater – 20, 22, 24, 26, 30 novembre, 2 décembre 2001 – dir. Joshua Rifkin – mise en scène Stefan Tilch – décors Aron Stiehl – avec Anna Caterina Antonacci, Sophie Daneman, Ketilsson
Théâtre de Genève – Salle Théodore Turrettini – 13, 14, 15, 16, 18, 19, 20, 22, 23, 24 octobre 2001 – Théâtre de Caen – 20, 21 novembre 2001 – Choeur et orchestre baroques du Grand Théâtre de Genève – dir. Hervé Niquet – mise en scène Christophe Perton – décors Christian Fenouillat – costumes Olga Karpinsky – avec Whilhelmenia Fernandez (Dido), Charlotte Müller-Perrier (Belinda), Jean-Louis Serre (Enée)
Le Monde – 27 octobre 2001
« Deux Didon. La première dans son cadre d’origine présumé, un collège de jeunes filles ; la seconde lue à la lumière de ses origines africaines. Hervé Niquet a conçu pour la première un accompagnement orchestral réduit à quelques solistes, pour la seconde un grand orchestre lulliste à la française. »
Opéra International – décembre 2001
« Pour sa deuxième nouvelle production de la saison, le Grand Théâtre s ‘est offert le luxe d’une confrontation entre deux versions possibles. A celle qui semble avoir été écrite pour un pensionnat de jeunes filles, avec une distribution purement féminine et un ensemble instrumental réduit à l’essentiel, s’oppose celle qui aurait pu avoir été créée à la cour, avec un orchestre plus festif et quelques voix masculines pour les rôles d’Enée et du Marin, ainsi que pour les choeurs du troisième acte.Hervé Niquet, à la tête de l’Orchestre et du Choeur baroque du Grand Théâtre, a pleinement exploité le potentiel musico-dramatique que suscite une telle confrontation. La première partie, sombre jusqu’à en paraître austère, est abordée avec une retenue qui justifie amplement l’engagement de timbres encore fragiles. Après l’entracte, les cordes sont multipliées par trois (on remarque encore l’ajout d’une viole de gambe), alors que hautbois et bassons se joignent aux théorbes et aux flûtes à bec pour donner des couleurs plus vives au commentaire orchestral.Ainsi le chef entend-il rattacher la partition à une esthétique plus française, directement inspirée de Lully. Le résultat est brillant: l’impact musical de l’oeuvre gagne alors en puissance, comme si son pouvoir expressif se trouvait soudain magnifié par cet apport de timbres supplémentaires. Bien que grandiose, la démonstration eût pu être plus efficace encore, si l’on avait complètement renouvelé la distribution des solistes après la pause. Car la Didon au timbre parfois excessivement trémulant de Wilhelmenia Fernandez reste trop fidèle à elle-même et écrase de sa présence autoritaire les jeunes filles en charge de tous les rôles dans la première partie.Inversement, les deux Sorcières de Monica Eliana Bayon et de Katia Velletaz, aux jolies voix un brin acides et creuses dans le grave, manquent tout simplement de poids face à la formidable Magicienne de Birgitta Svenden, alors qu’elles forment un trio idéal avec la légère Sibyl Zanganelli dans ce même emploi en première partie. Plus retenues encore, au point de paraître presque insignifiantes, sont les interprétations de Sophie Marilley en Enée et de Matilde Fasso en Marin. Dans la deuxième version, Andrew Schroeder incarne un Enée plutôt introverti, sans que cela nuise à l’expressivité de son chant d’une noblesse imposante. Belinda et la Deuxième Dame restent trop pâles pour doter d’un semblant de poids dramatique leurs personnages. Le charmant Esprit d’Ethel Guéret, ainsi que le Marin très présent d’Emiliano Gonzalez-Toro complètent avec panache ces distributions inégales.Aidé par les splendides décors de Christian Fenouillat et les sévères costumes d’Olga Karpinsky, Christophe Perton se révèle redoutable d’efficacité dans son rôle de pourvoyeur d’images éloquentes. Le choc visuel entre les deux versions n’aurait pu être plus parlant : ici, un dortoir grisâtre dans un internat anglais qu’on imagine perdu au fond d’une campagne humide ; là, une aire de jeu de sable rouge dans un lieu africain mythique aveuglant de blancheur. Mais le travail de mise en scène, lui, reste superficiel. Didon, avec sa gestique théâtrale de grande tragédienne mimant l’abandon, reste fidèle à elle-même dans les deux parties, alors que la chorégraphie agitée, aux mouvements souvent laids, de Caroline Mercadé tisse d’inutiles rappels d’un spectacle à l’autre. Le manque d’idée directrice se voit ainsi souligné par une constante effervescence de mouvements qui fatigue l’oeil en le distrayant, au lieu de l’inciter à se concentrer sur la situation mise en musique. L’occasion était belle, au cours de cette soirée double, de prolonger au plan visuel le travail fascinant du musicologue dans la fosse. Las !… »
Florence – 64° Maggio Musicale Fiorentino – Teatro Goldoni – 1, 2, 3, 5, 6, 7, 8, 9 juin 2001 – dir. Alessandro De Marchi – mise en scène Federico Tiezzi – décors P.P. Bisleri – costumes C. Diappi – lumières S. Rossi – avec D. Beronesi (Didone), A.R. Taliento (Belinda), G. Banditelli (Maga), G. Donadini (prima strega), M.L. Menichetti (seconda strega), C. Cavina (Spirito), B. Waag (Enea), F. Toma (Marinaio), C. Cascianini (Ballerina)
Paris – Théâtre du Tambour-Royal – mars 2001 – dir. Rohrer – mise en scène des Longchamps – avec Perreard / Royere, Louis / Manandaza, Demarteau / Guillou
Théâtre des Champs Elysées – 23 janvier 2001 – Grand-Théâtre de Bordeaux – 25, 26 janvier 2001 – Les Arts Florissants, direction : William Christie – mise en espace : Vincent Boussard – avec Stéphanie d’Oustrac (Dido), Nicolas Rivenq (Aeneas), Sophie Daneman (Belinda), Michel Puissant (Magicienne), Gaëlle Méchaly (Première sorcière), Camilla Johansen (Seconde sorcière)
Altamusica – 23 janvier 2001 – Didon à Dysneyland
« Plus encore, Didon et Enée, pièce maîtresse de la soirée, laisse sur un sentiment de frustration face aux excès du visuel (entre autres, une scène des sorcières façon Disneyland, d’un caricatural à pleurer). Cependant que la vaste salle du Théâtre des Champs-Élysées accuse impitoyablement les insuffisances acoustiques d’un orchestre minimaliste (13 instrumentistes). Reste la prise de rôle de Stéphanie d’Oustrac qui crée l’événement en Princesse de Carthage ; une Didon qui confirme une théâtralité instinctive et une nature fondamentalement tragique (un lamento terminal au seuil de l’éternité et pourtant incroyablement fragile, vulnérable). Artiste et carrière à suivre décidément avec la plus grande attention. »
ConcertoNet – 23 janvier 2001
« Les effets de la magie et la couleur ont contribué à faire la réussite et l’unité de cette très belle soirée, subtilement construite en diptyque autour de deux œuvres datées l’une et l’autre des années 1680. Mais au-delà de cette simultanéité de leur composition et malgré les divergences des styles musicaux, il y a de nombreuses analogies entre le destin d’Actéon et celui de Didon. Tous deux subissent de plein fouet la loi imposée par les dieux et les effets d’une cruelle magie. Actéon est transformé en cerf et dévoré par ses propres chiens pour avoir entr’aperçu Diane se baignant dans la rivière ; et c’est auprès de cette même rivière, là où Actéon est mort, que Didon se rend peu avant d’apprendre la trahison d’Enée, à qui Jupiter, épaulé par une redoutable troupe de sorcières, enjoint de quitter Carthage et de rejoindre Troie. Cela dit, il faut bien reconnaître que Didon possède une densité et une force dramatique qui ne sont pas tout à fait le fait d’Actéon, dont les héros sont plus convenus, plus stéréotypés et de ce fait nous touchent moins.
La mise en espace de Vincent Boussard rend bien compte des effets de miroir entre les deux œuvres. Elle est très habile, l’ensemble instrumental (une douzaine d’instrumentistes) et les chanteurs (une douzaine eux aussi) se partageant le plateau, autour du clavecin de William Christie. Pour tout décor quelques chaises…et les somptueuses robes de Christian Lacroix qui furent incontestablement un des clous de la soirée : quatre robes de soie, aux couleurs vives, le rouge pour Didon/Diane, le jaune pour Belinda/Junon, un vert très vif et un bleu ourlé de mauve pour les deux autres protagonistes féminines. Des notes de couleur tranchant à vif, superbement, sur le gris anthracite des costumes des hommes et des musiciens. Notes de couleur reprises très habilement dans Didon par un triple emblème symbolique qui passe de main en main, tour à tour diadème ou collier rouge de Didon, libellule verte ou oiseau de mauvais augure, noir. Trois fois rien et une puissance dramaturgique formidable ! Seule petite critique : les chanteurs ne sont pas des danseurs et ne semblent pas toujours parfaitement à l’aise dans les mouvements plus ou moins chorégraphiques qui leur sont demandés. La mise en œuvre musicale est parfaite. Dans une distribution très homogène et très soudée, on remarque en particulier les très belles prestations de Sophie Daneman, Belinda lumineuse dans sa robe jaune soleil, de Stéphanie d’Oustrac qui campe une Didon poignante, intense, de Paul Agnew qui parvient à donner de l’épaisseur au personnage d’Actéon ; et enfin de Michel Puissant assumant le rôle de la sorcière dans Didon avec un sens de la parodie et du grotesque remarquable : il est grinçant, méchant et machiavélique à souhait. L’ensemble instrumental épouse toutes les inflexions de l’action, passant en un instant de l’élégie tendre à la danse grinçante et les petits ensembles vocaux campent avec autant d’habileté les chasseurs ou les nymphes d’Actéon que les sorcières ou les marins de Didon. »
Toulon – Festival de Musique – Tour Royale – dir. Comte – mise en scène Leblanc – avec Stéphanie Révidat, Takeuchi, Bazola, Thébault
La Chaise Dieu – 33e Festival de Musique – 20 août 1999 – version de concert – dir. Paul McCreesh
Opéra de Bonn – 5 mars, 6, 28, 30 avril 1999 – dir. Wagner – mise en scène Esterhazy
Opéra de Rouen – Théâtre des Arts – 25, 26, 27 février 1999 – dir. Oswald Sallaberger – mise en scène Sedelmayer – avec Sara Fulgoni, Zomer, Dazeley
Académie européenne du Festival d’Aix en Provence – Vitry sur Seine – 13 février 1999 – Toulouse – Théâtre du Capitole – 19, 20, 21 février 1999 – Bourges – Maison de la Culture – 3 mars 1999 – Opéra de Massy – 7 mars 1999 – Opéra de Lausanne – 12, 14 mars 1999 – Opéra de Bordeaux – 17, 18, 19, 20, 21 mars 1999 – Théâtre de Caen – 26, 27 mars 1999 – Théâtre des Bouffes du Nord – 7 au 11 avril 1999 – dir. David Stern – mise en scène marcel Bozonnet – décors et lumières Joël Hourbeigt – costumes Leïla Menchari – chorégraphie Caroline Marcadé
Anvers – Opéra des Flandres – 6, 8, 10, 12, 14 novembre 1998 – Gand – 20, 22, 24, 26, 27 novembre 1998 – dir. René Jacobs – mise en scène Lawless – avec Lynne Dawson, Rosemary Joshua, Russell Smythe
Festival d’Aix en Provence – Hôtel Maynier d’Opède – 6, 9, 11, 15, 17, 20, 22, 25, 27, 30 juillet 1998 – Opéra de Lausanne – Chœur et Orchestre de l’Académie européenne de musique – dir. David Stern – mise en scène Marcel Bozonnet – costumes Leïla Menchari – décors ete lumières Joël Hourbeigt – chorégraphie Caraoline Marcadé – avec Rinat Shaham / Silvia Hablowetz (Didon), Sandrine Rondot / Jaehi Yang (Belinda), Fernando Cobo / Andrew Rupp (Énée), Silvia Hablowetz / Sandrine Rondot (Deuxième femme), Myriam Boucris (la Magicienne), Camilla Johansen (Première Sorcière), Anne le Coutour (Deuxième Sorcière), Michael Bennett (l’Esprit)
Festival Smetanova Litomy – Czech Handel Society – 27 et 28 juin 1997 – Academica Praha – dir. Ondøej Macek
St Peter’s Church, Notting Hill – 1997 – version de concert avec piano – Opera Integra – dir. Brian Galloway
Curtis Institute of Music – 1996 – mise en scène Chas Rader-Shiebe
Gand – 15, 17, 19, 22 et 23 novembre 1996 – Anvers – 13, 15, 17, 18 et 20 décembre 1996 – Il Fondamento – dir. René Jacobs – mise en scène Stephen Lawless – décors Benoît Dugardin – costumes Lez Brotherston – lumières Mark Jonathan – avec Janice Hall, Daniel Mobbs, Susan McLean, Ned Barth, Kathleen Brett, Susan Bickley
Opéra Théâtre de Besançon – 23 avril 1996 – Ballet Muse et Danse – Choeur A Tempo – Les Musiciens de la Reine Mary – dir. Mille – mise en scène Clairet – avec Noémi Rime, Jill Feldman, Georgel, Maltichenko, Bigler, Girard
Théâtre de St Quentin en Yvelines – 1er mars 1996 – version de concert – Choeur et Orchestre Florilegium – dir. Podger – avec Gooding, Holton, Williams, Butterfled
Innsbruck – Festival de Musique Ancienne – 23, 25 et 26 août 1995 – dir. René Jacobs – mise en scène Stephen Lawless – décors Benoît Dugardyn – costumes Lez Brotherston – avec Efrat Ben Nun (Didon), Elizabeth Gale (Belinda), Richard Stilwell (Aeneas), Kathryn Harries (Sorceress), Dominique Visse (First Witch)
« On retrouve le problème de l’envahissement dans le travail scénique sur Didon : un fourmillement d’idées, mais où la multiplication des signes dramaturgiques, plus ou moins symboliques, finit par lasser et empêche une écoute attentive. Si les scènes des Sorcières sont très réussies, les passages émouvants, et le rôle de Didon, sont traités dans un style mélodramatique, kitsch et un peu hollywoodien. La Didon d’Efrat Ben Nun, Cléopâtre à la Mankiewicz, insupporte par un jeu outré qui vient souligner un chant souvent emphatiquement pathétique, une voix ingrate quoique prenante, et des aigus tendus. Richard Stilwell (Enée) parvient en revanche, malgré un timbre gris et usé, à imposer la sobriété et les belles nuances de son chant. En Enchanteresse, Kathryn Harries s’impose plus scéniquement que vocalement, et l’idée de faire chanter les deux sorcières par des contreténors se révèle, sur le théâtre aussi, excellente, Dominique Visse volant la vedette à tout le plateau en composant, avec une diction claire qu’ignore le reste de la distribution, une Première Sorcière extraordinaire. Le Collegium Vocale de Gand est valeureux, quoique parfois imprécis mais, surtout, la direction de René Jacobs déçoit un peu dans une Didon privée de souffle… » (Opéra International – octobre 1995)
XIIIe Festival International de Musique Baroque de Beaune – 30 juillet 1995 – Gabriel Consort and Players – dir. Paul McCreesh – avec Véronique Gens, Peter Harvey, Deborah York, Constance Bakes, Robert Horn, Charles Gibbs
Festival du Périgord Noir – Saint-Amand de Coly – 27 juillet 1995 – Gabriel Consort and Players – dir. Paul McCreesh – avec Deborah York, Perillo, Julia Gooding, Lawson, Horn
Académie d’Ambronay – 1995 – dir. Christophe Coin – Tournée Festival d’Ambronay –Villefranche (Théâtre – 22, 24 septembre), Limoges (Abbaye de Solignac – 16 décembre), St Etienne (L’Esplanade – 25, 26 novembre), Oyonnax (Centre Culturel Aragon – 28 novembre), Genève (Victoria Hall – 30 novembre), Paris (Opéra Comique – 2, 3 décembre), Valence (Le Bel Image), Bourg-en-Bresse (Théâtre – 7, 8 décembre), Mâcon (Saône), Rennes (Opéra – 12, 13 décembre), Chambéry (Espace André Malraux) http://perso.wanadoo.fr/fest-ambronay/academie/aca-prec.html
« Sous la férule de Christophe Coin, le choeur (malgré une prononciation anglaise déficiente) et l’orchestre (malgré un continuo peu moteur et des basses un peu timides, quoique pourvues de contrebasses) ont fort honorablement tenu leur rang. Si tous les solistes avaient l’envergure vocale de leurs rôles, aucun – en bien comme en mal – n’a fortement retenu l’attention. En dépit d’origines nationales – donc musicales – dissemblables, ils sont parvenus à ce minimum de cohérence stylistique qui, après ce premier baptême public, leur permettra de trouver leurs marques au cours de la longue tournée qui les attend.Mais tous durent subir un apprentissage qu’il aurait mieux valu différer : affronter une production prétentieuse et insécurisante à force de chausse-trappes…Cette pro-duction est constellée de lieux communs (la caverne de la sorcière se passe dans un asile de fous) ou de gestes téléphonés (à la f in, Didon enfile la veste qu’Enée avait abandonnée là au moment de son congédiement). Enfin, ajoutons une direction d’acteurs tantôt convenue – pour les solistes -, tantôt relâchée – la gestique des choeurs. » (opéra International – novembre 1995)
Poissy – Théâtre – 10 mars 1995 – Opéra de Clermont-Ferrand – 12 mars 1995 – Opéra de Nice – 15 mars 1995 – Orchestre et Choeur de The Age of Enlightenment – dir. René Jacobs – avec Lynne Dawson (Dido), Rosemary Joshua (Belinda), Gérald Finley (Aeneas), Della Jones (Sorceress)
« En seconde partie, avec Didon et Enée, l’orchestre est bien meilleur : la concision, l’incroyable densité dramatique, le pathétique sombre et dense du chef-d’oeuvre de Purcell, conviennent mieux à Jacobs, et sa direction parvient à donner à l’opéra une unité de ton et une grandiose intensité tragique. Della Jones notamment, malgré un médium affaibli, est stupéfiante d’autorité et de présence en Magicienne, réellement terrifiante lorsqu’elle utilise son registre de poitrine, la diction magnifiquement travaillée, dans un rôle dont elle parvient à faire le véritable pendant maléfique de Didon. L’idée de faire chanter les deux sorcières par deux contre-ténors est en outre une réelle trouvaille : l’effet d’étrangeté est saisissant. Quant à Lynne Dawson, à la justesse enfin presque parfaite, elle est une Didon touchante. » (Opéra International – mai 1995)
Toronto – Opéra Atelier – 1995 – Houston – Grand Opera – 2, 4, 8, 10, 12, 14, 17, 19 février 1995 – Versailles – Opéra Royal – 21, 22, 23 et 24 septembre 1995 – Les Musiciens du Louvre – dir. Marc Minkowski – mise en scène Marshall Pynkoski – décors William Schmuck – costumes Dora Rust-d’Eye – chorégraphie Jeannette Zingg – avec Linda Maguire (Dido), Shari Saunders (Belinda), Brett Polegato (Aeneas), Jacques-François Loiseleur des Longchamps (Sorceress)
« Disposé dans la fosse, le choeur du Concert Spirituel s’est honorablement acquitté de sa tâche, en dépit d’une prononciation anglaise pâteuse. Sous la dynamique férule de son directeur musical, l’orchestre Les Musiciens du Louvre a excellemment bien maîtrisé la difficile acoustique de la salle, avec des tempi fort cohérents et de judicieuses couleurs de continuo. Plutôt homogène, la distribution vocale laisse perplexe : non qu’elle soit médiocre, mais elle demanderait à être entendue dans une production qui n’en estompe pas les mérites vocaux. Le travail de l’Opéra Atelier de Toronto, co-dirigé par le metteur en scène Marshall Pynkoski et la chorégraphe Jeannette Zingg, s’appuie sur d’authentiques documents iconographiques et oratoires de Purcell l’époque baroque, et tente de donner vie à une expression physique (gestuelle et dansée) des chanteurs et danseurs…Visuellement, ce traitement physique rapetisse et anonymise les silhouettes des « acteurs » scéniques. Ainsi s’étale – ou plutôt sombre – sous nos yeux, un art ennuyeux à force d’académisme et exclusivement soucieux de superficialité décorative, plutôt que d’exprimer les tragiques débats humains. La seule scène où ce travail soulève quelque intérêt, est celle de la Magicienne en son antre. Maigre consolation, au regard du dommage causé à une équipe musicale qui n’en méritait pas tant. » (Opéra International – novembre 1995)
Palerme – Politeama Garibaldi – 1994 – dir. Alan Curtis – mise en scène et scénographie Pier-Luigi Pier’Alli
Opéra de Longbeach – 1994 – avec Janice Felty (Dido), Suzan Hanson (Belinda)
Arma – Académie d’opéra baroque – 1994 – mise en scène Laurent Boer
Opéra de Vichy – 1992 – dir. Roland Hayrabédian – mise en scène Ariel Garcia Valdès – scénographie Jean-Pierre Vergier
Bruxelles – Théâtre de la Monnaie – 13, 15, 17, 19, 20, 24, 25 et 27 mars 1992 – dir. Philippe Herreweghe – mise en scène Jacques Delcuvellerie – scénographie Johan Daenen – avec Marianne Rorholm, Brown, Nicolas Rivenq, Dominique Visse
Théâtre des Champs Elysées – 4, 5, 6, 7 novembre 1991 – Mark Morris Dance Group – Les Musiciens du Louvre – dir. Marc Minkowski – mise en scène et chorégraphie Mark Morris – scénographie Robert Bordo – avec Della Jones (Dido), Stephen Varcoe (Aeneas)
Aix en Provence – Cathédrale Saint-Sauveur – 23 juillet 1990 – version de concert – dir. William Christie – avec Claire Brua, Jérôme Corréas, Véronique Gens, Jean-Paul Fouchécourt, Claron McFadden, Sandrine Piau, Noémi Rime, Dominique Visse
Opéra de Montpellier – 1990 – dir. Vladimir Kojoukharov – mise en scène Charlotte Nessi
Atelier Lyrique de Tourcoing – 1990 – dir. Mirella Giardelli – mise en scène Yves Gourvil – scénographie Yves Cassagne
Venise – Théâtre de la Fenice – 23 avril 1989 – dir. Emil Tchakarov – mise en scène Giorgio Marini – décors Lauro Crisman – costumes Ettora d’Ettore – avec Lucia Valentini-Terrani, Alessandra Ruffini, Michele Pertusi, William Pell, Carlo Colombara, Carlo Gaifa
« Tout se passe dans la chambre de la Reine, dame de l’aristocratie anglaise, qui revit chez elle l’une des plus belles légendes du monde gréco-romain…La Cour se livre à un ballet, adoptant parfois des poses ridicules, et le sentiment déborde avec une emphase mal retenue…Superbement habillée par Ettora d’Ettore, Lucia Valentini-Terrani a été une Didon d’un pathétisme déchirant. » (Opéra International – juin 1989)
Théâtre des Champs Elysées – 9 février 1989 – Ensemble Mosaïques – dir. Christophe Coin – avec Diana Montague (Didon), Christophe Homberger (Enée)
Limoges – Chapelle des Jésuites – 19 mars 1988 – Ensemble Baroque de Limoges – dir. Jean-Michel Hasler – mise en scène Jean-Luc Paliès – décors et costumes Alain Gaucher – avec Marie Atger (Didon), Marc Vento (Enée), Anne Julia Goddet (Belinda/Amour), Gladys de Bellida (l’Enchanteresse), Aline Dumas (Sorcière), Annette Petit (Sorcière)
« Dominant l’ensemble, Marie Atger campe une superbe Didon, intense et hiératique…c’est la même héroïque nobllesse qui caractérise Marc Vento dans le rôle bref mais symbolique d’Enée. Autour du cocuple légendaire vont s’affronter les forces de l’Amour, représentées par Belinda sous les attributs de Cupidon, et celles maléfiques, de la magicienne et de ses sorcières…C’est là un Didon et Enée d’esprit authentiquement baroque, échevelé, fantasque, et chargé d’allégories. » (Opéra International – mai 1998)
Théâtre de la Bastille – janvier 1988 – dir. Gilbert Bezzina – mise en scène Pierre Strosser – costumes Patrice Cauchetier – avec Véronique Dietschy, Nathalie Stutzmann, Brigitte Lafon, Catherine Dune, Monique Zanetti
Opéra International – janvier 1988 – Didon et Enée revisité – entretien avec Pierre Strosser – Gilbert Bezzina : un opéra de chambre
Opéra International – mars 1988
« …un Didon et Enée minimaliste…Nous ne sommes pas à Carthage, mais plutôt à Chelsea, dans ce pensionnat où fut créé l’oeuvre…Sur le plateau évoluent cinq femmes qui se ressemblent…Didon va vivre sa passion, l’amour, l’absence, la solitude, puis la mort, sous les regards, les attaques et les consolations de ses compagnes…La prestation des chanteuses était excellente…une Didon (Véronique Dietschy) nuancée et pudique…Une nouvelle conception de l’oeuvre, plus vraie, plus subtile, et plus moderne aussi. »
Opéra de Lyon – saisons 1986/87 et 1987/88 – dir. Henri Farge
Reggio Emilia – Teatro Romolo Valli – 1986 – dir. Charles Farncombe – mise en scène et scénographie Pier-Luigi Pizzi
Lausanne – Théâtre Municipal – 14, 17 et 20 novembre 1985 – Ensemble instrumental de Lausanne – dir. Michel Corboz – mise en scène Patrice Caurier et Moshe Leiser – décors Christian Rätz – avec Teresa Berganza, Pier Arne Wahlgren, Danielle Borst, Glenys Linos, Tiziana Sojat, Alexandre Papadiakou, Françoise Destembert, Reinaldo Macias
Château d’Ancy le Franc – Festival d’opéra baroque – juillet 1985 – Nottinghamshire – Holme Pierrepont Hall – septembre 1985 – Opera Restor’d – The Parley of Instruments – dir. Peter Holman – mise en scène Jack Edwards
Opéra d’Israël – 1985
Opéra de Paris – Opéra Comique – 26 mars 1984 – Orchestre de l’Opéra de Paris – dir. Jean-Claude Casadesus – mise en scène Nicolas Noël – décors Pet Halmen – chorégraphie Youri Vamos – avec Jessye Norman (Didon), Christine Barbaux (Belinda), William Stone (Enée), Marianne Rorholm (la Magicienne), Lublin, Scappaticci, Saurova
« Dès que le rideau se lève…on ne voit qu’elle, on n’entend qu’elle…Sa voix n’est plus que le cheminement des passions à travers les phrasés les plus admirables, avec une bouleversante intensité d’émotion. Près d’elle tout pâlit. Pas Christine Barbaux toutefois, Belinda sensible, au timbre lumineux, à la technique exceptionnelle.
Munich – Cuvilliès Theater – 15, 16, 17, 18, 19 juillet 1983
Atelier Lyrique du Rhin – Strasbourg – 4, 5, 8, 11 février 1983 – Mulhouse – 18, 20 mai 1983 – Colmar – 31 mai 1983 – Les Arts Florissants – dir. William Christie – mise en scène Pierre Barrat – décors et costumes Elisabeth Neumuller – chorégraphie Barbara Pearce – lumières Marie-Noël Rio – avec Guillemette Laurens (Didon), Jill Feldmann (Belinda), Agnès Mellon (une Suivante, Première Sorcière), Dominique Visse (l’Enchanteresse), Barbara Borden (Seconde Sorcière), Philippe Cantor (Enée), Etienne Lestringant (un marin), Michel Laplénie (l’Esprit)
« C’est avant tout Jill Feldman que l’on remarque, merveilleuse Belinda, face au svelte Enée de Philippe Cantor. Le choix d’un haute contre pour l’Enchanteresse n’est pas évident, même si Dominique Visse fait preuve, dans ce rôle très court, de son habituel brio. Guillemette Laurens, en Didon, elle aussi en constants progrès, malgré certaines raideurs »… »William Christie les dirige avec affection »… »La mise en scène de Pierre Barrat est un prodige d’intelligence »… »Rythmé par le bruit de la mer, le désespoir de Didon a rarement atteint une telle intensité tragique ». (Opéra International – avril 1983)
New York City Opera – 1979 – mise en scène Franck Corsaro – scénographie George Balanchine
Fulham Town Hall – 1979 – version scénique – Opera Integra – dir. Brian Galloway
Buenos Aires – Teatro Colon – 1978 – dir. Stuart Bedford – mise en scsène Michael Geliot – scénographie Roberto Oswald
Aix en Provence – 1978 – dir. Charles Mackerras – mise en scène John Copley – scénographie Stefanos Lazaridis – avec Janet Baker / Izora Rhodes (Didon), Alan Titus (Énée), Norma Burrowes (Belinda), Gillian Ross (Deuxième Dame), Kathleen Livingstone (Magicienne), Slorach (Première Sorcière), Armiston (Deuxxième Sorcière), Jimme O’Neil (Marin)
Amsterdam – Stadsschouwburg – 1976 – dir. Nikolaus Harnoncourt – mise en scène et scénographie Federick Mirtida
Opéra Royal du Château de Versailles – Festival de Mai de Versailles – 1974 – dir. Bernard Thomas – mise en scène et scénographie Dominique Delouche
Opéra de Lyon – 1973 – dir. Theodor Guschlbauer – mise en scène Gaston Benhaim – scénographie Jacques Rapp
Christopher Wren School, Shepherds Bush – 1973 – version de concert – Opera Integra – dir. Brian Galloway
Dallas – 10 novembre 1972 – dir. Rescigno – avec Tatiana Troyanos, John Vickers, Sciutti
Vadstena – 1969 – dir. Arnold Östman – mise en scène Leif Söderström
Festival de Saint-Jean-de-Luz – 1964 – mise en scène Jean Darnel – scénographie Jacques Rapp
Milan – Piccolo Scala – 1963 – dir. Bruno Maderna – mise en scène Margherita Wallmann – scénographie Jacques Dupont
Aldeburg – Göteborg – 1962 – English Opera Group – dir. Benjamin Britten – avec Janet Baker
Festival d’Aix en Provence – 1960 – Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire – Choeur du Conservatoire de Paris – dir. Elisabeth Brasseur – dir. Pierre Dervaux – mise en scène Michel Crochot – scénographie Suzanne Lalique – chorégraphie Geo Stone – avec Teresa Berganza (Didon), Hanny Steffek (Belinda), Gérard Souzay (Énée), Jane Berbié (Magicienne), Danièle Millet (Deuxième Dame), Christiane Harbell (Première Sorcière), Edmée Sabran (Deuxième Sorcière), Michel Lecocq (le Marin)
Teatro di Villa Olmo – Florence – Mai Musical Florentin – Vicence – Teatro Olimpico – Naples – Teatro San Carlo – Teatro di Corte – 1959 – dir. Ennio Gerelli – mise en scène Riccardo Baccheelli – scénographie Tina Sestini Palli – chorégraphie Luciana Novaro
Det Nye Teater – Norvège – 1953 – avec Bjarne Buntz, Kirsten Flagstad
Londres – Festival d’Angleterre – 1951 – Sadler’s Wells – Mermaid Theatre – avec Kirsten Flagstad
Londres – Festival d’Angleterre – 1951 – English Opera Group – dir. Benjamin Britten
Opéra de Rome – 1949 – dir. Gabriele Santini – mise en scène Alberto Lattuada – scénographie Fabrizio Clerici – chorégraphie Aurel M. Miloss
Florence – Mai Musical Florentin – 1940 – dir. Vittorio Gui – mise en scène Corrado Pavolini – scénographie Felice Casorati – chorégraphie Aurelio M. Miloss
Londres – Sadler’s Wells – novembre/décembre 1932 – dir. Collingwood – avec Joan Cross, Constance Willis, Sumner Austin, Edith Coates
Londres – Sadler’s Wells – novembre 1931 – dir. Lambert – avec Joan Cross, Sumner Austin – assorti du ballet Cephalus and Procris
Paris – Petite scène – 21 mars 1927 – version française – dir. Paul Landormy – avec Croiza
Munster – 1926 – dir. Rudolf Schulz-Dornburg – mise en scène Kurt Joos – décors Hein Heckroth
New York – Hôtel Plaza – 1923
Londres – Lyceum Theatre – 20 novembre 1895 – première reprise pour la bicentenaire de la mort de Purcell – Royal College of Music – dir. Stanford
Livret
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Opéra glass : livret
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Page pédagogique sur le Baroque à Nice