DVD L’Orfeo 1977

Édité aussi en coffret de 5 DVD avec Il Ritorno d’Ulisse et L’Incoronazione di Poppea

Critique de cet enregistrement dans :

Le Monde de la Musique – février 2007 – appréciation 4 / 5

« Après avoir décapé, reconstitué, réinventé au disque la « Trilogie » de Monteverdi, Nikolaus Harnoncourt, à la fin des années 1970 à l’Opéra de Zurich, s’est associé avec le metteur en scène Jean-Pierre Ponnelle pour soumettre son travail à l’épreuve de la scène. Il en est résulté trois spectacles vite devenus « cultes » et filmés dans la foulée. Sans renier son style — qui nous parait aujourd’hui un peu raide — il s’est adapté aux exigences du théâtre en pratiquant des coupures dans LeRetourd’Ulysse et dans Le Couronnement de Poppée et en choisissant par exemple un ténor, et non plus une soprano, pour chanter Néron.
L’O rfeo, édité pour la première fois en DVD, pose le principe, et le décor, qui restera le même dans les trois ouvrages. Nous sommes à la cour de Mantoue en 1607, où l’on joue une « fable en musique e qui n’est pas encore un opéra.
Aux antipodes de L’Orfeo aérien signé Trisha Brown et René Jacobs, l’esthétique Ponnelle, visuellement chargée et intellectuellement pertinente, est comme toujours alourdie par une direction d’acteurs appuyée, mais elle a plutôt mieux vieilli ici qu’ailleurs. Les chanteurs, parés à l’antique façon peinture vénitienne, forment une troupe homogène. »

Classica – février 2007 – appréciation Recommandé 10

« On dit bien les Monteverdi de Ponnelle. Car Harnoncourt en avait déjà fait, pour le disque et même la scène, et en refera, plus orthodoxes certes, mais moins ivres de sonorité caressante et jubilante, jamais aussi instrumentaux. Tout cela est convivial, festif, jubilant, bouleversant quand il faut et pour tout dire irrecommençable. C’est en quoi Ponnelle est maître d’oeuvre. Pour lui c’est une première et une dernière. Seul il supplée à une plantation de base, unique, pour les trois oeuvres telles que Zurich les a mises en scène, reconstituée à Vienne en studio pour les besoins des films quelques mois plus tard car c’est de films qu’il s’agit, utilisant aussi souvent que possible des approches, zooms et cadrages dont Brian Large (encore balbutiant à l’époque) n’aurait jamais eu la notion. Et le film, y ajoutant ses capacités propres, reporte et même accentue une urgence théâtrale, une présence, une wlnérabilité, une passion scéniques des personnages comme sans doute personne à l’époque (ni fait en sorte depuis, qu’on sache) n’imaginait que Monteverdi les supporte, et en vérité les appelle. Depuis on a fait du sage, du savant, de l’esthète; et certes du délirant. Mais du shakespearien et moliéresque à la fois, retrouvant des poses d’Arioste et d’Antiquité romaine (revue par Corneille ici, Racine là), dans un débridé mais très contrôlé mélange des genres, anticipant génialement sur la confusion du seria et du buffa l’un et l’autre encore à venir, pour ça il n’y a eu que Ponnelle, son inépuisable culture, nourricière de sa fantaisie. Les trois films, avec leurs limitations, le montrent parfaitement. On a dit limitation : une est là, criante, d’une injustice noire. Ponnelle est venu juste un peu trop tôt pour être libéré du play back, servitude et muselière que ses personnages engagés, passionnés, expressifs à 100% sont les derniers à mériter. Même quand les lèvres font de leur mieux (et en général elles font bien) pour imiter, le son, lui, audiblement vient d’ailleurs. Capté à Zurich, il a été reporté sur le filmage de studio à Vienne.
Premier représenté, l’Orfeo est resté expressément favola in musica. Un mythe se raconte en personnages, en situations, et des comparses autour font vie délicieux pastori (et jongleurs, acrobates, la fête au village), où on s’enchante de reconnaître, tout jeunots, Boesch, un Araiza à croquer. Huttenlocher est l’équivalent suisse du Prey que Ponnelle a dû rêver d’avoir. Il chante Orfeo en musicien suprême, avec des délicatesses de jeu et de visage admirables. La voix est ce qu’elle est. Mais cela donne une scène des Enfers à peu près inapprochable, poignante et poétique, avec la Speranza de Trudeliese Schmidt (déjà superbe en Musica). Plus saisissante encore, l’apparition en Messagera de Glenys Linos. Avec la présence des Dieux, des Princes, toute une figuration de Ciel et de Cour aux balcons, Ponnelle retrouve le brio scénique, la simplification virtuose de son Songe d’une nuit d’été (à la fois Britten et Shakespeare), significativement son tout premier vrai spectacle complet. »
… Tout est filmé avec une imagination, une vérité musicale jamais en défaut. L’image porte plus d’une fois (surtout dans Poppea) des traces de flou mais les couleurs sont restées franches (les rouges et les roux de Poppea, toujours). Quant au son, il est uniformément excellent. Harnoncourt avait instrumenté et réalisé le texte de Monteverdi selon les besoins très précis de la scène. On trouvera plus musicologique ailleurs, plus prétentieux aussi, nulle part aussi divinement et diversement sonore, ni servant et commentant de plus près une action théâtrale. Un Beckmesser trouverait cent peccadilles sur lesquelles faire crisser sa craie, dans une entreprise aussi colossale et aussi risquée, le 10 proposé ne sanctionne pas une impeccabilité, Dieu merci. Il salue, avec gratitude, une vitalité triomphante, et une entreprise comme on n’est pas près d’en recommencer et que la technique, pour une fois au rendez vous de l’Histoire, a su nous conserver, play back ou pas. »

Diapason – février 2007 – appréciation Diapason d’or

« Voici enfin en DVD le monument fondateur de la filmographie monteverdienne ! Pour de nombreux mélomanes des années 1970 à 1990, la découverte de la trilogie réalisée à l’Opéra de Zurich entre 1975 et 1978 par Nikolaus Hamoncourt et Jean-Pierre Ponnelle constitua une véritable expérience initiatique (les trois films furent diffusés pour la première fois à la télévision française en 1982, puis commercialisés sous la forme éphémère du Laserdisc). Elle incarna, dans le domaine de l’opéra baroque européen, ce que la production d’Atys serait dix ans plus tard pour le baroque français : une renaissance et un éblouissement. Attention ! Il ne s’agit pas ici d’opéras filmés, mais de véritables films d’opéra. Ils furent tournés en studio à Vienne, dans les décors zurichois, avec moult effets de montage (et quelques imperfections de synchronisation), de cadrage et d’image qui trahissent l’esthétique cinématographique des années 1970 (zooms à la Visconti pour mieux plonger au coeur de l’émotion, très gros plans sur les regards…).
Trente ans plus tard, il convient encore de saluer la mise en scène de Ponnelle, prodigieuse d’intelligence, multipliant les références historiques, esthétiques et culturelles, tendue vers un seul but : rendre lisible pour nos contemporains ces chefs-d’oeuvre d’un passé perdu. Ainsi, les magnifiques costumes de Pet Halmen se veulent historicisants, mais le jeu des acteurs et la lecture de Ponnelle sont résolument modernes. Par ce subtil alliage, le metteur en scène/décorateur et le costumier ont créé une imagerie somptueuse et édifiante, dont l’impact demeure aujourd’hui inaltéré. De plus, un principe scénogra­phique commun unifie la mise en scène des trois opéras. Les décors proposent diverses déclinaisons d’un dispositif unique, inspiré de l’architecture palladienne. Différents espaces sont associés à certaines catégories de personnages (divinités, héros et aristocrates, paysans et serviteurs) et communiquent entre eux. De même, l’orchestre devient un lieu de représentation et de passage, le chef et les instrumentistes sont abondamment filmés, jusqu’à devenir parfois de véritables acteurs participant à l’action.
Dans cet écrin somptueux, Harnoncourt distille avec art sa lecture visionnaire de trois partitions énigmatiques, dont il semble avoir pénétré tous les arcanes. Certes, les puristes renâcleront en voyant réunis dans l’ensemble orchestral des instrumentistes modernes de l’Opéra de Zurich et les habituels comparses du Concentus Musicus. Mais jamais l’émotion et l’intelligence ne se sont si lumineusement mariées dans une interprétation monteverdienne.
L’Orfeo est conçu comme une mise en abyme un spectacle pastoral est offert par le Duc et la Duchesse de Mantoue à leurs courtisans. Le spectateur contemporain assiste (et participe) ainsi à deux représentations simultanées celle d’une société soumise à une étiquette et à ses codes, et celle, en miroir, de la favola humaniste.
Enfin, quelle équipe d’interprètes fabuleux ! Certes, l’Orphée de Philippe Huttenlocher, plus épris d’humanité que de virtuosité, peut aujourd’hui décevoir…
Il est donc temps pour chacun de (re)découvrir ces chefs-d’oeuvre absolus, vieux de presque trente ans, et qui n’ont pourtant rien per­du de leur puissance dramatique et émotionnelle. »